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ERÖFFNUNG / OPENING: 3. Juli, 2025, 18-21 h

Ausstellung / Exhibition: 4.7. – 2.8.2025 

Öffnungszeiten / Opening hours: Do – Sa / Thu – Sat 14 – 18 h

Erstmals wird in Berlin die Arbeit der mexikanischen Künstlerin, Forscherin und Bühnenbildnerin Carmen Mariscal gezeigt. In ihrer interdisziplinären Praxis beschäftigt sie sich mit den Erinnerungen, die in Räumen eingeschrieben sind – vom menschlichen Körper über Kleidung und Architektur bis hin zur Stadt.

In ihrem aktuellen Projekt widmet sich Mariscal den historischen Schichten des Geländes, auf dem heute die mexikanische Botschaft in Berlin steht. Mithilfe von Fotografie, Film und Installation macht sie Erinnerungsspuren und Veränderung bis hin zu diplomatischen Verflechtungen sichtbar, die sich vor allem über das 20. Jahrhundert hinweg an diesem Ort eingeschrieben haben. Dabei bringt sie vergessene oder verdrängte Geschichten zum Vorschein, die Mexiko mit Deutschland, aber auch mit dem Vereinigten Königreich und weiteren Ländern verbinden. Zusätzlich werden in der Ausstellung zwei Filme früherer ortsspezifischer Projekte in Mexiko gezeigt.

Anlässlich der Ausstellung findet am Tag vor der Eröffnung, am 2. Juli um 18 h, ein öffentlicher Vortrag in der Botschaft von Mexiko (Klingelhöferstraße 3, 10785 Berlin) mit anschließendem Spaziergang zum Kunstverein statt.

Carmen Mariscal ist eine in London lebende mexikanische Künstlerin und Forscherin. Ihre interdisziplinäre Praxis untersucht Spuren von Erinnerung in Behausungen mithilfe körperlich-verkörperter Methoden. Diese Behausungen reichen vom menschlichen Körper – unserem ersten Lebensraum – über Kleidung, Wohnungen, öffentliche Räume bis hin zu Städten. In jüngerer Zeit befasst sich ihre Forschung zudem mit Themen wie Entropie und architektonischem Verfall im Kontext des mexikanischen Modernismus.

Mariscal arbeitet mit Fotografie, Skulptur, Klang, Bewegtbild, Bühnenbild und Installation. Derzeit entwickelt sie das Projekt An Investigation through the Remains of a Modernist House in Mexico City im Rahmen ihrer PhD-Arbeit Memory and Oblivion am Royal College of Art in London.

Ihre Arbeiten wurden international in öffentlichen und privaten Institutionen gezeigt. Zu ihren wichtigsten Arbeiten im öffentlichen Raum zählen: El pueblo creador, Mexikanischer Pavillon, Expo Hannover 2000; Innata, Atrium des Rathauses Den Haag, 2003 und Chez Nous, Place du Palais-Royal, Paris, 2020.

ENG.:  For the first time in Berlin, the work of Mexican artist, researcher, and theatre set designer Carmen Mariscal is being presented. Her interdisciplinary practice explores memories embedded in spaces – from the human body to clothing, architecture, and the city itself.

Her current project investigates the layered histories of the site now occupied by the Mexican Embassy in Berlin. Through photography, film, and installation, Mariscal explores the layered histories of the embassy’s current site, uncovering traces of memory, transformation, and diplomacy throughout the 20th century. Her work brings to light forgotten stories that connect Mexico, Germany, the United Kingdom, and others, tracing its transformations throughout the 20th century. In addition the exhibition includes two films from previous site-specific projects in Mexico.

To mark the exhibition, a public talk followed by a walk to the Kunstverein will take place on 2 July at 6pm, hosted by the Embassy of Mexico (Klingelhöferstraße 3, 10785 Berlin).

Carmen Mariscal is a London-based Mexican artist and researcher. Her interdisciplinary practice explores traces of memory embedded in dwellings through embodied methods. These dwellings range from the human body—our first habitat—to clothing, homes, public spaces, and cities. Recently, her research has also examined themes of entropy and architectural ruin in the context of Mexican modernism.

Mariscal works across photography, sculpture, sound, moving image, theatre set design, and installation. She is currently developing the project An Investigation through the Remains of a Modernist House in Mexico City as part of her PhD thesis Memory and Oblivion at the Royal College of Art, London.

Her work has been shown internationally in both public and private institutions. Notable public artworks include: El pueblo creador, Mexican Pavilion, Expo Hannover 2000; Innata, Atrium City Hall, The Hague, 2003; and Chez Nous, Place du Palais-Royal, Paris, 2020.

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ERÖFFNUNG / OPENING: 3. Juli, 2025, 18-21 h

Ausstellung / Exhibition: 4.7. – 2.8.2025 

Öffnungszeiten / Opening hours: Do – Sa / Thu – Sat 14 – 18 h

Performative Lesung / Performative Reading: 31. Juli 2025, 19 h

Der Kunstverein freut sich, die gemeinsame Ausstellung der deutschen Fotografin Signe Mähler und des amerikanischen Dichters William Cody Maher zu präsentieren. Pandora’s Box vereint Bilder und Szenerien, Gedichte und Lebensgeschichten – und eröffnet eine Welt, in der sich das Persönliche und das Universelle durchdringen und spiegeln.

In Fotografie, Video, Poesie und Live-Performance zeigen die beiden, wie die Geschichte eines Paares globale Ereignisse und individuelle Erinnerungen widerspiegeln kann – und wie die Vergangenheit genutzt werden kann, um die Gegenwart zu verstehen. Ihre Werke verweben intime Gespräche und Anekdoten mit surrealen, dramatischen, ironischen und bisweilen absurden Darstellungen der Kämpfe und Wunder des Lebens.

Gemeinsam erschaffen sie Figuren, Kostüme und Szenerien, die in Mählers Fotografien die Grenzen zwischen Traum und Wirklichkeit verschwimmen lassen – und so eine alternative Erzählung ihres Lebens und eine poetische Interpretation der Welt anbieten. Mahers Gedichte, präsentiert als Timelines, erzählen von widersprüchlichen Wahrheiten und überraschenden Wendungen im gemeinsamen Leben – und spiegeln zugleich kollektive Erfahrungen wider.

Die Ausstellung wurde von der Alexander Tutsek-Stiftung unterstützt.

Signe Mähler, geboren 1947, lebt als Fotografin in Berlin. William Cody Maher, geboren 1950 in San Francisco, ist Schriftsteller und Performancekünstler und lebt ebenfalls in Berlin. Neben ihren eigenen Arbeiten haben sie gemeinsam zwei Dokumentarfilme in den USA realisiert: Along Troubled Roads über die politische Lage vor Obamas Wahl sowie Down Southern Roads über den amerikanischen Süden nach dem Hurrikan Katrina und der Ölkatastrophe im Golf von Mexiko. Zudem entstand der Kurzfilm über den Schriftsteller und Übersetzer Carl Weissner: Mit ‘nem dicken Hals schreib ich am besten!.

ENG.: The Kunstverein is pleased to present the works of German photographer Signe Mähler and American poet William Cody Maher. Their joint exhibition, Pandora’s Box – An alternate dramaturgy of the past and the present or for a dystopian world brings together images and sceneries, poems and life narratives, introducing a world in which the personal and the universal intersect and mirror one another.

Through photography, video, poetry, and live performance, the artists explore how the story of a couple can echo both global events and private memories—using the past as a lens through which to understand the present. Their work weaves intimate conversations and anecdotes into surreal, dramatic, ironic, and at times absurd depictions of life’s struggles and wonders.

Together, they invent personas, costumes, and scenes that, in Mähler’s photographs, blur the line between dream and reality—offering an alternative narrative of their shared life and a poetic reading of the world. Maher’s poems, presented as Timelines, trace conflicting truths and unexpected turns within their personal story while resonating with broader collective experience.

The show was supported by the Alexander Tutsek-Stiftung.

Signe Mähler, born in 1947, is a photographer based in Berlin. William Cody Maher, born in San Francisco in 1950, is a writer and performance artist also living in Berlin. In addition to their individual practices, they have collaborated on two documentary films made in the United States: Along Troubled Roads, examining the political climate prior to Obama’s election, and Down Southern Roads, which looks at the American South following Hurricane Katrina and the BP oil spill. They also produced a short film on the writer and translator Carl Weissner, titled Mit ‘nem dicken Hals schreib ich am besten!.

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In March 2025, the Kunstverein moved into a prefab building directly at Rosa-Luxemburg-Platz – a place that, like Berlin itself, may not be old, but has become a focal point of historical upheavals within its relatively short existence. The changing names of the square, from Bülowplatz to Horst-Wessel-Platz and finally to the present Rosa-Luxemburg-Platz, reflect the political and social transformations that have shaped this location. This is where multifaceted chapters of history are told, offering a perfect backdrop for artistic reflection on the failure of the grand utopias of the 20th century – whether socialist, Zionist, green, or capitalist. Traces of these utopias can be found deep within the cultural DNA of the city and this place.

all images Ludger Paffrath

Against this specific background, Mark Fridvalszki and Marko Tadić created an intense staging that combines their works – a mix of wall installations, paintings, prints, drawings, models, archival objects, and sound – into a reflection on the potential and limits of utopian thinking. The artists, originally from the former socialist countries of Hungary and Yugoslavia, have long been concerned with how visions of a better world gradually break down but continue to live on in small fragments and objects within our everyday reality. These fragments now exist somewhere between nostalgia and the future.

The exhibition taps into these ideas and uses the prefab building itself as a symbol for these broken dreams: a building that has witnessed radical changes – from the ideological struggles of the 20th century to the urban transformations of modern Berlin. It is not only about aesthetic engagement but also about examining utopias as grand social visions developed in response to the discomfort of the present, as described by Lyman Tower Sargent and others.

As part of this exhibition, the ‘Schaufenster’, a separate display window, is activated by a a loan from the collection of the Museum Utopia und Alltag in Eisenhüttenstadt  – a former neon sign of the GDR travel agency in Jena in the form of a stylised globe. This historical piece is complemented by a wallpaper and ornamental window foil designed by Fridvalszki and Tadić, thus adding another dimension to the question of the material remains of failed utopias.

The reuse of found images, objects, and displays also gives the exhibition an ecological dimension and emphasizes sustainable resource use – an approach that not only reflects on unfulfilled utopian dreams but also attempts to develop new ideas for the future from their remnants. Despite their failure, their importance for social change remains unbroken. Through artistic collaboration, a dynamic installation is created that understands failure creatively and conveys how radically different futures could look. Ideally, it will offer visitors impulses by pointing to models of how societies react to crises and develop visionary solutions.

With this exhibition, the participating artists approach themes of media archaeology from different perspectives. In Tadić’s models an images, the world manifests as a kind of miniature stage. It is not so much a world made of things but of machines that have shown them or through which they appeared: cinema, museums, exhibitions, postcards, etc. Fridvalszki counters this with his expansive wall installations. Music serves as an interplanetary common language – similar to Steven Spielberg’s naive futuristic film Close Encounters of the Third Kind (1977). This exhibition plays with the concept of „UFO Modernism“ – the idea of preparing for a higher state of consciousness and leaving behind humanity’s animalistic side.

Although Fridvalszki and Tadić pursue visually different approaches, the message remains the same: it is about the idea of collectivism and the potential of an uncertain future. The unifying element of their work is the appropriation of everyday images from the past to question aesthetic phenomena under contemporary conditions.

This virtually echoes in the newly composed, all embracing composition by Àbáse and Ziggy Zeitgeist. Playful images and elements such as climbing frames or playgrounds set the tone for this vision. It is about reactivating the spirits of past subcultures, from ‘68 to ‘89, emphasizing solidarity and the „we“ rather than the „I.“ In that sense a jazz band symbolizes the most democratic form of collective work: playful, creative, spiritual, and emotional at the same time.

The exhibtion was curated by Susanne Prinz

Wir danken dem Museum Utopie und Alltag in Eisenhüttenstadt für die freundliche Zurverfügungstellung eines Expoants aus ihrer Sammlung. / We would like to thank the Museum Utopie und Alltag in Eisenhüttenstadt for kindly making an exhibit from their collection available to us.

Time Capsule: The Future is Out There

Moments from the closing…

Thank you to everyone who joined us for this exhibition — Special thanks to those who attended the publication launch and sound performance by Àbáse on June 20!

Video Documentation by Nina Sayuri

Die Ausstellung wurde ermöglicht durch die Unterstützung der Senatsverwaltung für Kultur und Gesellschaftlichen Zusammenhalt. / The exhibition was made possible by the support of the Senate Department for Culture and Social Cohesion.

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Eröffnung / Opening: 14.9.2024, 14-18 h

Ausstellung / Exhibition: 14.9. – 31.3.2025
Öffnungszeiten / Opening hours: 24/7 (Völkerfreundschaft) / Do-Sa 14-18 h*

Die Installation Völkerfreundschaft befindet sich auf der Grünfläche zwischen Almstadt- und Rosa-Luxemburg-Straße, Access All Areas (AAAAAAAAA) im Foyer des Kunstvereins. / The sculpture is located on the public green between Almstadt- and Rosa-Luxemburg-Straße, Access All Areas (AAAAAAAAA) in the foyer of the Kunstverein.

In den Werken Völkerfreundschaft und Access All Areas (AAAAAAAAA) greift Eric Meier die Dynamik des Unfertigen, Prozesshaften und des politischen Statements auf. Völkerfreundschaft ist eine Bodeninstallation, die durch ihre bewusst unfertige, provisorische Anmutung sowohl dystopische Elemente der DDR-Vergangenheit als auch utopische Visionen zukünftigen Zusammenlebens reflektiert. Der Einsatz von fusionierten Glasskulpturen und Betonelementen verstärkt diesen zeitlichen Schwebezustand zwischen Vergangenheit und Zukunft.

Diese Idee des Unvollendeten hat ein Echo in der Wandarbeit Access All Areas (AAAAAAAAA), die den Anarchiegedanken und die Frage nach Zugänglichkeit thematisiert. Wie ein Slogan, als wäre er von Jugendlichen in den Raum geworfen, greift das Werk politische Gesten auf und hinterfragt dabei gesellschaftliche Strukturen in einer Zeit wachsender Unsicherheit.

Beide Werke vereint eine für den Künstler typische ironische Auseinandersetzung mit Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, wobei sie auf unterschiedlichen Ebenen die Frage nach Zugehörigkeit und Zugang in der modernen Gesellschaft stellen.

Meiers Fotografien, Skulpturen und Videoarbeiten zeigen stets urbane Räume und Fragmente, in die sich Zeichen der postsozialistischen Transformation und der Verlust gesellschaftlicher Utopie eingeschrieben haben. Fotografien werden dabei zu Indikatoren von Wandel, die gleichermaßen von individuellen Mythologien wie kollektiven Umkodierungen oder Überformungen zeugen. Dies setzt sich in Meiers Installationen fort, die seine fotografische Arbeit mit Räumen aus Waschbeton, Second-Hand-Textilien und fusioniertem Glas verbinden. Dabei öffnet sich ein dritter, ästhetischer Raum, der irgendwo zwischen Utopie und Dystopie angesiedelt ist. Meiers Rhetorik ist vielschichtig, aber agiert nicht im Verborgenen. Themen des Scheiterns, des Verlustes, oder sozialer Identität ist der Arbeit inhärent. Er legt den Status-Quo des Umgangs mit städtischen wie medialen öffentlichen Räumen offen, in denen Verrohung und Vernachlässigung oft Teil der Realität ist.

Eric Meier( *1989 in Berlin, DDR, aufgewachsen in Frankfurt an der Oder) lebt in Berlin. Meier studierte an der Ostkreuzschule für Fotografie Berlin, Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig und an der Universität der Künste Berlin

Kuratiert von Susanne Prinz.

In his new works Völkerfreundschaft and Access All Areas (AAAAAAAAAAA), Eric Meier picks up on the dynamics of the unfinished, the processual and the political statement. Völkerfreundschaft is a floor installation that reflects both dystopian elements of the GDR past and utopian visions of future coexistence through its deliberately unfinished, provisional appearance. The use of fused glass sculptures and concrete elements reinforces this temporal limbo between past and future.

This idea of the unfinished is echoed in the wall piece Access All Areas (AAAAAAAAA), which thematises the idea of anarchy and the question of accessibility. Like a slogan, as if literally thrown into the room by young people, the work picks up on political gestures and questions social structures in a time of growing insecurity.

Both works are united by an ironic examination of the past, present and future, posing the question of belonging and access in modern society on different levels.

Eric Meier’s photographs, sculptures, and video works consistently depict urban spaces and fragments that bear the marks of post-socialist transformation and the loss of societal utopia. His photographs become indicators of change, reflecting both individual mythologies and collective re-codings or overwrites. This theme extends into Meier’s installations, which integrate his photographic work with spaces made of exposed aggregate concrete, second-hand textiles, and fused glass. These installations create a third, aesthetic space situated somewhere between utopia and dystopia. Meier’s rhetoric is multilayered, yet it does not operate in secrecy. Themes of failure, loss, and social identity are inherent in his work. He exposes the status quo of how urban and media-driven public spaces are treated, where coarsening and neglect are often part of the reality.

Eric Meier (born 1989 in Berlin, GDR, and raised in Frankfurt an der Oder) lives in Berlin. Meier studied at the Ostkreuz School of Photography in Berlin, the Academy of Fine Arts Leipzig, and the Berlin University of the Arts.

Curated by Susanne Prinz.

* an gesetzlichen Feiertagen geschlossen / closed on public holidays

Unterstützt von / supported by IBAUmbh, Berlin.