Kategorie: Ausstellungen

Ausstellung / Exhibition: 8.3. – 12.4.2025
Öffnungszeiten / Opening hours: Do – Sa / Thu – Sat 14 – 19 h und nach Vereinbarung / and by appointment*

Nach zwei Monaten Umzugspause öffnen wir die Türen unseres neuen Standorts in der Rosa-Luxemburg-Straße 45 – und starten am Internationalen Frauentag, den 8. März 2025 ab 18 Uhr mit der von Susanne Prinz kuratierten Einzelausstellung von Alexandra Hopf: Being Renée Sintenis & The Women of My Life.

Alexandra Hopfs jüngste Ausstellung untersucht die Erzählungen von Frauen in der Kunst- und Kulturgeschichte neu und eröffnet einen Dialog über die sich wandelnden Wahrnehmungen von Selbst, Identität und Erinnerung.

Im Zentrum der Ausstellung steht ihr neuer Film Being Renée Sintenis, der die Berliner Bildhauerin Renée Sintenis (1888-1965) begleitet, eine gefeierte Figur der 1920er Jahre. Der Film zeigt, wie sich Sintenis ihre eigene Geschichte zurückerobert und das ihr auferlegte Image in Frage stellt. Die Kostüme der Produktion, die reich an kunsthistorischen Referenzen des 20. Jahrhunderts sind, sind Teil der Ausstellung.

In The Women of My Life verwandelt Hopf 77 Porträts aus dem historischen Buch Unsere Zeit in 77 Frauenbildnisse von 1930 via Hinterglasmalerei und verwebt diese neuen Bilder zu einer zeitgenössischen Anthologie, die von persönlichen Erinnerungen einflussreicher Frauen der 1970er bis 1990er Jahre geprägt ist.

Durch Film, Malerei und Performance schafft Hopf einen Raum für die Neuinterpretation historischer Narrative und bietet eine neue Perspektive auf die sich entwickelnden Konstruktionen von Identität und Repräsentation.

Eng.: After a two-month relocation break, we are opening our new space at Rosa-Luxemburg-Straße 45 with Alexandra Hopf’s solo exhibition: Being Renée Sintenis & The Women of My Life, curated by Susanne Prinz. We look forward to welcoming you on International Women’s Day, March 8, 2025, from 6 PM onwards.

Alexandra Hopf’s latest exhibition reexamines the narratives of women in art and cultural history, opening a dialogue on shifting perceptions of self, identity, and memory.

At the heart of the show is her new film, Being Renée Sintenis, which follows the Berlin sculptor Renée Sintenis (1888–1965), a celebrated figure of the 1920s. The film presents Sintenis reclaiming her own story, challenging the image imposed on her. Costumes from the production, rich in 20th-century art historical references, form part of the exhibition.

In The Women of My Life, Hopf transforms 77 portraits from the 1930 book Unsere Zeit in 77 Frauenbildnissen into reverse glass paintings, weaving them into a contemporary anthology shaped by personal memories of influential women from the 1970s to the 1990s.

Through film, painting, and performance, Hopf creates a space for reinterpreting historical narratives, offering a fresh perspective on the evolving constructs of identity and representation.

Die Produktion des Films Being Renée Sintenis wurde ermöglicht durch die Unterstützung der Akademie der Künste Berlin, der Stiftung Kunstfonds und der Hans und Charlotte Krull Stiftung. / The production of the film Being Renée Sintenis was made possible by the support of the Akademie der Künste Berlin, the Stiftung Kunstfonds and the Hans und Charlotte Krull Stiftung.

Ausstellung / Exhibition: 12.11. – 31.12.2024
Öffnungszeiten / Opening hours: Do – Sa / Thu – Sat 14 – 18 h und nach Vereinbarung / and by appointment*

Am Freitag, den 22.11.2024, bleibt die Ausstellung aufgrund einer internen Veranstaltung des Kunstvereins geschlossen. 

Die Einzelausstellung Goyo – Berlin mit Arbeiten des koreanischen Künstlers Han Chung Shik (1937 -2022) im Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz e.V. ist die erste Einzelausstellung dieses bedeutenden koreanischen Fotografen und Intellektuellen in Berlin.

Han, bekannt durch den zeitgenössischen Diskurs, den er ausgehend von der formellen, klassisch-koreanisch Ästhetik und Erzählung hinsichtlich der Aspekte reduktionisten Landschaftsfotografie entwickelt hat, hat die Wahrnehmung der koreanischen zeitgenössischen künstlerischen Ausdrucksformen innerhalb der Fotografie wesentlich verändert und ihre Entwicklung geprägt. Während der letzten Jahrzehnte hat der Künstler eine Ästhetik des Konzepts der „Gelassenheit“ (Goyo) entworfen, die das innere Bewusstsein der Natur und deren Dasein als wesentlichen Bestandteil seiner künstlerischen Forschung in den Mittelpunkt stellt. Parallel dazu entwickelte er literarische und philosophische Ideen, die dieses Konzept untermauern.

In seiner Fotografie verbindet der Künstler ausgeprägte fotografisch-formale Gesten mit der Ausarbeitung von Form und Gestalt zunehmend abstrakter Landschaften, indem er der Idee des fotografischen Akts als einem Vorgang nachspürt, der durch die Natur der Welt selbst ermöglicht wird, einschließlich der ihr innewohnenden Ideen und ihres unmittelbaren flüchtigen Ausdrucks.

Die Ausstellung wurde von Chiara Valci Mazzara und Susanne Prinz in Zusammenarbeit mit Ilwoo Lee kuratiert. Sie stellt eine Auswahl der repräsentativsten Arbeiten des Künstlers sowie einige bisher unveröffentlichte Werke vor. Sie wurde durch die großzügige Unterstützung von Han Chung Shik Estate, dem National Museum of Modern and Contemporary Art und der Korea Photographers Gallery, Seoul, ermöglicht.

Das Copyright liegt bei: Estate Han Chung Shik und Korea Photographers Gallery

Eng: Han Chung Shik’s (1937 -2022) solo exhibition Goyo – Berlin at the Kunstverein am Rosa Luxemburg Platz, is the first solo exhibition in Berlin of one among the most representative Korean artists, photographers and thinkers.

Han, renowned because of the discourse he developed from the classical and formalist Korean aesthetics and narratives and around the features of abstract landscape photography, significantly changed the perception – shaping its evolution- of the Korean contemporary artistic expressions within photography; during the last decades the artist theorised and then portrayed – while propounding his vision through a literary and philosophical lens – the aesthetics of the idea of ’serenity‘ as the concept of the inner awareness of the nature of existence and integral part of his artistic research.

In his photography the artist merges distinctive formalist photographic gestures with the development of the forms and shapes of abstract landscapes by tracing the idea of the act of photography as an act enabled by the very nature of the world including (abstract) ideas and their immediate fluxional expression.

Han Chung Shik works are in national and international private and public collections such as The National Museum of Contemporary Art (South Korea); the Seoul Museum of Art; The Seoul Museum of History; the Hanmi Museum of Photography and the Goeun Museum of Photography among many others.

The exhibition was curated by Chiara Valci Mazzara and Susanne Prinz in collaboration with Ilwoo Lee. It presents a selection of the artist’s most representative works as well as some previously unpublished pieces. It has been made possible by the generous support of the Han Chung Shik Estate, the National Museum of Modern and Contemporary Art and the Korea Photographers Gallery, Seoul.

Copyright all images @ Estate Han Chung Shik and @ Korea Photographers Gallery

* an gesetzlichen Feiertagen geschlossen / closed on public holidays

Ausstellung / Exhibition: 14.9. – 1.11.2024
Öffnungszeiten / Opening hours: Do – Sa / Thu – Sat 14 – 18 h und nach Vereinbarung / and by appointment*

Vorstellung der limitierten Sonderedition / lauch of the limited edition of You are mine (in Zusammenarbeit mit / in collaboration with Susanne Bürner und Monroe Books): 1.11.2024, 18-20 h

The Reading Room zeigt zentrale Werkserien und eine ortsspezifische Installation der in Berlin lebenden italienischen Künstlerin Daniela Comani. Die Arbeiten, speziell für diese Einzelausstellung produziert, basieren auf dem umfangreichen Archiv der Künstlerin. Sie thematisieren Geschlechterungleichheit und deren sozialpolitischen Verflechtungen in vermeintlich gleichberechtigten Gesellschaften, indem sie auf Themen wie Gewalt und Machtdynamiken aufmerksam macht, die in der Sprache und ihrer Verwendung verwurzelt sind.

Comani, die sich seit Beginn ihrer Karriere mit Geschlecht, Identität und sozialen Stereotypen auseinandersetzt, verwendet oft textbasierte Werke, um sprachlich bedingte Diskriminierung und Klischees, die durch Medien perpetuiert werden, aufzudecken. Oft kehrt sie dazu die gegebenen Geschlechterrollen um und forciert so eine andere Wahrnehmung. So auch in den elf neuen Werken aus der Serie You are Mine, in denen Comani ihre Recherchen zu Femiziden fortsetzt. Diese, wie auch die zugehörige neue Videoarbeit Reversal Exercise, veranschaulicht diesen Prozess und laden ein, zu erleben, wie eine einfache Geschlechterumkehr eine Erzählung dramatisch ändert.

You are Mine ist die Fortsetzung einer Serie, die sich mit denselben Verbrechen in Italien beschäftigt und 2022 in der Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea in Rom präsentiert wurde. Sie bezieht sich auf kurze Pressetexte zu häuslicher Gewalt und gewaltsamen Beziehungstaten. Durch die Einbindung von Artikeln aus deutschen Medien wird die Brisanz des Themas deutlich und als ein drängendes Problem vor unserer eigenen Haustür entlarvt.

Vergleichbar ist auch die ortsspezifische Installation Orlando’s Library organisiert. Virginia Woolfs geschlechtsfluidem Charakter Orlando gewidmet, zeigt sie Bücherregale mit einem bekannten Lesekanon, der nun verwirrenderweise ausschließlich von Heldinnen beherrscht wird. Aus Musils Der Mann ohne Eigenschaften wird so Die Frau ohne Eigenschaften. Die über 300 digital platzierten Büchern in den Regalen stammen aus der laufend durch die Künstlerin erweiterten Serie Neue Veröffentlichungen herausgegeben von Daniela Comani (2007ff), deren Titel alle von ihr verändert werden.

Zusätzlich wird eine Auswahl aus der fortlaufenden Serie Cover Versions gezeigt, in der die Künstlerin Titelbilder von politischen Magazinen wie Time oder Der Spiegel mit Selbstporträts in die Rolle des Protagonisten der Schlagzeilen versetzt.

Zur Eröffnung der Ausstellung wird anlässlich der Berlin Art Week bis 22. September eine von Daniela Comani konzipierte urbane Intervention auf der Plakatwand in der Tor- / Karl-Liebknecht-Straße zu sehen sein.

Im Rahmen der Ausstellung wird das neue Künstlerbuch You Are Mine von Daniela Comani – erschienen bei Monroe Books – präsentiert.

Die Ausstellung ist kuratiert von Chiara Valci Mazzara und Susanne Prinz.

*Biografie am Ende der Seite / for biography scroll down

Eng: The Reading Room shows central series of works and a site-specific installation by the Berlin-based Italian artist Daniela Comani. The works, produced especially for this solo exhibition, are based on the artist’s extensive archive. They address gender inequality and its socio-political entanglements in supposedly equal societies by drawing attention to issues such as violence and power dynamics that are rooted in language and its use.

Comani, who has been exploring gender, identity, and social stereotypes since the beginning of her career, often uses text-based works to expose linguistic discrimination and clichés perpetuated by the media. She frequently reverses the given gender roles and thus forces a different perception. This is also the case in the eleven new works from the series You are Mine, in which Comani continues her research into femicide. These, as well as the new video work Reversal Exercise, illustrate this process and invite the viewer to experience how a simple gender conversal dramatically changes the narrative. 

You are Mine is a continuation of a series that addresses the same crimes in Italy and was presented in 2022 at the Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea in Rome. The work draws on brief press reports about domestic violence and violent relationship crimes. By incorporating articles from German media, the urgency of the issue is highlighted, revealing it as a pressing problem right on our doorstep.

The site-specific installation Orlando’s Library is organised in a similar way. Dedicated to Virginia Woolf’s gender-fluid character Orlando, it shows bookshelves with a well-known reading canon that is now bewilderingly dominated by heroines. In addition, the ongoing series Cover Versions will be shown, in which the artist reinterprets magazine covers with self-portraits to create a media diary.

In this way, Musil’s Der Mann ohne Eigenschaften becomes Die Frau ohne Eigenschaften. The over 300 digitally placed books on the shelves are part of the ongoing series New Publications edited by Daniela Comani (2007 and ongoing), in which all titles have been altered by the artist.

Additionally, a selection from the ongoing series Cover Versions will be displayed, in which the artist places self-portraits in the role of the protagonist of headline stories by reimagining the covers of political magazines such as Time or Der Spiegel.

In celebration of Berlin Art Week, an urban intervention conceived by Daniela Comani will be featured on the billboard at Tor-/Karl-Liebknecht-Straße until September 22nd, coinciding with the exhibition’s opening.

As part of the exhibition, Daniela Comani’s new artist book You Are Mine, published by Monroe Books, will be presented

The exhibition was curated by Chiara Valci Mazzara and Susanne Prinz.

*Daniela Comani (1965, Bologna, IT) is a multimedia artist whose work engages in a dialogue about history, gender, language, and identity. Using photography, text, and installation, she works with both manipulated and appropriated media images and the performance of self. Using “gendering” as an artistic strategy, Comani challenges stereotypes, history, identity, and the interpretation of language.Her series are frequently published as artist books, and function as art pieces that she conceives and designs, often becoming an element within her installations.Comani’s work has been shown internationally, most recently: BIENALSUR, Real Fictions, Centro Cultural Kirchner, Buenos Aires (2023). Solo exhibitions include: “Planet Earth: 21st Century“, Museum Folkwang, Essen (2023), “YOU ARE MINE“, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Rome (2022). Her works are currently on display at the Neues Museum Nürnberg and Palazzo Ducale in Genoa. She lives and works in Berlin.

* an gesetzlichen Feiertagen geschlossen / closed on public holidays

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Ausstellung / Exhibition: 9. – 31.8.2024
Öffnungszeiten / Opening hours: Mi – Sa / Wed – Sat 14 – 18 h und nach Vereinbarung / and by appointment

Führung durch die Austellung / guided tour (inklusive / including Haus der Statistik) mit / by Silke Nowak: 22. + 24. + 29.08. 2024 · 16 h

Künstler*innen / Artists: Jasmina Al-Qaisi, Chto Delat, CLUBS OF THE FUTURE – Materials, Ilya Dolgov, Berit Fischer, Andreas Fogarasi, Abrie Fourie,Katya Gardea Browne, Oskar Helcel & Martin Netočný, Suza Husse, Dana Kavelina, Sarat Maharaj & Ecke Bonk, Sajan Mani, MITKUNSTZENTRALE, Henrike Naumann, Mikhail Lylov, Andrea Pichl, Elske Rosenfeld, SATELLIT, Åsa Sonjasdotter & Mercè Torres Ràfols, Fetewei Tarekegn, Gitte Villesen, Ming Wong, Ina Wudtke, Anna Zett

Kuratorin / Curator: Dorothee Albrecht | Ko-Kurator*innen / Co-curators: Mikhail Lylov, Susanne Prinz | Berater / Advisor: Prof. Dr. Sarat Maharaj | Programm / Programme: Jochen Becker, Suza Husse & Elske Rosenfeld, Mikhail Lylov

Veranstaltungsprogramm und weitere Informationen /
Event programme and further information: www.clubsofthefuture.net

Dt.:     CLUBS der ZUKUNFT – Gemeinsame Räume in Übergangsgesellschaften – ist eine Ausstellung an zwei Orten mit einem Vortragsprogramm und Workshops an verschiedenen Standorten rund um den Alexanderplatz im Zentrum Berlins.

CLUBS der ZUKUNFT nimmt gemeinschaftliche Räume weltweit, insbesondere Kulturhäuser in Europa und der DDR, als Ausgangspunkt und eröffnet einen Reflexionsraum zu aktuellen Projekten des Gemeinschaftlichen, des Commoning und der Reform. Das Projekt findet in einer Zeit des Wandels statt, in der kollaborative Praktiken, alternative Ökonomien, neue Netzwerke sowie gemeinsame zivile Räume und Gesellschaften neu erprobt und ausgehandelt werden.

Anlass für das Projekt war eine Recherche über die rund 1800 Kulturhäuser in der ehemaligen DDR, von denen zwei Drittel nach der Wende geschlossen wurden. Bis heute klafft hier eine Lücke, die gerade von rechten Gruppen ausgenutzt wird.

Die Ausstellungen im Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz und im Haus der Statistik (OTTO-Halle) im Sommer/Herbst 2024 sind raum-zeitlich verschränkt und präsentieren eine erste Sammlung, die in Zukunft am weiteren Orten Osteuropas und der Welt fortlaufend ergänzt und gezeigt werden soll.

Mehrere Ebenen agieren parallel und spannen visuell-poetisch-diskursive Bögen zwischen unterschiedlichen Projekten. Dabei werden Bezüge zu historischen Kulturhäusern in Osteuropa hergestellt, so bei Andreas Fogarasis Projekt Kultur und Freizeit zu Kultur- und Bildungshäuser in Budapest und bei Enlightenment, Culture, Leisure: Houses of Culture in Czechoslovakia von Oskar Helcel & Martin Netočný.

Culture without a house – A rose without roots – Toward a History of the Rose House of Culture von Chto Delat reflektiert ihr eigenes, das Publikum aktiv einbeziehendes, von 2015-2022 bestehendes Projekt Rosa House of Culture in St. Petersburg, das sich auf  Kulturhäuser in den sozialistischen Ländern bezog.

In Kollaboration mit unterschiedlichsten Partner*innen präsentiert CLUBS der ZUKUNFT prototypische Workshop- oder Club-Formate, die einen verstetigten gemeinschaftlichen Rahmen für unterschiedlichste Anliegen und Interessen ermöglichen:

Die Videoarbeit Greif zur Feder von Ina Wudtke bezieht sich konkret auf die Schreibzirkel in den Kulturhäusern der DDR. Ihre Installation Black Lives Audio Triptych / Part III / Hilarius Gilges legt Spuren der Geschichte Schwarzer Menschen in Deutschland frei und erinnert multidirektional an vergangene und gegenwärtige antirassistische Kämpfe.

In Andrea Pichls Installation Klub Zukunft werden eine Standard-Zweizimmerwohnung der DDR-Wohnungsbaureihe 70, eine Zweizimmerwohnung eines Plattenbaus der Co-op City in der Bronx in New York und eine Zweizimmerwohnung der Plattenbauten in Ballymun in einem Vorort von Dublin in Beziehung zueinander gesetzt.

Elske Rosenfelds Wandcollage In eigener Sache basiert auf Covern von Hobby- und Naturzeitschriften aus dem letzten Jahr der DDR sowie Auszügen aus Leserbriefen und Editorials aus den verwendeten Heften.

Henrike Naumann Performance-Projekt im Drama-Theater der westukrainischen Stadt Iwano-Frankiwsk setzt sich mit der Situation in einem Land im Kriegszustand auseinander. Eine weitere Untersuchung zu Krieg und Katastrophe bringt Dana Kavelina mit ihrer Videoarbeit Why There are no Monuments to Monuments ein.

Das Gemeinschaftliche als Thema von CLUBS der ZUKUNFT wird explizit vorgeführt bei Ming Wongs Videoarbeit Kontakthope, die einen „Tanztheater“-Workshop mit Kurator*innen und Künstler*innen dokumentiert, bei dem sie Tanzroutinen aus Pina Bauschs Kontakthof einübten.

In ihrem partizipativen Forschungsprojekt Resonanz – Postsozialistische Gruppenimprovisation entwickelte Anna Zett zusammen mit dem Performer und Choreograph Hermann Heisig ein offenes Spielformat für kleinere und größere Gruppen.

Berit Fischers Radical Empathy Lab ist ein fortlaufendes Sozial- und Forschungslabor für alternative und ganzheitliche Wissensproduktion, das relationales – im Gegensatz zu informativem – Lernen und das, was die brasilianische Theoretikerin Suely Rolnik den „wissenden Körper“ nennt, umfasst.

Für den weit gefassten Referenzrahmen stehen aktuelle Projekte wie Sajan Manis Wake-Up Calls for My Ancestors, bei dem er rassistische Praktiken dekonstruiert und koloniales Urheberrecht befragt. Abrie Fouries Installation MAPSA Bricks & Books bezieht sich direkt auf Modern Art Projects South Africa (MAPSA), ein Ort für zeitgenössische Kunst und Tonziegel-Herstellung in Richmond in der Karoo-Halbwüste.

Das wohl älteste Club-Format in unserem Projekt ist die kritische Analyse AAH Room (Apartheidera Art History Room) auf Salisbury Island, Durban an der University College for Blacks of Indian Origin von Sarat Maharaj, grafisch gestaltet von Ecke Bonk.

Ausgangspunkt für einen feministischen Lese-Club könnte die Videoarbeit It grew fur again, lost it, developed scales, lost them von Gitte Villesen sein. Sie widmet sich verschiedenen Formen von Empfindsamkeiten und der Science-Fiction-Literatur, u.a. der Autorinnen Suzette Haden Elgin und Octavia E. Butler.

Lokal in Berlin verankert ist der SATELLIT, ein Ort für Kunst und Kochen, Nachhaltigkeit und Begegnung im Barnimkiez am Volkspark Friedrichshain an dem sich vielfältige Personen, Ideen und Geschichten versammeln. Genauso die MITKUNSTZENTRALE – als Teil der Initiativen und Projekte des Haus der Statistik / Haus der Materialisierung. Sie versteht sich zugleich als Atelier, Labor, Projektraum, Ausstellungsort und Diskussionsforum für die drängenden Fragen urbaner gesellschaftlicher Zukunft.

Insbesondere Gartenprojekte erscheinen zukunftsweisend: Katya Gardea Brownes A floating garden & exchange of seeds verschränkt ihre künstlerische Arbeit mit dem Projekt Cuemanco Xochimilco in Mexico, mit der dortigen Vegetation, dem Anbau von Saatgut und der Nahrungsmittelproduktion und entwickelt bewegliche Strukturen und Biofilter auf einem großen Gewässer in einem nachhaltigen System.

Åsa Sonjasdotter & Mercè Torres Ràfols – The Kale Bed is so Called Because there is Always Kale in it folgt den Ereignissen während der Großen Hungersnot in Irland, die durch die Kartoffelfäule verursacht wurde. Die vorher verdrängten Grünkohl-Pflanzen lieferten außerhalb der bewirtschafteten Gartenflächen in Situationen extremer Knappheit wichtige Nährstoffe.

Ilia Dolgov – Compound Selves: The Cichlasoma Accident verbindet Laichtänze von Aquarienfischen mit katastrophalen Pflanzeninfektionen, hybriden Formen von leidenschaftlichem Wissen und intuitive Technologien.

Jasmina Al-Qaisi & Mikhail Lylovs Workshop mit Kindern Sharing Tomatoes With the Slugs erinnert uns an Erfahrungen mit informeller kollektiver Pädagogik, die in Küchen, Gärten, auf der Straße, vor und hinter unseren Häusern, in nahe gelegenen Wäldern und an Flussufern stattfand. Die materiellen Ergebnisse dieses Prozesses werden in der Ausstellung in Form einer Sammlung von visuellen Gedichten und einer Soundarbeit für eine Radioaktion präsentiert.

Die Kunstausstellungen und das Veranstaltungsprogramm, deren aktuelle Termine Sie auf unserer Webseite Clubs of the Future  finden, schaffen einen poetisch-ästhetischen Frageraum. Dieser Zwischenraum ist nicht allein diskursiv greifbar, sondern steht in einem spannungsvollen Verhältnis zu einem konkreten Möglichkeitsraum, der in einer Reihe von Workshops entwickelt wird.

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Eng.:    CLUBS of the FUTURE departs from communal spaces in different parts of the world, in particular Houses of Culture across Europe and in the GDR, and opens up a space for reflection on current projects of collectivity, commoning and reform. The project takes place in a time of transition in which practices of collaboration, alternative economies, novel networks, shared civic spaces and societies are being renegotiated and put to the test.

The project arose from research into the approximately 1,800 GDR Houses of Culture, two thirds of which were closed after reunification. This closure has created a gap that is being exploited especially by right-wing groups.

The exhibitions on display at the Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz and the Haus der Statistik (OTTO-Halle) in summer/autumn 2024 are spatio-temporally interlinked and present an initial collection that will be continuously expanded and shown at other locations in Eastern Europe and around the world.

Multiple levels run in parallel, spanning visual-poetic-discursive arcs between different projects. References are made to historical Houses of Culture in Eastern Europe, for example in Andreas Fogarasi’s project Kultur und Freizeit (Culture and Leisure) on cultural and educational centres in Budapest and in Enlightenment, Culture, Leisure: Houses of Culture in Czechoslovakia by Oskar Helcel & Martin Netočný.

Culture without a House – A Rose without Roots – Toward a History of Rosa’s House of Culture by Chto Delat reflects on their own project Rosa’s House of Culture in St. Petersburg, staged from 2015–2022, which actively involved the public and related to the houses of culture in the socialist countries.

CLUBS of the FUTURE collaborates with many different partners in order to introduce prototypical workshop or club formats which offer a continuing community framework for a wide range of concerns and interests:

The video work Greif zur Feder (Grab a Pen) by Ina Wudtke refers specifically to the writing circles in the Houses of Culture of the GDR. Her installation Black Lives Audio Triptych / Part III / Hilarius Gilges exposes traces of the history of Black people in Germany and serves as a multidirectional reminder of past and present anti-racist struggles.

In Andrea Pichl’s installation Klub Zukunft (Future Club), a standard two-room flat from the GDR’s housing series 70, a two-room flat from a prefabricated building in Co-op City in the Bronx, New York and a two-room flat from the prefabricated buildings in Ballymun in a suburb of Dublin are brought in relation to each other.

Elske Rosenfeld’s wall collage In eigener Sache (On Your Own Account) is based on covers of hobby and nature magazines from the last year of the GDR, along with excerpts from letters to the editor and editorials from the magazines used.

Henrike Naumann’s performance project at a drama theatre located in the western Ukrainian city of Ivano-Frankivsk deals with the situation prevailing in a country at war. A further examination of war and catastrophe is contributed by Dana Kavelina with her video work Why There are no Monuments to Monuments.

The communal as a central theme of CLUBS of the FUTURE is explicitly demonstrated in Ming Wong’s video work KONTAKTHOPE, documenting a “dance theatre” workshop with curators and artists in which they rehearsed dance routines drawn from Pina Bausch’s Kontakthof.

In her participatory research project Resonance – Post-Socialist Group Improvisation, Anna Zett developed an open play format for smaller and larger groups together with the performer and choreographer Hermann Heisig.

Berit Fischer’s Radical Empathy Lab is an ongoing social and research laboratory for alternative and holistic knowledge production that embraces relational – as opposed to informational – learning and what Brazilian theorist Suely Rolnik calls the “knowing body”.

Representing our broad referential framework are current projects such as Sajan Mani’s Wake-Up Calls for My Ancestors, in which he deconstructs racist practices and questions colonial copyright. Abrie Fourie’s installation MAPSA Bricks & Books refers directly to Modern Art Projects South Africa (MAPSA), a venue for contemporary art and the production of clay bricks located in Richmond in the Karoo semi-desert. Another research format is the AAH Room(Apartheidera Art History Room) on Salisbury Island, Durban at the University College for Blacks of Indian Origin by Sarat Maharaj, graphically designed by Ecke Bonk.

The starting point for a feminist reading club could be the video work It grew fur again, lost it, developed scales, lost them by Gitte Villesen. It explores various forms of sensibility and science fiction literature, including that of authors Suzette Haden Elgin and Octavia E. Butler.

Locally anchored in Berlin is SATELLIT, a space conceived for art and cooking, sustainability and encounters in the Barnimkiez neighbourhood of Volkspark Friedrichshain, where many different people, ideas and stories come together. The same goes for the MITKUNSTZENTRALE – as part of the initiatives and projects of the Haus der Statistik / Haus der Materialisierung. It sees itself as a studio, laboratory, project space, exhibition venue and discussion forum for the pressing questions related to the future of an urban society.

Particularly garden projects appear future orientated: Katya Gardea Browne’s A Floating Garden & Exchange of Seeds interweaves her artistic work with the Cuemanco Xochimilco project in Mexico – with the vegetation there, the cultivation of seeds and food production – and develops movable structures and biofilters on a large body of water in a sustainable system.

Åsa Sonjasdotter & Mercè Torres Ràfols’ The Kale Bed is so Called Because there is Always Kale in it traces the events of the Great Famine in Ireland, caused by the potato blight. In situations of extreme scarcity, the previously displaced kale plants had provided essential nutrients from outside the cultivated garden areas.

Ilya Dolgov’s What moves inside me, you introduces an amalgamation of aquarium fish spawning dances, devastating plant infections, hybrid forms of passionate knowledge and intuitive technologies.

Jasmina Al-Qaisi & Mikhail Lylov’s children’s workshop Sharing Tomatoes with the Slugs reminds us of experiences of the kinds of informal, collective pedagogy that would take place in kitchens, gardens, on the street, in front of and behind our houses, in nearby forests and on riverbanks. The material results of this process are featured in the exhibition in the form of a collection of visual poems and a sound work for a radio action.

The art exhibitions together with the programme of events, of which the current dates can be accessed on our website Clubs of the Future, generate an in-between space which, rather than being understood solely on the discursive level, constitutes a poetic-aesthetic space of inquiry in an interplay with a concrete space of possibility developed in a series of workshops

 

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Die Realisierung des Projektes wird aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds ermöglicht. / This project could be realized with the support of

 

 

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