The round table and book presentation dedicated to the artistic practice and to the most recent publication of Daniel Peltz, The Schol of Shy-ing a Way.
Daniel Peltz, refuging in Rejmyre - 2017 - ongoing
enter like an unemployed elephant which is to say begin to wonder what an unemployed elephant might need upon entering begin by building a ramp a ramp that allows one to overcome one’s own inclinations begin by not knowing not knowing whether you have entered when you might have entered begin by being sure you will not know when exit has been achieved someone will have to tell you to point it out or to point up and for you to look out instead an act of defiance that might lead you to a moment of knowing that you have entered that you are inside begin with the assumption that you were always already inside your task is not to enter but to move, already from within
Daniel Peltz - 2017 -
Daniel Peltz will share his artistic practice, which involves long-term engagements with specific sites, including an ongoing 18-year engagement with a rural, glass factory town in Sweden. His presentation will also include a recently released book of field notes, The School of Shying a Way, from a collaborative research project on the aesthetics of shyness conducted as part of a Finnish/African innovation platform.
From Shying a Way:
The School of Shying a Way attempts to craft a space, and provide an ideological support, for a set of resistances: to the collective/individual binary, to the limited conscious – ness of fixed meaning, to the locating of knowledge as something and somewhere outside of the study and the student.
Daniel Peltz is an artist and international educator. Through public projects, performances and media installations, Peltz’ artworks explore complex social systems, attempting to provoke ruptures in the socio/cultural fabric through which new ways of being may emerge and be considered. To accomplish these goals, he uses a range of intervention, ethnographic and performance strategies. His projects often take the form of existing social systems to directly engage non-art audiences in the language of critical art practice.
Artifacts from Peltz’ public projects and performances have been exhibited in international solo and group exhibitions at institutions including Färgfabriken and Botkyrka Konsthall in Stockholm, the Cable Factory in Helsinki, Galleri F15 in Moss and the Norrköpings Konstmuseum. He has been a resident artist at Yaddo in the USA; Helsinki International Artist Program in Finland; International Artists Studio Program in Sweden; Artspace in Australia; Cemeti Art House in Indonesia; and Spaced in Western Australia.
From 2004-2020 Peltz served as Professor of Film and Video at the Rhode Island School of Design in the U.S. Since 2020, Peltz is Professor of Time and Space Arts with a specialization in Site and Situation Specific Art at the Finnish Academy of Fine Arts, Uniarts Helsinki. Growing out of a 2007 artistic-research Fulbright term in Sweden, Peltz co-founded the artist-run, long-term, place-based research project Rejmyre Art Lab’s Center for Peripheral Studiesin the glass-factory town of Rejmyre, Sweden that continues to be at the center of his art and curatorial practice.
Human Mycelium ist eine Performance und textile Installation von Thomas De Falco, geschaffen für den Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin. Sie erforscht die Verbindungen zwischen Mensch und Natur sowie die emotionalen und physischen Netzwerke, die uns miteinander verbinden, mit besonderem Fokus auf Nähe, Berührung und Verlust.
Die Arbeit lässt sich von menschlichen Venen und Myzelien — dem unterirdischen Pilznetzwerk, das Bäume und Pflanzen verbindet — inspirieren und nutzt sie als Metaphern für menschliche Verbundenheit. In diesem Kontext setzt De Falco die Farbe Preußischblau als zentrale Metapher ein: sie steht für Ruhe, Klarheit und Mitgefühl.
Die Installation besteht vollständig aus wiederverwendeten Materialien wie Planen, Schlafsäcken, alter Kleidung, Taschen und Fäden, die zu skulpturalen Formen verwoben werden. Drei Performer bewegen sich in dieser textilen Landschaft, teils verschmolzen mit Skulpturen, die an verlängerte Wurzeln oder anthropomorphe Gliedmaßen erinnern. Ihre Gesten sind langsam und organisch, ähnlich wie Bäume oder Pflanzen sich dem Licht — oder einander — entgegenstrecken. Die Körper berühren sich nie, streben aber danach. Die gesamte Performance handelt letzlich von Sehnsucht und ist vom Streben nach Berührung geprägt.
Musik von Francesco Fusco begleitet die Performance, mal sanft, mal dramatisch, und spiegelt die emotionale Spannung der Körper wider. Ein besonderes Motiv ist die „Unterwäsche-Serie“: intime Kleidungsstücke, die in die Skulpturen eingearbeitet sind und als Träger von Erinnerung, Körperlichkeit und Verletzlichkeit fungieren. Diese Kleidungsstücke reflektieren die Herkunft des Körpers, Fortpflanzung und geteilte Verletzlichkeit. Indem sie die intimsten Bereiche des Körpers bedecken und schützen, stehen sie als Symbole sowohl persönlicher als auch universeller Erfahrung — als taktile Spur von Leben und Verbindung.
Human Mycelium ist ein Raum für Langsamkeit, Fragilität und Verbundenheit — eine Einladung, über Fürsorge, Nähe und die unsichtbaren Verbindungen zwischen Menschen und Natur nachzudenken.
Performers: Marie Zechiel, Bien Adami, Shaun Monahan| Music, sound: Francesco Fusco| Assistant to the artist: Sonnhild Maria Schietzel Curated byChiara Valzi Mazzara
Performance und Installation sind Teil einer beginnenden Recherchereihe über das Verhältnis zwischen Wäldern und Menschen, mit besonderem Fokus auf Verlust konzipiert von Jens und Linda Soneryd, Susanne Prinz und Chiara Valci Mazzara
ENG: Human Mycelium is a performance and textile installation by Thomas De Falco, created for the Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin. The work explores the deep connections between the human body, the natural world, and the emotional and physical networks that weave us into a shared whole.
The piece takes inspiration from systems like human veins and mycelium — the underground network of fungi that connects trees and plants — as metaphors for human connection. De Falco starts with the color Prussian blue as a central element: for him, this shade of blue carries emotional and symbolic weight. It represents calmness and peace in the face of a chaotic world. It is the color of the sky, of water, of veins — the very elements of life itself. Blue becomes a way for the artist to speak about a desire for clarity, connection, and compassion.
The performance and installation unfold within a landscape created entirely from repurposed materials: tarps, sleeping bags, old clothes, purses, natural and synthetic threads. These everyday objects — often associated with protection, care, or shelter — are woven into sculptural forms that become part of both the environment and the performers themselves. De Falco gives symbolic meaning to each material: tarps, for example, are used to cover and protect but also to isolate, echoing themes of vulnerability and care.
Three performers move within this textile landscape, partly merged with the sculptures that resemble extended roots or anthropomorphic limbs. Their gestures are slow and organic, resembling the way trees or plants stretch toward light — or toward one another. The bodies do not touch, but they strive to. The entire performance is about longing: for touch, for understanding, for human closeness.
Music plays a central role in guiding this movement. Sometimes gentle and poetic, sometimes harsh or dramatic, the sound mirrors the emotional tension of the bodies in space. It follows the rhythm of desire, resistance, and connection.
One of the central motifs of the installation is what De Falco calls his “underwear series” — intimate garments worked into the textile sculptures. Many of these pieces have been worn by performers in past works, and by reusing them, De Falco creates a direct link between the performative act and the sculptural object. The underwear, having carried the memory of past performances, becomes a vessel of bodily presence and emotional residue. These garments reflect on the body’s origins, reproduction, and shared vulnerability. By covering and protecting the most intimate areas of the body, they stand as symbols of both personal and universal experience — a tactile trace of life and connection.
Human Mycelium offers a space of slowness, fragility, and interconnection. It is a reflection on the emotional and physical entanglements of our time — a moment to consider how we care for one another, how we reach out, and how, even when not touching, we remain deeply connected.
Performers: Marie Zechiel, Bien Adami, Shaun Monahan| Music, sound: Francesco Fusco| Assistant to the artist: Sonnhild Maria Schietzel
Curated byChiara Valzi Mazzara
concept sketch – detail @ Thomas de Falco
Thomas des Falco (IT 1982) lives in Paris and works between Europe and the US. De Falco works with performance, tapestry and textile installation. His research focuses on themes related to nature and the environment, human relations and the socio-political entanglements those express and elaborate within he most important institutional shows, installation and performances are the Venice Architecture Biennale – Italian Pavilion 2025; PAC Milan Contemporary Art Pavilion, Milan 2017; Triennale Di Milano 2017; MAXXI Museo nazionale delle Art del XXI secolo, Rome 2016; Museo Marino Marini, Florence, 2015.
Performance and Installation form part of a newly initiated series of research into the fragile relationship between forests and humans, with a particular focus on experiences of loss, conceived by Jens and Linda Soneryd, Susanne Prinz and Chiara Valci Mazzara
Erstmals wird in Berlin die Arbeit der mexikanischen Künstlerin, Forscherin und Bühnenbildnerin Carmen Mariscal gezeigt. In ihrer interdisziplinären Praxis beschäftigt sie sich mit den Erinnerungen, die in Räumen eingeschrieben sind – vom menschlichen Körper über Kleidung und Architektur bis hin zur Stadt.
In ihrem aktuellen Projekt widmet sich Mariscal den historischen Schichten des Geländes, auf dem heute die mexikanische Botschaft in Berlin steht. Mithilfe von Fotografie, Film und Installation macht sie Erinnerungsspuren und Veränderung bis hin zu diplomatischen Verflechtungen sichtbar, die sich vor allem über das 20. Jahrhundert hinweg an diesem Ort eingeschrieben haben. Dabei bringt sie vergessene oder verdrängte Geschichten zum Vorschein, die Mexiko mit Deutschland, aber auch mit dem Vereinigten Königreich und weiteren Ländern verbinden. Zusätzlich werden in der Ausstellung zwei Filme früherer ortsspezifischer Projekte in Mexiko gezeigt.
Anlässlich der Ausstellung findet am Tag vor der Eröffnung, am 2. Juli um 18 h, ein öffentlicher Vortrag in der Botschaft von Mexiko (Klingelhöferstraße 3, 10785 Berlin) mit anschließendem Spaziergang zum Kunstverein statt.
Carmen Mariscal ist eine in London lebende mexikanische Künstlerin und Forscherin. Ihre interdisziplinäre Praxis untersucht Spuren von Erinnerung in Behausungen mithilfe körperlich-verkörperter Methoden. Diese Behausungen reichen vom menschlichen Körper – unserem ersten Lebensraum – über Kleidung, Wohnungen, öffentliche Räume bis hin zu Städten. In jüngerer Zeit befasst sich ihre Forschung zudem mit Themen wie Entropie und architektonischem Verfall im Kontext des mexikanischen Modernismus.
Mariscal arbeitet mit Fotografie, Skulptur, Klang, Bewegtbild, Bühnenbild und Installation. Derzeit entwickelt sie das Projekt An Investigation through the Remains of a Modernist House in Mexico City im Rahmen ihrer PhD-Arbeit Memory and Oblivion am Royal College of Art in London.
Ihre Arbeiten wurden international in öffentlichen und privaten Institutionen gezeigt. Zu ihren wichtigsten Arbeiten im öffentlichen Raum zählen: El pueblo creador, Mexikanischer Pavillon, Expo Hannover 2000; Innata, Atrium des Rathauses Den Haag, 2003 und Chez Nous, Place du Palais-Royal, Paris, 2020.
Sediments of Memory ist Teil des von der EU geförderten Projekts Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SPACEX).
ENG: For the first time in Berlin, the work of Mexican artist, researcher, and theatre set designer Carmen Mariscal is being presented. Her interdisciplinary practice explores memories embedded in spaces – from the human body to clothing, architecture, and the city itself.
Her current project investigates the layered histories of the site now occupied by the Mexican Embassy in Berlin. Through photography, film, and installation, Mariscal explores the layered histories of the embassy’s current site, uncovering traces of memory, transformation, and diplomacy throughout the 20th century. Her work brings to light forgotten stories that connect Mexico, Germany, the United Kingdom, and others, tracing its transformations throughout the 20th century. In addition the exhibition includes two films from previous site-specific projects in Mexico.
To mark the exhibition, a public talk followed by a walk to the Kunstverein will take place on 2 July at 6pm, hosted by the Embassy of Mexico (Klingelhöferstraße 3, 10785 Berlin).
Carmen Mariscal is a London-based Mexican artist and researcher. Her interdisciplinary practice explores traces of memory embedded in dwellings through embodied methods. These dwellings range from the human body—our first habitat—to clothing, homes, public spaces, and cities. Recently, her research has also examined themes of entropy and architectural ruin in the context of Mexican modernism.
Mariscal works across photography, sculpture, sound, moving image, theatre set design, and installation. She is currently developing the project An Investigation through the Remains of a Modernist House in Mexico City as part of her PhD thesis Memory and Oblivion at the Royal College of Art, London.
Her work has been shown internationally in both public and private institutions. Notable public artworks include: El pueblo creador, Mexican Pavilion, Expo Hannover 2000; Innata, Atrium City Hall, The Hague, 2003; and Chez Nous, Place du Palais-Royal, Paris, 2020.
all images Ludger Paffrath
all images Ludger Paffrath
Sediments of Memory is part of Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SPACEX), a project supported by the European Union.
Der Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, der Bierke Verlag und die Kurator*innen von CLUBS der ZUKUNFT / CLUBS of the FUTURE (Dorothee Albrecht, Mikhail Lylov und Susanne Prinz) freuen sich, Sie am Dienstag, den 6. Mai 2025 um 18 h zur Katalogvorstellung einzuladen.
Wir feiern die Release als offiziellen Abschluss der ersten konkreten Realisierung von CLUBS der ZUKUNFT, mit großem Dank an alle Beteiligten und mit der Perspektive, gemeinsam über weitere Orte und Formate nachzudenken – idealerweise in Form nachhaltiger Austauschprojekte auf dem Land oder im östlichen Europa.
Weiterhin aktuell bleibt:
CLUBS der ZUKUNFT nimmt gemeinschaftliche Räume weltweit, insbesondere Kulturhäuser in Europa und der DDR, als Ausgangspunkt und eröffnet einen Reflexionsraum zu aktuellen Projekten des Gemeinschaftlichen, des Commoning und der Reform. Das Projekt findet in einer Zeit des Wandels statt, in der kollaborative Praktiken, alternative Ökonomien, neue Netzwerke sowie gemeinsame zivile Räume und Gesellschaften neu erprobt und ausgehandelt werden.
Wie können wir einen gemeinsamen Raum zwischen unterschiedlichen Bildern, Ideen und Materialien, Entitäten, Identitäten, Gruppen und Gemeinschaften schaffen, einen öffentlichen Raum, einen beweglichen Zwischenraum, Versuchsraum oder einen Verhandlungsraum, der sich zwischen unterschiedlichen Perspektiven aufspannt, ohne diese zu nivellieren?
Mit zwei Ausstellungen und zahlreichen Veranstaltungen und Workshops entstand im Sommer/Herbst 2024 ein visuell-materiell-diskursiv-poetischer Raum, der in verschiedenste Richtungen offen ist und sich weiterentwickeln kann.
Anregungen und Ideen sind immer willkommen, bei der Release oder auch über mail(at)clubsofthefuture.net
Der Katalog wurde von Dorothee Albrecht herausgegeben und erscheint im Bierke Verlag, Berlin, 2025. 160 Seiten, Texte auf Deutsch und Englisch von Jasmina Al-Qaisi, Dorothee Albrecht, Jochen Becker, Suza Husse, Mikhail Lylov, Susanne Prinz, Elske Rosenfeld, Julia Gwendolyn Schneider. Graphikdesign: Till Sperrle.
The Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, Bierke-Verlag and the curators of CLUBS of the FUTURE (Dorothee Albrecht, Mikhail Lylov and Susanne Prinz) are pleased to invite you to the catalogue release on Tuesday, May 6, 2025.
We are celebrating the release as the official conclusion of the first concrete realisation of CLUBS of the FUTURE, with many thanks to all those involved and with the prospect of thinking together about further places and formats – ideally about sustainable exchange formats with projects in the countryside or in Eastern Europe.
Still topical:
CLUBS of the FUTURE departs from communal spaces in different parts of the world, in particular Houses of Culture across Europe and in the GDR, and opens up a space for reflection on current projects of collectivity, commoning and reform. The project takes place in a time of transition in which practices of collaboration, alternative economies, novel networks, shared civic spaces and societies are being renegotiated and put to the test.
How can we create a shared space among different entities, images, ideas and materials, identities, groups and communities – a space open to the public, a flexible in-between space, a space for experimentation and negotiation, spanning different perspectives without equalizing them?
With two exhibitions and numerous events and workshops, a visual-material-discursive-poetic space was created in the summer/autumn of 2024. It is open in diverse directions and can also continue to develop in a variety of ways.
Suggestions and ideas are always welcome, at the release or via mail(at)clubsofthefuture.net
The catalogue was edited by Dorothee Albrecht and is published by Bierke Verlag, Berlin, 2025, 160 pages, texts in German and English by Jasmina Al-Qaisi, Dorothee Albrecht, Jochen Becker, Suza Husse, Mikhail Lylov, Susanne Prinz, Elske Rosenfeld, Julia Gwendolyn Schneider. Graphic Design: Till Sperrle.
Die Realisierung des Projektes wurde aus Mitteln des Hauptstadtkulturfonds ermöglicht. The realization of the project is made possible by funding from Hauptstadtkulturfonds.
Wann/ when: 9. 3. 2025, 16-20 h
Wo / where:Rosa-Luxemburg-Straße 45
Der Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, die Kunsthalle Giessen und das CAC – Synagoge de Delme präsentieren das neue Katalogbuch von Raphaela Vogel, das anlässlich der Ausstellungen Die Dressur des Raumes. Zikkurat der toten Winkel in der Kunsthalle Giessen und International Comparison im Centre d’art contemporain – la Synagogue de Delme, erscheint. Nicht zuletzt widmet sich der Katalog auch Vogels Installation Elephants Memory (Memorial Structure), die 2023 am Rosa-Luxemburg-Platz zu sehen war. Gemeinsam mit der Künstlerin diskutieren die Autorinnen Juliette Desorgues, Katharina Hausladen, Nadia Ismail, Elisa R. Linn, Juliane Liebert und Tal Sterngast – es geht um neue Einsichten, unerwartete Wendungen und vielleicht die eine oder andere Überraschung. (Der Katalog kann im Kunstverein erworben werden).
RaphaelaVogel & The Fist Fuckers –Vergleiche vergleichen
Hrsg. von Nadia Ismail & Benoît Lamy de la Chapelle.
Beiträge von Juliette Desorgues, Katharina Hausladen, Steph Holl-Trieu, Nadia Ismail, Benoît Lamy de La Chapelle, Juliane Liebert, Elisa R. Linn, Whitney Mallett, Tal Sterngast, Sophia Rohwetter & Raphaela Vogel. Das Buch erscheint im Verlag der Buchhandlung Walther und Franz König, Köln 2025. 208 S. mit 145 farb. Abb., broschiert – Text in dt. & engl. Sprache.
Eng.: The Kunstverein at Rosa-Luxemburg-Platz, Kunsthalle Giessen, and CAC – Synagogue de Delme present Raphaela Vogel’s new catalogue book, published on the occasion of the exhibitions Die Dressur des Raumes. Zikkurat der toten Winkel at Kunsthalle Giessen and International Comparison at the Centre d’art contemporain – la Synagogue de Delme. The catalogue also explores Vogel’s installation Elephants Memory (Memorial Structure), which was on view at Rosa-Luxemburg-Platz in 2023. The artist will be joined by authors Juliette Desorgues, Katharina Hausladen, Nadia Ismail, Elisa R. Linn, Juliane Liebert, and Tal Sterngast for a stimulating conversation — aiming for sharp insights, unexpected turns, and perhaps a few surprises along the way. The catalogue is available at the Kunstverein.
Raphaela Vogel and the Fist Fuckers – Comparing Comparisons Edited by Nadia Ismail & Benoît Lamy de la Chapelle.
With contributions by Juliette Desorgues, Katharina Hausladen, Steph Holl-Trieu, Nadia Ismail, Benoît Lamy de la Chapelle, Juliane Liebert, Elisa R. Linn, Whitney Mallett, Tal Sterngast, Sophia Rohwetter & Raphaela Vogel.
Published by Verlag der Buchhandlung Walther und Franz König, Cologne, 2025. 208 pages, 145 colour illustrations, paperback – Text in German & English.
Im Kartenspiel zum Selbstwert geht es um konsequente Einschätzungen seiner selbst und der Spielpartner*in. Es werden Bewertungen auf der Basis eines psychologischen Persönlichkeitsscore, dem ocean-Score, abgegeben. Spielanalage und Spielidee verkehren konsequent Strategien anonymer digitaler Fremdbewertungen durch authentische Selbst- und Fremdwahrnehmungen in ihr Gegenteil. Besucher*innen sind eingeladen, das Karten- spiel zum Selbst/Wert im Tiny Data Casino zu spielen. Unter Anleitung eines Croupiers werden sie fesselnd durch das Spiel geführt.
Ausführliche Auseinandersetzungen mit digitaler Manipulation führten zur Entwicklung dieses analog durchzuführenden Spiels zu Selbst- und Fremdbewertung. Wie viel Selbstwert steckt tatsächlich in fünf schwarzen Bewertungssternchen? Wie können Bewertungsstrategien als Prozesse erlebt werden, die jeder selbst vornehmen kann? Im Kartenspiel zum Selbstwert werden empirisch erhobene, anonyme Bewertungsprozesse aufgegriffen und umgedeutet.
Der Übergang von digitalen Bewertungsprozessen zu einem analogen Spielkonzept wurde durch eine eingehende Auseinandersetzung mit digitaler Manipulation angestoßen. So entstanden Fragen wie: Wie viel Selbstwert steckt tatsächlich in fünf schwarzen Bewertungssternchen? Denn: Individuen können permanent online als gut oder schlecht bewertet werden – sei es die* Uber-Fahrer*in mit drei Sternen oder die* Verkäufer*in via shitstorm. Hier manifestiert sich eine nicht greifbare Macht von Menschen, die andere Menschen bewerten. Ebenso sind die bewertenden Einzelnen gleichzeitig anonyme Individuen einer bewerteten Menge von gleichfalls namenlosen Menschen: Wie bewusst möchte man sich dieser Mechanismen sein – oder werden? Im Kartenspiel zum Selbstwert werden empirisch erhobene, anonyme Bewertungsprozesse aufgegriffen und umgedeutet. So wachsen Datenmassen an, was oft als unabänderliche Gegebenheit unserer medial vernetzten Welt akzeptiert wird.
In herkömmlichen psychologischen Kontexten wird ein Score für ein Individuum mit Hilfe eines Fragebogens ermittelt. Der O-C-E-A-N- Score als solch ein Instrument wurde bereits in den 1930er Jahren entwickelt und gelangte erneut in den Fokus der Aufmerksamkeit durch das Vorgehen der Firma ‚Cambridge Analytica‘, die aus dem „Big Data“- Stock von mehreren hundert Millionen Wahlberechtigten (z.B. für die Präsidentschaftswahlen 2016 in den USA) je einen persönlichen Score generierte, der Aussagen über Aufgeschlossenheit (O), Gewissenhaftigkeit (C), Extravertiertheit (E), Empathie (A) und Verletzlichkeit (N) erlaubte. Somit konnten gezielt einzelne Menschen in ihrem Verhalten bewertet sowie durch personalisierte Kampagnen manipuliert werden. Es gab dazumal bekanntlich einen individualisierten, quantifizierten Score pro Person. Im Kontrast zu anonymen Fremdbewertungen verkehrt das vorliegende Kartenspiel zum Selbstwert manipulative Dynamiken in ihr Gegenteil.
Die fünf Dimensionen der Persönlichkeitsbewertung nach dem O-C-E-A-N Score liegen zwar ebenfalls dem „Kartenspiel zum Selbstwert“ zugrunde, und wie bei Cambridge Analytica nutzen hier Menschen ein empirisch validiertes Instrument als Basis für die Einschätzung einer* Anderen. Das vorliegende Spiel nutzt die Bewertung von Persönlichkeitsmerkmalen jedoch im Gegensatz zu gezielten Kampagnen für ein selbst gestaltetes Beziehungsspiel, das sich aus einer erlebten Kontaktsituation zwischen zwei Personen ergibt. Diese im Spiel gegenseitig erhobene „Evaluation“ einer Zweierbeziehung dient gerade nicht der Zuschreibung einer besonders negativen oder positiven Charaktereigenschaft, die für Werbezwecke genutzt werden kann, sondern zur spielerischen Erkundung und zum Aufspüren einer Fährte: Wie agieren zwei Menschen in einer besonderen Situation miteinander, und wie führen sie miteinander Dialoge? Das spielerische Momentum besteht in der allmählichen „Aufdeckung“ der Schritte impliziter Bewertungen, die normaler Weise schnell und unreflektiert ablaufen.
Tiny Data Casno wurde eingeladen von Susanne Prinz.
Katja Marie Voigt — http://www.katjamarievoigt.com/
The card game on self-worth revolves around consistent evaluations of oneself and one’s fellow players. These evaluations are based on a psychological personality score, the OCEAN score. The game’s design and concept deliberately invert the strategies of anonymous digital evaluations by replacing them with authentic self- and other-perceptions. Visitors, guided by a croupier, are invited to play the card game on self-worth at the Tiny Data Casino.
In-depth explorations of digital manipulation led to the development of this analog game for self- and other-evaluation. How much self-worth is truly represented by five black rating stars? How can evaluation strategies be experienced as processes that each individual can undertake? The card game on self-worth takes empirically derived anonymous evaluation processes and reinterprets them.
The transition from digital evaluation processes to an analog game concept was prompted by a thorough examination of digital manipulation. This sparked questions such as: How much self-worth is truly represented by five black rating stars? After all, individuals are constantly rated online as good or bad – whether it’s the Uber driver with three stars or the salesperson targeted by a shitstorm. Here, an intangible power emerges: people evaluating other people. At the same time, the evaluating individuals are themselves anonymous members of a group of equally nameless people being evaluated. How aware does one want to be—or become—of these mechanisms? The card game on self-worth takes empirically derived anonymous evaluation processes and reinterprets them. In this way, masses of data grow, which is often accepted as an unchangeable reality of our media-connected world.
In traditional psychological contexts, a score for an individual is determined through a questionnaire. The OCEAN score, one such tool, was developed in the 1930s and regained prominence through the actions of the company Cambridge Analytica. This company generated personal scores for hundreds of millions of voters (e.g., for the 2016 U.S. presidential elections) using a ‘Big Data’ repository. These scores provided insights into openness (O), conscientiousness (C), extraversion (E), agreeableness (A), and neuroticism (N). As a result, individual behavior could be evaluated and manipulated through personalized campaigns. At that time, there was a quantifiable, individualized score per person. In contrast to anonymous external evaluations, the card game on self-worth reverses these manipulative dynamics.
The five dimensions of personality evaluation according to the OCEAN score also form the foundation of the ‚Card Game on Self-Worth.‘ Like with Cambridge Analytica, players use an empirically validated tool as the basis for evaluating another person. However, unlike targeted campaigns, this game uses the evaluation of personality traits for a self-created relationship game that emerges from an experienced interaction between two people. This mutual ‚evaluation‘ of a dyadic relationship within the game does not aim to attribute particularly negative or positive character traits for advertising purposes. Instead, it serves as a playful exploration and a way to uncover clues: How do two people interact in a unique situation, and how do they engage in dialogue? The playful element lies in gradually ‚revealing‘ the steps of implicit evaluations that typically happen quickly and without reflection.
Tiny data Casino was invited by Susanne Prinz.
Kaja Marie Voigt — http://www.katjamarievoigt.com/
Was / what: Baking Books, eine öffentliche Intervention von / a public intervention by Baran Caginli
Wann / when: Sonntag / Sunday, 24.11.2024, 15 h – Sonnenuntergang / sunset
SLOT#1: Baking Books by @baran.caginli – tools and relics from the performative action symbolizing resistance to coercion and censorship are now displayed in the window of our new space at Rosa-Luxemburg-Str. 45, until March 4th.
SLOT#1: Baking Books von @baran.caginli – Werkzeuge und Relikte der symbolischen, performativen Aktion gegen Zwang und Zensur sind bis zum 4. März im Schaufenster unserer neuen Räume in der Rosa-Luxemburg-Str. ausgestellt. 45 zu sehen.
Baking Books ist eine performative Handlung, die den Widerstand gegen Zwang und Zensur symbolisiert.
Baking Books ist von der Geschichte des Vaters von Baran Caginli inspiriert. Er war Mitglied einer linken Jugendorganisation und wurde während des Militärputsches in der Türkei im September 1980 wegen seiner Beteiligung an politischen Aktionen inhaftiert und gefoltert. Als sein Großvater von der Inhaftierung erfuhr, reiste er aus einem Dorf in der Nähe von Kars, einer Stadt in der kurdischen Region, nach Istanbul, um seinen Sohn nach Hause zu holen. Er nahm dessen Bibliothek mit verbotenen marxistisch-leninistischen Büchern mit. Nach der Rückkehr beschloss er zusammen mit seiner Frau, sie in einem Kamin zu verbrennen. Weil die Menge der Bücher so groß war und das lange Einfeuern im Spätsommer auffiel, begann Caginlis Großmutter, eine Woche lang ununterbrochen Brot zu backen und es kostenlos an das ganze Dorf zu verteilen.
Auch Baran Caginlis Brote – geformt wie die Gesichter von Lenin, Marx und Rosa Luxemburg – werden während der Aktion an die Öffentlichkeit verteilt, als symbolischer Akt der Erinnerung daran, dass Widerstand gegen jegliche Verletzung der Menschenrechte, gegen Zwang und Zensur immer notwendig ist.
In besonderer Weise würdigt die Arbeit in Berlin nicht nur die historische Bedeutung des Platzes, an dem sie stattfindet, sondern erzählt auch eine sehr persönliche Geschichte über die Auswirkungen des politischen Engagements. Sie verweist darüber hinaus auf eine wenig bekannte, fast vergessene Statue von Rosa Luxemburg in der Nähe des Platzes sowie auf die Zentrale der ehemaligen Kommunistischen Partei Deutschlands, bei deren Gründung Rosa Luxemburg eine wichtige Rolle spielte.
Baran Caginli (b. 1990, Istanbul) lebt und arbeitet in Helsinki. Seine Arbeiten, die universelle, globale Themen beleuchten, thematisieren die Widersprüchlichkeiten von staatlichen Machtverhältnissen und Konflikten, von militärischen Systemen,aber auch systematische Unterdrückung, Diskriminierung und Identität. Oft zeigen sie Menschen, die Zeugen erzwungener Migration oder verschiedener Verluste sind. In Medien wie Fotografie, Skulptur, Installation und Archivmaterial integriert Caginli dazu oft handwerkliche Techniken und nutzt diese als Mittel der Tarnung, um die eigentliche Erzählung in einen neuen Kontext zu setzen und so subtile Botschaften zu senden.
In den letzten Jahren hat Caginli an mehreren wichtigen Ausstellungen teilgenommen, darunter die Helsinki Biennale (2021), Conditions of Peace in Wien, Belgrad und Iași (2021) und die Bukarest Biennale 11 (2024). Weitere bemerkenswerte Ausstellungen sind Earth Goes Back in Oulu (2024), Kotini Jossain / My Home Somewhere in Vantaa (2024), Kaiken Takana / Beyond Everything in Joutsa (2023) und der Biennale für zeitgenössische Kunst in Joensuu (2023). Frühere Ausstellungen fanden in Istanbul, Plovdiv, Marseille und Palermo statt.
ENG : Baking Books is a performative action that symbolises resistance to coercion and censorship.
Baking Books is inspired by the story of Baran Caginli’s father. He was a member of a left-wing youth organisation and was imprisoned and tortured during the military coup in Turkey in September 1980 for his involvement in political actions. When his grandfather learned of his imprisonment, he travelled from a village near Kars, a city in the Kurdish region, to Istanbul to bring his son home. He took his son’s library of banned Marxist-Leninist books with him. On his return, he and his wife decided to burn them in a fireplace. Because the quantity of books was so large and the long burning in late summer was conspicuous, Caginli’s grandmother began to bake bread continuously for a week and distribute it free of charge to the whole village.
Baran Caginli’s loaves of bread – shaped like the faces of Lenin, Marx and Rosa Luxemburg – are also distributed to the public during the action as a symbolic act of remembrance that resistance to any violation of human rights, coercion and censorship is always necessary.
In a special way, the work in Berlin not only honours the historical significance of the place where it takes place, but also tells a very personal story about the effects of political commitment. It also refers to a little-known, almost forgotten statue of Rosa Luxemburg near the square and to the headquarters of the former German Communist Party, in the founding of which Rosa Luxemburg played an important role.
Baran Caginli (b. 1990, Istanbul) lives and works in Helsinki. His works, which illuminate universal, global themes, address the contradictions of state power relations and conflicts, military systems, but also systematic oppression, discrimination and identity. They often show people who are witnesses to forced migration or various losses. In media such as photography, sculpture, installation and archive material, Caginli often integrates artisanal techniques and uses them as a means of disguise to recontextualise the actual narrative and thus send subtle messages.
Die Veranstaltung steht im Zusammenhang mit dem Netzwerkprojekt Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SpaceX), das durch das EU-Programm Horizon 2020 – MSCA gefördert wird. / The event is connected to the network project Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SpaceX), funded by the EU programme Horizon 2020 – MSCA.
Photo documentation by Nina Sayuri.
Die Intervention wurde ermöglicht durch die Unterstützung des/ The intervention was made possible by the support of the Finnland Institut, Berlin.
Die zweite One-Night-Only-Veranstaltung dieser Woche featured Live-Lesungen, Musik und performative Aktionen von und mit Inês Nascimento, Ariel Reichmann, Jörg Herold, Manuel Trökes, Stefanie von Schroeter und GAS (Markus Ernst Stein, Daniel Gottlieb & Jackie Grassmann) und DJ ShluchT.
Die Veranstaltung wird vom Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz ausgerichtet und von Hefte zur Welt organisiert.
Ein Teil der Lesungen findet nicht in deutscher Sprache statt.
Besonderer Dank geht an Jackie Grassmann und Peter Niemann, Haus N | Plakatgestaltung: Markus Ernst Stein
This week’s second one-night-only event features live readings, music, and performative actions by and with Inês Nascimento, Ariel Reichmann, Jörg Herold, Manuel Trökes, Stefanie von Schroeter und GAS (Markus Ernst Stein, Daniel Gottlieb & Jackie Grassmann) and DJ ShluchT. The event is hosted by Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz and brought together by Hefte zur Welt.
Some of the readings will be in German.
Special thanks to Jackie Grassmann and Peter Niemann, Haus N | Poster design: Markus Ernst Stein
25.2.2024 ab 17 h: Sonntagsmatinee mit performing sounds, visuals, and texts von und mit Silva Reichwein, Martin Lorenz und Karl-Stéphan Bouthillette für SINE GREY und Luc Döbereiner mit Martin Lorenz für NOR
SINE GREY LP
Silva Reichwein Martin Lorenz Karl-Stéphan Bouthillette
…getting untitled
Bild-Seite (Siebdruck auf Vinyl) Konzept:
Silva Reichwein benutzt eine bestehende Zeichnung, eine sog. Partitur, die Anleitung für die Entstehung ihrer kleinformatigen Bilderserie ist, den LocalsNonLocalities. Silva Reichweins LocalsNonLocalities-Notation erhält nicht nur durch die Übertragung via Siebdruckverfahren auf die LP einen Mittelpunkt, der zu einer optischen Leerstelle wird, sondern transformiert sich auch zu einem erweiterten, sich quasi auflösenden Medium, einem notation, getting untitled.
Die drehende LP löst die quadratische Zeichnung auf. Deren räumliche Stabilität weicht einer durch die drehende LP initiierten Verwischung, die zu einer neuen Qualität von (Bild)Raum –
zu einer Qualität des „Titellosen“ („untitled“) wird.
Rotation, Ebene
Audio-Seite: Klangarbeit auf Vinyl, Konzept:
Martin Lorenz‘ Komposition Rotation, Ebene leitet sämtliche harmonische und rhythmische Strukturen aus dem Zahlenverhältnis der gängigen Umlaufgeschwindigkeiten von Schallplatten, 33 1/3 und 45 Umdrehungen pro Minute ab. Als Klangmaterial werden Sinustöne verwendet, Schwingungen ohne Obertöne. Diese Archetypen der elektronischen Musik erlauben es in ihrer Absolutheit, die Musik sehr abstrakt zu denken, ohne Klangfarbe, nur mit Tonhöhe.
Durch die Addition verschiedener Sinusschwingungen bzw. Tonhöhen, die immer im Verhältnis 33 1/3 zu 45 stehen, wird unabhängig von der Abspielgeschwindigkeit der LP das akustische Resultat identisch bleiben. Lorenz leitet durch die Technik des Plattenspielers ein numerisches System ab, das die Komposition direkt beeinflusst und den entstehenden Hörraum von der Zeit entkoppelt. Er wird zu einer kompositorischen Vision eines Moments von Ewigkeit.
Unraveling the List
Covertext, Konzept:
In den vergangenen fünf Jahren konzentrierte sich die akademische Forschung von Karl-Stéphan Bouthillette auf die Erforschung der Bedeutung der metaphysischen Listenerstellung als bestimmendes Merkmal der „spirituellen Übungen“ in den wissensorientierten Praktiken des Yoga in Südasien. Da ich der Meinung bin, dass diese taxonomischen Übungen auch heute noch von Bedeutung sind, insbesondere angesichts der extrem polarisierten und brisanten Meinungswelt, in der wir uns wieder befinden, reflektiert meine Forschung die Praxis der Taxonomie im Allgemeinen als eine universelle Gewohnheit, die das Studium der Human- und Naturwissenschaften bestimmt, mit besonderem Augenmerk auf religiöser Literatur, Philosophie und Psychologie, und zeigt, wie wichtig Kategorisierung und Taxonomie für unser tägliches Leben sind. Diese Forschung bot den Hintergrund für die Überlegungen, die ich in dem LP-Umschlagtext auf ästhetischere Weise formuliert habe. Dieser Text lädt das Publikum dazu ein, die Rolle von Listen und Taxonomie für die eigene Wahrnehmung der Realität zu überdenken. Für jeden, der sich fragt: „Was weiß ich?“, ist der bequemste und intuitivste Weg, diese Frage mit einer Liste zu beantworten. Aber gibt es einen Haken? Könnte sie eine Falle sein? Die Literatur der gnostischen Yogas legt nahe, dass wir in einer repräsentativen Dimension des Bewusstseins gefangen sind. Man kann sich diese große Illusion als eine fehlerhafte Taxonomie vorstellen, die unsere Beziehung zur Welt bestimmt, indem sie uns in einem fortwährenden Zustand der Knechtschaft gegenüber einer bestimmten Ordnung der Dinge hält, die trügerischerweise immanent zu sein scheint, natürlich und unmittelbar real zu sein scheint. Mit anderen Worten: Die Welt, die wir kennen und mit der wir interagieren, ist nichts als eine Liste.
NOR – Luc Döbereiner und Martin Lorenz
Für NOR steht weniger virtuoses Musizieren im Vordergrund als die Kopplung und Verschränkung von akustischen, instrumentalen, elektronischen und algorithmischen Prozessen, die gemeinsam navigieren. Das Verhältnis zwischen Musikern und Instrumenten, sowie die Formen des Zusammenspiels und die Art und Weise, wie Technologie diese Formen verändert und ermöglicht stehen dabei im Mittelpunkt. Performance bedeutet hier also wesentlich gemeinsames Wahrnehmen und Entscheiden, wobei Technologie und die Instrumente auch zu Handelnden werden indem sie Impulse setzen.
Täglich 14-18h, außer So/Mo | daily 2-6pm, not Su/Mo
Unwearable ist ein gemeinsames Projekt der Künstler Paul McDevitt und Tommy Støckel. In verschiedenen Formaten erweitert es McDevitts zweidimensionale grafische Bilder in eine räumliche Dimension, die durch Støckels skulpturale Sprache definiert wird.
Schon in einem früheren Projekt verschmolzen die beiden ihre jeweiligen Praktiken zu neuen, eigenwilligen Produkten. Gezeigt wurden sie in Form eines Pop-up-Ladens, in dem alles außer „Kunstobjekten“ verkauft wurde. Angeboten wurden Dinge wie Regale, Rahmen, Stühle, Spiegel, Kissen, Taschen, Pullover und Schals – allesamt als erschwingliche und funktionale Editionen hergestellt.
Bei Unwearable stehen Kunstwerke als tragbare Formen experimenteller skulpturaler Kleidung und Accessoires im Mittelpunkt, die den Träger der Kunstwerke dazu einladen, sie in seinen Alltag zu integrieren. Das Format ist durch unsere allgemeine Vertrautheit mit der Sprache des Einzelhandels, speziell von Modedisplays, sofort zugänglich. Die einzelnen Objekte sind Dinge, die man gerne anfassen, anziehen und im Alltag benutzen würde. Sie haben sowohl eine Form als auch eine Funktion – auch wenn diese nicht immer offensichtlich ist.
Anders als etablierte künstlerische Tradition, die sich mit Kleidung und Kostümen als Teil von Performances beschäftigen – Oskar Schlemmer, Yayoi Kusama, Jana Sterbak, Franz Erhard Walther oder Hélio Oiticica sind nur einige Beispiele dafür – fordert McDevitts & Støckels Unwearable dazu auf, die Werke ins tägliche Leben zu integrieren. Es gilt, für sich herauszufinden, wo und wann Kunst zu Mode wird und ob ein Objekt noch als Skulptur betrachtet werden kann, wenn es getragen wird
*Paul McDevitts Praxis basiert auf einer umfassenden Erkundung der Zeichnung und einer Vielzahl von grafischen Medien. Seine Werke sind vielschichtige und spielerische Kompositionen, die auf Bildern der Hoch- und Popkultur aufbauen. So stammt ein Großteil seines Bildmaterials unmittelbar aus modifiziert, was auf der Straße zu beobachten ist. Diese Referenzen sind sehr unterschiedlich und reichen von Postern für vermisste Haustiere über Firmenlogos auf weißen Lieferwagen bis hin zu gekritzelten Graffitis.
*Die skulpturale Arbeiten des dänischen Künstlers Tommy Støckel haben sich durch ein langes Experimentieren mit Räumen, Formen und Materialien entwickelt. Sein Interesse an der Ästhetik der digitalen Medien und Werkzeuge spiegelt sich in den Objekten wider, die die Übersetzung zwischen dem Analogen und dem Digitalen zum Thema haben. Wie McDevitt greift auch Støckel für seine Kunstwerke auf gefundenes Material zurück, sowohl auf Readymades aus der realen als auch aus der digitalen Welt.
Die Künstler wurden von Susanne Prinz eingeladen.
Unwearable is the joint project of artists Paul McDevitt and Tommy Støckel. In various formats, it extends McDevitt’s two-dimensional graphic images into a spatial dimension defined by Støckel’s sculptural language. In an earlier project, the two already merged their respective practices to create new, idiosyncratic products. They were shown in the form of a pop-up shop selling everything but „art objects“. On offer were things like shelves, frames, chairs, mirrors, cushions, bags, jumpers and scarves – all made as affordable and functional editions.
Unwearable focuses on artworks as wearable forms of experimental sculptural clothing and accessories that invite the wearer of the artworks to integrate them into their everyday life. The format is immediately accessible through our general familiarity with the language of retail, specifically fashion displays. The individual objects are things that people would like to touch, wear and use in their everyday lives. They have both a form and a function – even if this is not always obvious.
Unlike established artistic traditions that deal with clothing and costumes as part of performances – Oskar Schlemmer, Yayoi Kusama, Jana Sterbak, Franz Erhard Walther or Hélio Oiticica are just a few examples – McDevitts & Støckels Unwearable calls for the works to be integrated into everyday life. It is a matter of finding out for oneself where and when art becomes fashion and whether an object can still be considered a sculpture when it is worn.
The artists were invited by Susanne Prinz.
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