Kategorie: Ausstellungen

  • Lennart Lahuis, In All Weathers

    Lennart Lahuis, In All Weathers

    Ausstellungsdauer / Exhibition dates:
    12.6.2026 – 1.8.2026

    Eröffnung / Opening: 11.6.2026, 18h

    In All Weathers ist die erste Einzelausstellung des niederländischen Künstlers Lennart Lahuis in einem deutschen Kunstverein. Die Ausstellung untersucht Prozesse der Transformation, Instabilität und des Austauschs, die sowohl natürliche Umwelten als auch menschliche Sinn- und Bedeutungssysteme prägen.

    Im Zentrum von Lahuis’ Praxis steht das Verhältnis von Materie und Sprache. Wasser, Feuer, Luft und Erde erscheinen dabei nicht als stabile Kategorien, sondern als Kräfte in stetiger Veränderung. Sie tragen Spuren von Leben, Erinnerung und Erzählung in sich und bilden die Grundlage von Mythen, Geschichten und Wissenssystemen ohne eindeutigen Ursprung. Wie Flüsse, Sedimente oder Wettermuster werden diese Erzählungen fortwährend geformt, umgeschrieben und durch Erosion verändert.

    Die Ausstellung vereint vier Werkgruppen und verfolgt die Bewegung von Information durch unterschiedliche Aggregatzustände und Materialien. Texte treten als Spuren in getragenem Denim hervor, werden durch Schweiß und Oxidation in erhitzten Stahl eingeschrieben, erscheinen flüchtig als Wasserdampf in der Luft und bestehen als fragmentierte Inschriften in Ton fort. Sprache bleibt in all diesen Arbeiten niemals festgelegt. Sie wird von Körpern, Wettersystemen, geologischen Prozessen und Oberflächen getragen, die ihre Form fortlaufend verändern.

    Schreiben, Einschreiben und Erosion kehren in der Ausstellung als wiederkehrende Gesten wieder. Die Tonarbeiten der Serie MURMUR erinnern an archäologische Fragmente, deren Bedeutung unvollständig bleibt, während HYDROLOGY den Wasserkreislauf durch Wörter sichtbar macht, die in der Atmosphäre erscheinen und wieder verschwinden. Die Denim-Arbeiten und die CALORGRAPHS zeichnen auf ähnliche Weise Formen von Berührung und Kontakt auf und übersetzen alltägliche Gewohnheiten sowie körperliche Präsenz in subtile Zeugnisse von Zeit und Veränderung.

    Anstatt feste Bedeutungen oder eindeutige Erzählungen anzubieten, rücken die Arbeiten Prozesse des Entstehens und Verschwindens in den Vordergrund. Materie fungiert dabei als temporärer Träger von Erinnerung, während die Bedeutung fortwährender Veränderung unterliegt. Die Werke gleichen sorgfältig angelegten Versuchsanordnungen des Denkens, die die Bedingungen ihrer eigenen Möglichkeit nie vollständig festlegen können, und gerade in dieser Offenheit gewinnen sie ihre Form.

    Bio: Lennart Lahuis (NL) lebt und arbeitet in Brüssel. Er studierte am ArtEZ Institute of the Arts in Zwolle/Arnhem sowie an De Ateliers in Amsterdam. Residenzen führten ihn unter anderem an das Banff Centre for Arts and Creativity (Kanada), die Glasgow Sculpture Studios und Sundaymorning @EKWC. Seine Arbeiten waren zuletzt in Einzel- oder Duoausstellungen im Bergson (München), Museum Schloss Moyland und im Fries Museum zu sehne. In seinen skulpturalen und installativen Arbeiten verbindet Lahuis Materialität, technische Systeme und fragile Gleichgewichte.

    Kuratorische Leitung: Susanne Prinz

    In All Weathers is the first solo exhibition by the Dutch artist Lennart Lahuis in a German Kunstverein. The exhibition explores processes of transformation, instability and exchange that shape both natural environments and human systems of meaning. 

    At the core of Lahuis‘ practice lies the relationship between matter and language. Water, fire, air, and earth appear not as stable categories, but rather forces in constant transformation. They carry traces of life, memory and storytelling, forming the basis of myths, histories and systems of knowledge that have no single origin. Like rivers, sediments or weather patterns, these narratives are continuously shaped, rewritten and eroded over time.

    Bringing together four bodies of work, In All Weathers follows the movement of information through different states of matter. Texts emerge as traces in worn denim, are drawn onto heated steel through perspiration and oxidation, appear briefly as water vapour in the air, and persist as fragmented inscriptions impressed into clay. Across these works, language is never fixed. It is carried by bodies, weather systems, geological processes and material surfaces that continuously alter its form.

    Throughout the exhibition, acts of writing, imprinting and erosion function as recurring gestures. The clay works of the MURMUR series evoke archaeological fragments whose meanings remain incomplete, while HYDROLOGY renders the water cycle visible through words that materialise and dissolve in the atmosphere. The denim works and CALORGRAPHS similarly register forms of contact, translating everyday habits and bodily presence into subtle records of time and transformation.

    Rather than offering fixed meanings or definitive narratives, the works foreground processes of emergence and disappearance. Matter acts as a temporary carrier of memory, while meaning remains subject to continuous revision. The works resemble carefully constructed experimental arrangements of thought, which can never fully secure the conditions of their own possibility – and it is precisely in this lack of closure that they take form.

    Bio: Lennart Lahuis (NL) lives and works in Brussels. He studied at the ArtEZ Institute of the Arts in Zwolle/Arnhem and at De Ateliers in Amsterdam. Residencies have taken him to the Banff Centre for Arts and Creativity (Canada), Glasgow Sculpture Studios and Sundaymorning @EKWC, among others. His work was recently shown in solo and duo exhibitions at Bergson (Munich), Museum Schloss Moyland and the Fries Museum. In his sculptural and installation-based practice, Lahuis brings together materiality, technical systems and fragile equilibria.

    Curatorial lead: Susanne Prinz

  • Friederike Feldmann & Paul McDevitt, Renovieren

    Friederike Feldmann & Paul McDevitt, Renovieren

    Ausstellungsdauer / Exhibition dates:
    6.3.2026 – 18.04.2026

    17.4.2026 ab/from 19 h Intervention: ITINERANT INTERLUDE #2

    Die in Berlin lebenden Künstler:innen Friederike Feldmann und Paul McDevitt präsentieren ein gemeinsames Projekt, das sich nahezu vollständig entlang der Wände des Ausstellungsraums entfaltet. Renovieren ist eine kluge, unterhaltsame und meisterhaft ausgeführte Reflexion des Mediums Malerei mit seinen eigenen Mitteln und gleichzeitig eine feinsinnige Selbstreflexion der beiden Maler:innen über ihr eigenes künstlerisches Tun. 

    Thematisch wie motivisch speist sich das Projekt im Wesentlichen aus dem Repertoire jener anderen „Maler“, der Dekorateure und Anstreicher, deren Berufsbezeichnung mit der der Künstler:innen identisch ist.

    Feldmanns expansive malerische Gesten, in denen Pinsel und Oberfläche ineinander übergehen, greifen in diesem Kontext noch stärker als sonst in die Architektur aus und lösen die Grenze zwischen Bild und Wand auf. McDevitt, dessen Praxis in Zeichnung, Druckgrafik und grafischer Intervention verwurzelt ist, bringt eine eigenständige, geschichtete Bildsprache ein, geprägt von Unmittelbarkeit und Rhythmus, verbunden mit einer überraschend spielerischen Haltung gegenüber den Werkzeugen und Materialien des handwerklichen Maleralltags, den vertrauten Utensilien seiner beruflichen Namensvetter.

    In ihrer räumlichen Verschränkung entsteht eine vielschichtige Bildarchitektur, die den Innenraum des Kunstvereins transformiert und die Besucher:innen dazu einlädt, die Wände nicht als bloßen Hintergrund, sondern als aktive, reagierende Oberflächen zu erfahren.

    Kuratorische Leitung: Susanne Prinz

    Zum Abschlusswochenende veranstalten wir einen besonderen Performance-Abend im Rahmen von ITINERANT INTERLUDES, kuratiert von Laurie Schwartz. Die Reihe bringt Künstler*innen aus den Bereichen Klang und Performance in Dialog mit aktuellen Ausstellungen in ganz Berlin und schafft Begegnungen zwischen visuellen und auditiven Praktiken.

    17. April, ab 19 Uhr: ITINERANT INTERLUDE #2: Alexey Kokhanov und Natalia Pschenitschnikova, Stimmen
    ITINERANT INTERLUDES wird unterstützt durch Initiative Neue Musik Berlin.

    Berlin-based artists Friederike Feldmann and Paul McDevitt present a joint project occupying almost the entire wall surface of the exhibition space. Renovieren – English “to renovate” – is a clever, entertaining, and masterfully executed reflection on the medium of painting using its own means, and at the same time a subtle self-reflection by the two painters on their own artistic practice.

    Thematically and materially, the project draws almost entirely on the repertoire of other “painters”: those decorators and house painters whose professional title happens to be identical to that of the artists.

    Feldmann’s expansive painterly gestures, where brush and surface blur into one another, extend in this context even more than usual onto the architecture, dissolving the boundary between image and wall. McDevitt, whose practice is rooted in drawing, print, and graphic intervention, introduces a distinct layered visual language marked by immediacy and rhythm, coupled with a surprisingly playful engagement with the tools and materials of a renovation site – the everyday instruments of his professional namesakes. In their spatial convergence, the works generate a charged visual field that transforms the interior of the Kunstverein, inviting visitors to encounter the walls not as backdrop but as active, responsive surfaces.

    Curatorial lead: Susanne Prinz

    To mark the closing weekend, we are hosting a special evening of performances as part of ITINERANT INTERLUDES, curated by Laurie Schwartz. The series brings together artists working with sound and performance in dialogue with ongoing exhibitions across Berlin, creating encounters between visual and aural practices.

    April 17, from 19 h: ITINERANT INTERLUDE #2: Alexey Kokhanov and Natalia Pschenitschnikova, Stimmen
    ITINERANT INTERLUDES is supported by:
  • Marco Siciliano, circa

    Marco Siciliano, circa

    Eröffnung / Opening:
    6.2.2026, 18 Uhr / 6 pm

    Ausstellungsdauer / Exhibition dates:
    7.2.2026 – 21.02.2026

    Conceived as an off-program intervention between two exhibitions, circa unfolds at the Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz during a moment of institutional suspension. The project occupies a space that remains physically untouched, unlit, and formally undecided. Rather than proposing answers, the exhibition addresses the public through questions, activating perception instead of assertion.

    The exhibition takes the threshold as both subject and condition: a space of uncertainty in which time loosens its grip and architecture becomes temporarily soft. In this interstitial moment—neither exhibition nor void—the Kunstverein appears less as a container of meaning than as a site of latency. Siciliano’s interventions are deliberately ephemeral, defined by their temporary presence and by subtle shifts in light, attention, and bodily awareness.

    Light functions as the fil rouge of the exhibition, articulating a sequence with a beginning, an interlude, and an end. Each of the three site-specific installations is introduced by a single page from a book relating to it. Recreated on handmade paper, these pages bear watermarks that become visible only through backlight, recalling the traces of dried leaves or dog-eared corners that render books singular over time. The texts revealed—Ocean Vuong’s Threshold from Night Sky with Exit Wounds (2017), Ettore Sottsass’s Di chi sono le case vuote? (2021), and Paul B. Preciado’s Can the Monster Speak? (2020)—form a constellation of voices reflecting on vulnerability, abandonment, and the possibility of speech from within liminal states.

    The first installation, 23:59, reflects on the construct of time that defines midnight as a decisive threshold. That single minute which marks the passage from one day to the next—mythically charged as the moment when reality alters—appears here as a suspended image in space. The refracted reflections of a disco ball are painstakingly hand-painted onto the walls using phosphorescent pigment. Charged throughout the day by natural and artificial light, these fragments emerge in darkness and slowly fade, disappearing only to be reactivated again. Time is neither linear nor resolved, but caught in a loop of appearance and disappearance.

    Circa 2026 turns to the architecture of exhibition-making itself, reflecting on the white cube and its anticipated exhaustion. Neon lights—the emblematic infrastructure of contemporary display—are here replaced with tubes nearing the end of their lifespan. Flickering or shifting toward a soft pink hue, they cast the space into a state of near-darkness. The visitor enters an environment suspended in an undefined “circa,” uncertain of when illumination will fully cease. The gallery becomes a place on the verge of disappearance, a limbo removed from the certainties of both function and duration.

    A third intervention, titled 37° 18’ 14,688” N, 14° 12’ 54,078” E, occupies a small window visible only from outside the Kunstverein. Printed on semi-transparent fabric, it depicts an image of sunlight filtering through shutters onto a curtain, evoking a domestic interior displaced into the public realm. The work plays with perception across time, geography, and point of view, folding present and past into a single, fragile image. Light once again defines an indefinite temporality, one that hovers between memory and immediate experience.

    Elsewhere, hidden within the gallery’s restroom, an audio installation introduces recordings from other lavatories. While preserving the room’s function, the intimate sounds of anonymous bodies generate an uncanny parallel reality, collapsing private and public into a shared acoustic space.

    Moving through the anteroom—whether arriving, leaving, or simply lingering—visitors encounter golden markers embedded in the floor. These reflective inlays trace the outlines of walls that no longer exist, foregrounding the layered architectural history of the site. In contrast to the exhibition’s ephemeral gestures, these markers insist on material memory, raising quiet questions about former uses, vanished divisions, and the persistence of spatial meaning. Where do these marks come from, and what do they continue to hold?

    Curated by Chiara Valci Mazzara and Susanne Prinz

    Marco Siciliano was born in 1991 in Caltagirone and grew up in Milan. He now lives and works in Berlin, alternating periods in Sicily and Milan. He holds a Master’s degree in Interior Design from the Politecnico di Milano and studied sculpture with Monica Bonvicini at the Universität der Künste Berlin, where he was awarded the title of Meisterschüler in 2024. His practice explores thresholds between public and private, inside and outside, visible and invisible. Working with repurposed and deconstructed materials, Siciliano questions architectural conventions and the social orders they sustain. Across his work, transitional spaces become sites of heightened bodily awareness—moments in which one foot remains suspended, and the next step has not yet been taken.

    circa, exhibition views, @Henrik Strömberg

    @Marco Siciliano

  • Mateusz Choróbski, P.OST

    Mateusz Choróbski, P.OST

    Mateusz Choróbski, P.OST, exhibition views. © Tomasz Koszewnik

    Der Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz freut sich, P.OST, die erste institutionelle Einzelausstellung des polnischen Künstlers Mateusz Choróbski in Deutschland, zu präsentieren. Speziell für den Kunstverein entwickelt, versammelt die Ausstellung Klang, Video-, Licht- und skulpturale Installationen, um über Erinnerung, Transformation und der vielschichtigen Identität des Rosa- Luxemburg-Platzes nachzudenken.

    Choróbskis Arbeiten erkunden das Spannungsevrhältnis zwischen Nostalgie und Erinnerung, hinterfragen die Tendenz, die Vergangenheit zu idealisieren, und fragen, wie Nostalgie verstanden werden kann – als Sentimentalität, als Erbe oder als Missverständnis. So verweist bereits der Titel P.OST zugleich auf den verschwundenen OST – Schriftzug der Volksbühne und auf die Frage, was „nach dem Osten“ kommt.

    Inspiriert von der architektonischen und kulturellen Geschichte des Rosa-Luxemburg-Platzes – besondere von Hans Poelzigs Entwürfen für das Babylon-Kino – verwandelt Choróbski den Ausstellungsraum in eine Bühne aus Spuren, Schatten und Fragmenten urbanen Umfelds. Seine Arbeit spannt einen weiten Bogen über Video, Installation, Performance, Klang und Skulptur. Häufig setzt der Künstler den menschlichen Körper neben und in Architekturen und untersucht, was bleibt, wenn soziale, politische oder materielle Systeme an ihre Grenzen gelangen – verfallene modernistische Gebäude, die Schuld(en)lasten oder der verletzliche Körper in Ruhe. Diese Überreste werden Ausgangspunkte, um über Verletzlichkeit, Resilienz und sich stetig ändernde kulturelle Narrative nachzudenken.

    Mit gefundenen Glasobjekten, zu neuen Formen verschmolzen, verwandelt er Licht in ein Gefäß für Geschichte und Erinnerung. Dafür nutzt er eine komplexe Technologie, die Licht von Zeit und Ort entkoppelt und es in der Ausstellung neu einsetzt – so wird Licht aus entfernten Orten oder Zeiten in der Ausstellung wieder sichtbar und erfahrbar.

    Gleich beim Betreten des Gebäudes begegnen Besucher*innen einem Türgriff, gegossen aus eingeschmolzenen polnischen Ein-Grosz-Münzen, modelliert nach Poelzigs historischen Entwürfen. Eine Klanginstallation – ein gelooptes Einatmen – erfüllt den Eingangskorridor und verwandelt die Schwelle in eine Zone erhöhter Wahrnehmung, die physische Berührung mit einem subtilen Hinweis auf Atem und Erwartung verbindet.

    Im ersten Galerieraum führt eine zehn Meter lange Linie aus eingeschmolzenen Drahtglasplatten, beleuchtet von versteckten LEDs, exakt das Licht wieder ein, das am Vortag auf dem Rosa-Luxemburg-Platz aufgezeichnet wurde. Die unregelmäßigen, organischen Oberflächen tragen Spuren von Zeit und Atmosphäre in sich, spiegeln die wechselnden Bedingungen draußen wider und laden dazu ein, über Erinnerung, Präsenz und den Fluss der Zeit nachzudenken.

    Ein zweiter Raum zeigt eine großformatige Installation aus Glasplatten, die mit Überresten früherer Arbeiten des Künstlers verschmolzen sind. Leicht über dem Boden schwebend und von der Straße aus sichtbar, wird die Arbeit zu einer Art Schattentheater: Silhouetten der Besucher*innen beleben die Oberfläche, machen das Publikum zum integralen Bestandteil der Arbeit und erweitern die Dramaturgie der Ausstellung in den öffentlichen Raum hinein.

    Im abgeschlossenen Schaufenster projiziert eine Video die Hand eines Dirigenten, der Musik aus dem Stummfilm Der Golem, wie er in die Welt kam (1920)* dirigiert, für den Poelzig das Bühnenbild entworfen hat. Zur Straße hin projiziert, antwortet die Geste auf die Rhythmen und Stimmungen des Platzes und spürt seinen fortwährenden Puls von Spannung, Inszenierung und gemeinsamer Präsenz.

    Die Ausstellung wurde kuratiert von Chiara Valci Mazzara und Susanne Prinz.

    Die Ausstellung wird unterstützt von der Alexander Tutsek Stiftung und ermöglicht durch durch die Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit, mit Beteiligung von OP Enheim. Sie wurde vom Adam-Mickiewicz-Institut ko-organisiert und kofinanziert vom Ministerium für Kultur und Nationales Erbe der Republik Polen.

    *„Der Golem, wie er in die Welt kam“, Partitur für kleines Orchester von Hans Landsberger, rekonstruiert und orchestriert von Richard Siedhoff, wurde uns freundlicherweise aus dem Bestand des Ries & Erler Musikverlags zur Verfügung gestellt.

    [Eng] The Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz is pleased to present P.OST, the first institutional solo exhibition in Germany by Polish artist Mateusz Choróbski. Developed specifically for the Kunstverein, the exhibition brings together sound, video, light, and sculptural installations that reflect on memory, transformation, and the layered identity of Rosa-Luxemburg-Platz.

    Choróbski’s work explores the tension between nostalgia and memory, questioning the tendency to idealize the past and examining how nostalgia can be understood – as sentimentality, heritage, or misunderstanding. The title P.OST refers both to the vanished OST sign on the Volksbühne and to the question of what comes “after the East.” Drawing inspiration from the architectural and cultural history of Rosa-Luxemburg-Platz, particularly Hans Poelzig’s designs for the Babylon cinema, he transforms the gallery into a stage built from traces, shadows, and fragments of the surrounding urban fabric.

    His broader practice spans video, installation, performance, sound, and sculpture. Choróbski frequently juxtaposes the human body with architecture, exploring what remains when social, political, or material systems reach exhaustion—ruined modernist buildings, the weight of debt, or the fragile body at rest. These remnants become points of departure for thinking about vulnerability, resilience, and shifting cultural narratives. Working with found glass objects fused into new forms, he turns light into a vessel of history and remembrance, using a technology he developed that captures and reproduces light from other parts of the world in real time.

    Entering the building, visitors encounter a door handle cast from melted Polish one-grosz coins, modeled after Poelzig’s historic designs. A sound installation—a looped inhalation—fills the entrance corridor, transforming the threshold into a zone of heightened awareness that blends physical contact with a subtle suggestion of breath and anticipation.

    Inside the first gallery, a 10-meter line of melted reinforced-glass panels, illuminated by hidden LEDs, reintroduces the exact light recorded on Rosa-Luxemburg-Platz the previous day. The irregular, organic surfaces hold traces of time and atmosphere, echoing the shifting conditions outside and inviting reflection on memory, presence, and the passage of time.

    A second room presents a large-format installation of glass panels fused with remnants of the artist’s earlier works. Slightly elevated above the floor and visible from the street, the piece becomes a kind of shadow theatre: silhouettes of visitors animate the surface, making the audience an integral part of the work and extending the exhibition’s dramaturgy into public space.

    In the window room, a video projection shows a conductor’s hand performing music from the 1920 silent film Golem: How He Came into the World—for which Poelzig created the set design. Projected toward the street, the gesture responds to the rhythms and emotional atmospheres surrounding the square, underscoring its continual state of tension, performance, and collective presence.

    The exhibition was curated by Chiara Valci Mazzara and Susanne Prinz.

    The show is supported by the Alexander Tutsek Stiftung. Made possible by the Stiftung für Deutsch-Polnische Zusammenarbeit, with the participation of Op Enheim, co-organized with the Adam Mickiewicz Institute and co-financed by the Ministry of Culture and National Heritage of the Republic of Poland.

     The sheet music Der Golem, wie er in die Welt kam. Für kleines Orchester by Hans Landsberger, reconstructed and orchestrated by Richard Siedhoff, was kindly provided from the holdings of Ries & Erler Musikverlag.

    Mateusz Choróbski (b. 1987, Radomsko) graduated from the University of the Arts in Poznań and the Academy of Fine Arts in Warsaw. He works across sculpture, installation, video, performance, and sound, engaging with architectural history, material transformation, and the conditions of contemporary life. Selected institutional solo exhibitions include: H.aven, Éva Kahán Foundation, Vienna (2024); Hide And Seek, Fabbrica del Vapore, Milan (2023); What the Barbarians Did Not Do, Opole Centre for Contemporary Art (2021); Mateusz Choróbski, Fondazione Nicola Del Roscio, Rome (2019); and The Loneliness of the Long Distance Runner, Manifesta 11, Zurich (performance, 2016).

    Adam Mickiewicz Institute (IAM) brings Polish culture to people around the world. As a state institution, it creates lasting interest in Polish culture and art through strengthening the presence of Polish artists on the global stage. It initiates innovative projects, supports international cooperation and cultural exchange. It promotes the work of both established and promising artists, showing the diversity and richness of our culture. The Adam Mickiewicz Institute is also responsible for the Culture.pl website, a comprehensive source of knowledge about Polish culture. More information: www.iam.pl.

    The Foundation for Polish-German Cooperation (SDPZ/FWPN) fosters good relations between Poland and Germany. For over 30 years, it has co-financed 16,000 bilateral projects, supporting partnerships between institutions, educational initiatives, scientific collaboration, and artistic and literary exchange. The Foundation also initiates its own projects—study visits, scholarships, publications, and debates—to inspire dialogue and strengthen Polish-German cooperation in a modern, open, and socially just European context. More information: sdpz.org

    Adam Mickiewicz Institute (IAM) brings Polish culture to people around the world. As a state institution, it creates lasting interest in Polish culture and art through strengthening the presence of Polish artists on the global stage. It initiates innovative projects, supports international cooperation and cultural exchange. It promotes the work of both established and promising artists, showing the diversity and richness of our culture. The Adam Mickiewicz Institute is also responsible for the Culture.pl website, a comprehensive source of knowledge about Polish culture. More information: www.iam.pl.

    The Foundation for Polish-German Cooperation (SDPZ/FWPN) fosters good relations between Poland and Germany. For over 30 years, it has co-financed 16,000 bilateral projects, supporting partnerships between institutions, educational initiatives, scientific collaboration, and artistic and literary exchange. The Foundation also initiates its own projects—study visits, scholarships, publications, and debates—to inspire dialogue and strengthen Polish-German cooperation in a modern, open, and socially just European context. More information: sdpz.org

  • Rahel Sorg – Hyänen weinen nicht

    Rahel Sorg – Hyänen weinen nicht

    Wie Rahel malt – ein (Be)deutungsversuch von Lina Louisa Krämer

    Die Malereien bewegen sich so an einer Grenze von Figuration und Abstraktion, sie sind geprägt von einer intensiven Farbigkeit, die sich aus dem Gebrauch verschiedenster Malmittel und der Art des Auftragens, des Integrierens eben dieser in das Bild ergibt. Durch das Spielen mit angewöhnten Betrachtungsweisen, durch das Erinnern an bekannte Formen, werden Assoziationen ausgelöst und durch ihre Unvollständigkeit doch wieder genommen. Fragen gestellt nach zu viel oder zu wenig. Ebenso lassen sich Zahlen und Buchstaben verstehen, die mal Wörter, mal Sätze ergeben, manchmal aber auch unleserlich bleiben. Die Künstlerin beschreibt ihren Einsatz als einen Versuch, zum Nachdenken anzuregen. Das Gehirn zum Laufen zu bringen, ohne vorzugeben, wohin.

    Folglich bleibt die Erkenntnis, dass sich die Malereien von Rahel Sorg nicht wirklich in Worte fassen lassen, eben weil sie sich einer eindeutigen Lesbarkeit bewusst entziehen. Genau darin liegt die intendierte Wirkung, die Denkanstöße geben will, in verschiedene Richtungen verweist und den Einsatz von Malerei und Sprache darauf konzentriert, in der Vielschichtigkeit einfach zu sein, ohne Vorgaben oder Beschränkungen aufzustellen.

    Innehalten, aushalten, weitermachen, fertig.

    Wir danken Lina Louisa Krämer, Deborah Sorg, Anna Virnich und Winfried Virnich, ohne die diese Ausstellung nicht möglich wäre, sowie der Kunsthochschule Mainz für die Unterstützung des Katalogs.

    Titelfoto: Max Eulitz © Rahel Sorg Archive

  • am Platz – die SteDi Sammlung trifft Künstler*innen vom Platz

    am Platz – die SteDi Sammlung trifft Künstler*innen vom Platz

    Volksbühne und Galerien, Concept Stores und Babylon, Kunstverein und die dort lebenden Künstler*innen: Der Rosa-Luxemburg-Platz ist eine Ausnahme in Berlin, fast alles ist anders. Die Ausstellung umfasst Positionen aus der SteDi Sammlung sowie Werke von Akteur*innen des Platzes, die sich jetzt hier im Plattenbau begegnen.

    Eine Hommage kuratiert von Frank Hauschildt.

    Volksbühne and galleries, concept stores and Babylon, the Kunstverein and the artists who live there: Rosa-Luxemburg-Platz is an exception in Berlin – almost everything is different. The exhibition brings together works from the SteDi Collection alongside pieces by local actors from the square, who now encounter each other here in the Plattenbau.

    A tribute curated by Frank Hauschildt.

  • Carmen Mariscal, Sediments of Memory – Unearthing Histories Beneath the Mexican Embassy in Berlin

    Carmen Mariscal, Sediments of Memory – Unearthing Histories Beneath the Mexican Embassy in Berlin

    ERÖFFNUNG / OPENING:
    3. Juli, 2025, 18–21 h
    Ausstellung / Exhibition:
    4.7.–2.8.2025 

    Erstmals wird in Berlin die Arbeit der mexikanischen Künstlerin, Forscherin und Bühnenbildnerin Carmen Mariscal gezeigt. In ihrer interdisziplinären Praxis beschäftigt sie sich mit den Erinnerungen, die in Räumen eingeschrieben sind – vom menschlichen Körper über Kleidung und Architektur bis hin zur Stadt.

    In ihrem aktuellen Projekt widmet sich Mariscal den historischen Schichten des Geländes, auf dem heute die mexikanische Botschaft in Berlin steht. Mithilfe von Fotografie, Film und Installation macht sie Erinnerungsspuren und Veränderung bis hin zu diplomatischen Verflechtungen sichtbar, die sich vor allem über das 20. Jahrhundert hinweg an diesem Ort eingeschrieben haben. Dabei bringt sie vergessene oder verdrängte Geschichten zum Vorschein, die Mexiko mit Deutschland, aber auch mit dem Vereinigten Königreich und weiteren Ländern verbinden. Zusätzlich werden in der Ausstellung zwei Filme früherer ortsspezifischer Projekte in Mexiko gezeigt.

    Anlässlich der Ausstellung findet am Tag vor der Eröffnung, am 2. Juli um 18 h, ein öffentlicher Vortrag in der Botschaft von Mexiko (Klingelhöferstraße 3, 10785 Berlin) mit anschließendem Spaziergang zum Kunstverein statt.

    Carmen Mariscal ist eine in London lebende mexikanische Künstlerin und Forscherin. Ihre interdisziplinäre Praxis untersucht Spuren von Erinnerung in Behausungen mithilfe körperlich-verkörperter Methoden. Diese Behausungen reichen vom menschlichen Körper – unserem ersten Lebensraum – über Kleidung, Wohnungen, öffentliche Räume bis hin zu Städten. In jüngerer Zeit befasst sich ihre Forschung zudem mit Themen wie Entropie und architektonischem Verfall im Kontext des mexikanischen Modernismus.

    Mariscal arbeitet mit Fotografie, Skulptur, Klang, Bewegtbild, Bühnenbild und Installation. Derzeit entwickelt sie das Projekt An Investigation through the Remains of a Modernist House in Mexico City im Rahmen ihrer PhD-Arbeit Memory and Oblivion am Royal College of Art in London.

    Ihre Arbeiten wurden international in öffentlichen und privaten Institutionen gezeigt. Zu ihren wichtigsten Arbeiten im öffentlichen Raum zählen: El pueblo creador, Mexikanischer Pavillon, Expo Hannover 2000; Innata, Atrium des Rathauses Den Haag, 2003 und Chez Nous, Place du Palais-Royal, Paris, 2020.

    Sediments of Memory ist Teil des von der EU geförderten Projekts Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SPACEX).

    ENG:  For the first time in Berlin, the work of Mexican artist, researcher, and theatre set designer Carmen Mariscal is being presented. Her interdisciplinary practice explores memories embedded in spaces – from the human body to clothing, architecture, and the city itself.

     Her current project investigates the layered histories of the site now occupied by the Mexican Embassy in Berlin. Through photography, film, and installation, Mariscal explores the layered histories of the embassy’s current site, uncovering traces of memory, transformation, and diplomacy throughout the 20th century. Her work brings to light forgotten stories that connect Mexico, Germany, the United Kingdom, and others, tracing its transformations throughout the 20th century. In addition the exhibition includes two films from previous site-specific projects in Mexico.

    To mark the exhibition, a public talk followed by a walk to the Kunstverein will take place on 2 July at 6pm, hosted by the Embassy of Mexico (Klingelhöferstraße 3, 10785 Berlin).

    Carmen Mariscal is a London-based Mexican artist and researcher. Her interdisciplinary practice explores traces of memory embedded in dwellings through embodied methods. These dwellings range from the human body—our first habitat—to clothing, homes, public spaces, and cities. Recently, her research has also examined themes of entropy and architectural ruin in the context of Mexican modernism.

    Mariscal works across photography, sculpture, sound, moving image, theatre set design, and installation. She is currently developing the project An Investigation through the Remains of a Modernist House in Mexico City as part of her PhD thesis Memory and Oblivion at the Royal College of Art, London.

    Her work has been shown internationally in both public and private institutions. Notable public artworks include: El pueblo creador, Mexican Pavilion, Expo Hannover 2000; Innata, Atrium City Hall, The Hague, 2003; and Chez Nous, Place du Palais-Royal, Paris, 2020.

    all images Ludger Paffrath

    all images Ludger Paffrath

    Sediments of Memory is part of Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SPACEX), a project supported by the European Union.

  • Signe Mähler & William Cody Maher: Pandora’s Box – An alternate dramaturgy of the past and the present or for a dystopian world

    Signe Mähler & William Cody Maher: Pandora’s Box – An alternate dramaturgy of the past and the present or for a dystopian world

    Der Kunstverein freut sich, die gemeinsame Ausstellung der deutschen Fotografin Signe Mähler und des amerikanischen Dichters William Cody Maher zu präsentieren. Pandora’s Box vereint Bilder und Szenerien, Gedichte und Lebensgeschichten – und eröffnet eine Welt, in der sich das Persönliche und das Universelle durchdringen und spiegeln.

    In Fotografie, Video, Poesie und Live-Performance zeigen die beiden, wie die Geschichte eines Paares globale Ereignisse und individuelle Erinnerungen widerspiegeln kann – und wie die Vergangenheit genutzt werden kann, um die Gegenwart zu verstehen. Ihre Werke verweben intime Gespräche und Anekdoten mit surrealen, dramatischen, ironischen und bisweilen absurden Darstellungen der Kämpfe und Wunder des Lebens.

    Gemeinsam erschaffen sie Figuren, Kostüme und Szenerien, die in Mählers Fotografien die Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit verschwimmen lassen – und so eine alternative Erzählung ihres Lebens und eine poetische Interpretation der Welt anbieten. Mahers Gedichte, präsentiert als Timelines, erzählen von widersprüchlichen Wahrheiten und überraschenden Wendungen im gemeinsamen Leben – und spiegeln zugleich kollektive Erfahrungen wider.

    Die Ausstellung wurde von der Alexander Tutsek-Stiftung unterstützt.

     

    Signe Mähler, geboren 1947, lebt als Fotografin in Berlin. William Cody Maher, geboren 1950 in San Francisco, ist Schriftsteller und Performancekünstler und lebt ebenfalls in Berlin. Neben ihren eigenen Arbeiten haben sie gemeinsam zwei Dokumentarfilme in den USA realisiert: Along Troubled Roads über die politische Lage vor Obamas Wahl sowie Down Southern Roads über den amerikanischen Süden nach dem Hurrikan Katrina und der Ölkatastrophe im Golf von Mexiko. Zudem entstand der Kurzfilm über den Schriftsteller und Übersetzer Carl Weissner: Mit ‘nem dicken Hals schreib ich am besten!.

     

    ENG: The Kunstverein is pleased to present the works of German photographer Signe Mähler and American poet William Cody Maher. Their joint exhibition, Pandora’s Box – An alternate dramaturgy of the past and the present or for a dystopian world brings together images and sceneries, poems and life narratives, introducing a world in which the personal and the universal intersect and mirror one another.

     

     

    Through photography, video, poetry, and live performance, the artists explore how the story of a couple can echo both global events and private memories—using the past as a lens through which to understand the present. Their work weaves intimate conversations and anecdotes into surreal, dramatic, ironic, and at times absurd depictions of life’s struggles and wonders.

    Together, they invent personas, costumes, and scenes that, in Mähler’s photographs, blur the line between dream and reality—offering an alternative narrative of their shared life and a poetic reading of the world. Maher’s poems, presented as Timelines, trace conflicting truths and unexpected turns within their personal story while resonating with broader collective experience.

    The show was supported by the Alexander Tutsek-Stiftung.

     

    Signe Mähler, born in 1947, is a photographer based in Berlin. William Cody Maher, born in San Francisco in 1950, is a writer and performance artist also living in Berlin. In addition to their individual practices, they have collaborated on two documentary films made in the United States: Along Troubled Roads, examining the political climate prior to Obama’s election, and Down Southern Roads, which looks at the American South following Hurricane Katrina and the BP oil spill. They also produced a short film on the writer and translator Carl Weissner, titled Mit ‘nem dicken Hals schreib ich am besten!.

     

     

     

     

  • Mark Fridvalszki, Marko Tadić, The Future is Out There

    Mark Fridvalszki, Marko Tadić, The Future is Out There

    20.06: Publication Launch with sound performance by Àbáse from 6pm

    Ausstellung / Exhibition: 1.5.-21.6.2025 

    Öffnungszeiten / Opening hours: Do – Sa / Thu – Sat 14 – 18 h

    In March 2025, the Kunstverein moved into a prefab building directly at Rosa-Luxemburg-Platz – a place that, like Berlin itself, may not be old, but has become a focal point of historical upheavals within its relatively short existence. The changing names of the square, from Bülowplatz to Horst-Wessel-Platz and finally to the present Rosa-Luxemburg-Platz, reflect the political and social transformations that have shaped this location. This is where multifaceted chapters of history are told, offering a perfect backdrop for artistic reflection on the failure of the grand utopias of the 20th century – whether socialist, Zionist, green, or capitalist. Traces of these utopias can be found deep within the cultural DNA of the city and this place.

    all images Ludger Paffrath

    Against this specific background, Mark Fridvalszki and Marko Tadić created an intense staging that combines their works – a mix of wall installations, paintings, prints, drawings, models, archival objects, and sound – into a reflection on the potential and limits of utopian thinking. The artists, originally from the former socialist countries of Hungary and Yugoslavia, have long been concerned with how visions of a better world gradually break down but continue to live on in small fragments and objects within our everyday reality. These fragments now exist somewhere between nostalgia and the future.

    The exhibition taps into these ideas and uses the prefab building itself as a symbol for these broken dreams: a building that has witnessed radical changes – from the ideological struggles of the 20th century to the urban transformations of modern Berlin. It is not only about aesthetic engagement but also about examining utopias as grand social visions developed in response to the discomfort of the present, as described by Lyman Tower Sargent and others.

    As part of this exhibition, the ‘Schaufenster’, a separate display window, is activated by a a loan from the collection of the Museum Utopia und Alltag in Eisenhüttenstadt  – a former neon sign of the GDR travel agency in Jena in the form of a stylised globe. This historical piece is complemented by a wallpaper and ornamental window foil designed by Fridvalszki and Tadić, thus adding another dimension to the question of the material remains of failed utopias.

    The reuse of found images, objects, and displays also gives the exhibition an ecological dimension and emphasizes sustainable resource use – an approach that not only reflects on unfulfilled utopian dreams but also attempts to develop new ideas for the future from their remnants. Despite their failure, their importance for social change remains unbroken. Through artistic collaboration, a dynamic installation is created that understands failure creatively and conveys how radically different futures could look. Ideally, it will offer visitors impulses by pointing to models of how societies react to crises and develop visionary solutions.

    With this exhibition, the participating artists approach themes of media archaeology from different perspectives. In Tadić’s models an images, the world manifests as a kind of miniature stage. It is not so much a world made of things but of machines that have shown them or through which they appeared: cinema, museums, exhibitions, postcards, etc. Fridvalszki counters this with his expansive wall installations. Music serves as an interplanetary common language – similar to Steven Spielberg’s naive futuristic film Close Encounters of the Third Kind (1977). This exhibition plays with the concept of „UFO Modernism“ – the idea of preparing for a higher state of consciousness and leaving behind humanity’s animalistic side.

    Although Fridvalszki and Tadić pursue visually different approaches, the message remains the same: it is about the idea of collectivism and the potential of an uncertain future. The unifying element of their work is the appropriation of everyday images from the past to question aesthetic phenomena under contemporary conditions.

    This virtually echoes in the newly composed, all embracing composition by Àbáse and Ziggy Zeitgeist. Playful images and elements such as climbing frames or playgrounds set the tone for this vision. It is about reactivating the spirits of past subcultures, from ‘68 to ‘89, emphasizing solidarity and the „we“ rather than the „I.“ In that sense a jazz band symbolizes the most democratic form of collective work: playful, creative, spiritual, and emotional at the same time.

    The exhibtion was curated by Susanne Prinz

     

     

     

     

     

    Marko Tadić’s works visualise a conflict between personal memory and political history. Archival images, photo-grattages, drawings and objects illustrate fragments of possible worlds. His small-scale objects and scale models are intended to allow us to take the position of a thinker, a maker; a phenomenological step back for a better understanding of things. His artworks are simple, accessible and mobile; they evoke a combination of work and play. He proposes a strategy for demonstrating ideas and systems.

     

    Wir danken dem Museum Utopie und Alltag in Eisenhüttenstadt für die freundliche Zurverfügungstellung eines Expoants aus ihrer Sammlung. / We would like to thank the Museum Utopie und Alltag in Eisenhüttenstadt for kindly making an exhibit from their collection available to us.

     

     

    Mark Fridvalszki’s practice, which he describes as archeo-futurological, draws on cultural sediments from lost collective futures. Turning to the more encouraging visions of the past while using pigment transfer, screen printing, photocopying, digital and offset printing, Fridvalszki creates collages from a growing archive of images sourced from books, records, and printed matter from the 1950s to 1990s—collected much like a DJ digs for samples – he explores thus alternative futures. Through these recycled materials, he evokes cultural memory, future-oriented thinking, psychedelia, sci-fi scenarios, and solidarity, inviting viewers to imagine possibilities beyond the present.

    Time Capsule: The Future is Out There

    Moments from the closing…

    Thank you to everyone who joined us for this exhibition — Special thanks to those who attended the publication launch and sound performance by Àbáse on June 20!

    Video Documentation by Nina Sayuri

    Die Ausstellung wurde ermöglicht durch die Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. / The exhibition was made possible by the support of the Senate Department for Culture and Social Cohesion.

     

     

  • Alexandra Hopf, Being Renée Sintenis & The Women of My Life

     

     

     

     

    Ausstellung / Exhibition: 8.3. – 12.4.2025
    Öffnungszeiten / Opening hours: Do – Sa / Thu – Sat 14 – 19 h und nach Vereinbarung / and by appointment*

    Nach zwei Monaten Umzugspause öffnen wir die Türen unseres neuen Standorts in der Rosa-Luxemburg-Straße 45 – und starten am Internationalen Frauentag, den 8. März 2025 ab 18 Uhr mit der von Susanne Prinz kuratierten Einzelausstellung von Alexandra Hopf: Being Renée Sintenis & The Women of My Life.

    Alexandra Hopfs jüngste Ausstellung untersucht die Erzählungen von Frauen in der Kunst- und Kulturgeschichte neu und eröffnet einen Dialog über die sich wandelnden Wahrnehmungen von Selbst, Identität und Erinnerung.

    Im Zentrum der Ausstellung steht ihr neuer Film Being Renée Sintenis, der die Berliner Bildhauerin Renée Sintenis (1888-1965) begleitet, eine gefeierte Figur der 1920er Jahre. Der Film zeigt, wie sich Sintenis ihre eigene Geschichte zurückerobert und das ihr auferlegte Image in Frage stellt. Die Kostüme der Produktion, die reich an kunsthistorischen Referenzen des 20. Jahrhunderts sind, sind Teil der Ausstellung.

    In The Women of My Life verwandelt Hopf 77 Porträts aus dem historischen Buch Unsere Zeit in 77 Frauenbildnisse von 1930 via Hinterglasmalerei und verwebt diese neuen Bilder zu einer zeitgenössischen Anthologie, die von persönlichen Erinnerungen einflussreicher Frauen der 1970er bis 1990er Jahre geprägt ist.

    Durch Film, Malerei und Performance schafft Hopf einen Raum für die Neuinterpretation historischer Narrative und bietet eine neue Perspektive auf die sich entwickelnden Konstruktionen von Identität und Repräsentation.

    Eng.: After a two-month relocation break, we are opening our new space at Rosa-Luxemburg-Straße 45 with Alexandra Hopf’s solo exhibition: Being Renée Sintenis & The Women of My Life, curated by Susanne Prinz. We look forward to welcoming you on International Women’s Day, March 8, 2025, from 6 PM onwards.

    Alexandra Hopf’s latest exhibition reexamines the narratives of women in art and cultural history, opening a dialogue on shifting perceptions of self, identity, and memory.

    At the heart of the show is her new film, Being Renée Sintenis, which follows the Berlin sculptor Renée Sintenis (1888–1965), a celebrated figure of the 1920s. The film presents Sintenis reclaiming her own story, challenging the image imposed on her. Costumes from the production, rich in 20th-century art historical references, form part of the exhibition.

    In The Women of My Life, Hopf transforms 77 portraits from the 1930 book Unsere Zeit in 77 Frauenbildnissen into reverse glass paintings, weaving them into a contemporary anthology shaped by personal memories of influential women from the 1970s to the 1990s.

    Through film, painting, and performance, Hopf creates a space for reinterpreting historical narratives, offering a fresh perspective on the evolving constructs of identity and representation.

    Die Produktion des Films Being Renée Sintenis wurde ermöglicht durch die Unterstützung der Akademie der Künste Berlin, der Stiftung Kunstfonds und der Hans und Charlotte Krull Stiftung. / The production of the film Being Renée Sintenis was made possible by the support of the Akademie der Künste Berlin, the Stiftung Kunstfonds and the Hans und Charlotte Krull Stiftung.