Der in Berlin lebende amerikanische Maler Nathan Peter hat ein neues Display für das Schaufenster des Kunstvereins entwickelt. Darin setzt er seine langjährige Auseinandersetzung mit Natur als einem Prozess kontinuierlicher Transformation fort. Seine Arbeiten entfalten sich durch Gesten der Erosion und Rekonstruktion, in denen Bilder zugleich erscheinen und sich wieder aufzulösen scheinen. Oberfläche und Struktur bleiben dabei in ständiger Bewegung, während Motiv, Wiederholung und Abstraktion nahtlos ineinander übergehen und feste Unterscheidungen zwischen Figur und Grund sowie zwischen Bild und Raum destabilisieren.
Innerhalb der Installation erweitert sich Malerei zu einem durchlässigen räumlichen Zustand: Die Leinwand fungiert weniger als statischer Bildträger denn als poröser Körper, der visuelle Informationen aufnimmt, verteilt und neu formuliert. Was entsteht, ist kein singuläres Bild, sondern ein fortlaufender Prozess des Werdens und Verschwindens — Malerei verstanden als zugleich generativ und instabil.
Die Installation ist 24/7 im Schaufenster des Kunstvereins zu sehen.
Bio: Nathan Peter ist ein in Berlin lebender amerikanischer Künstler, der vor allem mit Malerei und Installation arbeitet. Er studierte Malerei an der Rhode Island School of Design, bevor er zunächst nach London und anschließend nach Berlin zog. Zahlreiche Werke sind derzeit in der Ausstellung SYMBIOSIS | Kunst zwischen Mensch und Natur in der Kunsthalle Augsburg zu sehen.
Seine Malerei ist maßgeblich von einem längeren Studienaufenthalt in Rom geprägt. In der Auseinandersetzung mit historischen bildnerischen Referenzen ebenso wie mit zeitgenössischen materiellen Prozessen versteht Peter Malerei als einen räumlichen und zeitlichen Zustand – als etwas, das sich kontinuierlich zwischen Konstruktion und Auflösung entfaltet.
Kuratorische Leitung: Susanne Prinz
The Berlin-based American painter Nathan Peter has developed a new display for the Kunstverein’s window space. In it, he continues his long-standing engagement with nature as a process of continuous transformation. His works unfold through gestures of erosion and reconstruction, in which images appear to emerge and dissolve at the same time. Surface and structure remain in constant flux, while motif, repetition and abstraction seamlessly flow into one another, destabilising fixed distinctions between figure and ground, and between image and space.
Within the installation, painting expands into a permeable spatial condition: the canvas functions less as a static support than as a porous body that absorbs, distributes and reformulates visual information. What emerges is not a singular image, but an ongoing process of becoming and unmaking — painting understood as both generative and unstable.
The installation is on view 24/7 in the Kunstverein’s window space.
Bio: Nathan Peter is a Berlin-based American artist working primarily with painting and installation. He studied painting at the Rhode Island School of Design before moving first to London and then to Berlin. Numerous works are currently on view at Kunsthalle Augsburg in the exhibition SYMBIOSIS | Art between Human and Nature.
His painting is significantly shaped by an extended period of study in Rome. Engaging both historical pictorial references and contemporary material processes, Peter’s work situates painting as a spatial and temporal condition—one that continuously unfolds between construction and dissolution.
In All Weathers ist die erste Einzelausstellung des niederländischen Künstlers Lennart Lahuis in einem deutschen Kunstverein. Die Ausstellung untersucht Prozesse der Transformation, Instabilität und des Austauschs, die sowohl natürliche Umwelten als auch menschliche Sinn- und Bedeutungssysteme prägen.
Im Zentrum von Lahuis’ Praxis steht das Verhältnis von Materie und Sprache. Wasser, Feuer, Luft und Erde erscheinen dabei nicht als stabile Kategorien, sondern als Kräfte in stetiger Veränderung. Sie tragen Spuren von Leben, Erinnerung und Erzählung in sich und bilden die Grundlage von Mythen, Geschichten und Wissenssystemen ohne eindeutigen Ursprung. Wie Flüsse, Sedimente oder Wettermuster werden diese Erzählungen fortwährend geformt, umgeschrieben und durch Erosion verändert.
Die Ausstellung vereint vier Werkgruppen und verfolgt die Bewegung von Information durch unterschiedliche Aggregatzustände und Materialien. Texte treten als Spuren in getragenem Denim hervor, werden durch Schweiß und Oxidation in erhitzten Stahl eingeschrieben, erscheinen flüchtig als Wasserdampf in der Luft und bestehen als fragmentierte Inschriften in Ton fort. Sprache bleibt in all diesen Arbeiten niemals festgelegt. Sie wird von Körpern, Wettersystemen, geologischen Prozessen und Oberflächen getragen, die ihre Form fortlaufend verändern.
Schreiben, Einschreiben und Erosion kehren in der Ausstellung als wiederkehrende Gesten wieder. Die Tonarbeiten der Serie MURMUR erinnern an archäologische Fragmente, deren Bedeutung unvollständig bleibt, während HYDROLOGYden Wasserkreislauf durch Wörter sichtbar macht, die in der Atmosphäre erscheinen und wieder verschwinden. Die Denim-Arbeiten und die CALORGRAPHS zeichnen auf ähnliche Weise Formen von Berührung und Kontakt auf und übersetzen alltägliche Gewohnheiten sowie körperliche Präsenz in subtile Zeugnisse von Zeit und Veränderung.
Anstatt feste Bedeutungen oder eindeutige Erzählungen anzubieten, rücken die Arbeiten Prozesse des Entstehens und Verschwindens in den Vordergrund. Materie fungiert dabei als temporärer Träger von Erinnerung, während die Bedeutung fortwährender Veränderung unterliegt. Die Werke gleichen sorgfältig angelegten Versuchsanordnungen des Denkens, die die Bedingungen ihrer eigenen Möglichkeit nie vollständig festlegen können, und gerade in dieser Offenheit gewinnen sie ihre Form.
Bio: Lennart Lahuis (NL) lebt und arbeitet in Brüssel. Er studierte am ArtEZ Institute of the Arts in Zwolle/Arnhem sowie an De Ateliers in Amsterdam. Residenzen führten ihn unter anderem an das Banff Centre for Arts and Creativity (Kanada), die Glasgow Sculpture Studios und Sundaymorning @EKWC. Seine Arbeiten waren zuletzt in Einzel- oder Duoausstellungen im Bergson (München), Museum Schloss Moyland und im Fries Museum zu sehne. In seinen skulpturalen und installativen Arbeiten verbindet Lahuis Materialität, technische Systeme und fragile Gleichgewichte.
Kuratorische Leitung: Susanne Prinz
In All Weathers is the first solo exhibition by the Dutch artist Lennart Lahuis in a German Kunstverein. The exhibition explores processes of transformation, instability and exchange that shape both natural environments and human systems of meaning.
At the core of Lahuis‘ practice lies the relationship between matter and language. Water, fire, air, and earth appear not as stable categories, but rather forces in constant transformation. They carry traces of life, memory and storytelling, forming the basis of myths, histories and systems of knowledge that have no single origin. Like rivers, sediments or weather patterns, these narratives are continuously shaped, rewritten and eroded over time.
Bringing together four bodies of work, In All Weathers follows the movement of information through different states of matter. Texts emerge as traces in worn denim, are drawn onto heated steel through perspiration and oxidation, appear briefly as water vapour in the air, and persist as fragmented inscriptions impressed into clay. Across these works, language is never fixed. It is carried by bodies, weather systems, geological processes and material surfaces that continuously alter its form.
Throughout the exhibition, acts of writing, imprinting and erosion function as recurring gestures. The clay works of the MURMUR series evoke archaeological fragments whose meanings remain incomplete, while HYDROLOGY renders the water cycle visible through words that materialise and dissolve in the atmosphere. The denim works and CALORGRAPHS similarly register forms of contact, translating everyday habits and bodily presence into subtle records of time and transformation.
Rather than offering fixed meanings or definitive narratives, the works foreground processes of emergence and disappearance. Matter acts as a temporary carrier of memory, while meaning remains subject to continuous revision. The works resemble carefully constructed experimental arrangements of thought, which can never fully secure the conditions of their own possibility – and it is precisely in this lack of closure that they take form.
Bio: Lennart Lahuis (NL) lives and works in Brussels. He studied at the ArtEZ Institute of the Arts in Zwolle/Arnhem and at De Ateliers in Amsterdam. Residencies have taken him to the Banff Centre for Arts and Creativity (Canada), Glasgow Sculpture Studios and Sundaymorning @EKWC, among others. His work was recently shown in solo and duo exhibitions at Bergson (Munich), Museum Schloss Moyland and the Fries Museum. In his sculptural and installation-based practice, Lahuis brings together materiality, technical systems and fragile equilibria.
Samstag, 30. Mai 2026, von Mittag bis Mitternacht / Saturday, May 30th, 2026, noon to midnight
Bar ab/from 18h
La Reprise (Dérive) ist eine Übung in Kontinuität und Verzerrung. Dieser experimentelle Film begann am 21. Juni 2020. Am 29. Mai 2026 wird er 310 Minuten/Wochen lang sein. Jede Woche entsteht eine weitere Minute, indem in derselben Woche aufgenommenes Material mit Archivaufnahmen aus den vergangenen Jahren kombiniert wird. Bild und Ton werden konsequent mit demselben Gerät aufgenommen (einem iPhone). Der Film mag verzerrt sein, doch bleibt stets die Annahme bestehen, dass etwas existiert oder existiert hat, das aufgezeichnet wurde. Die Sequenzen sind weder wahr noch falsch; sie verbinden unterschiedliche Grade von Theatralität und Authentizität. Die Erzählung ist von der Summe ihrer Teile entkoppelt und entfaltet sich entlang von Erfolgen und Scheitern. In diesem Sinne befindet sich der Film in einem konstanten Zustand des Fertigseins, anstatt endlos unfertig zu bleiben. Während seine Länge kontinuierlich wächst, ist sie zugleich immer schon seine endgültige Dauer. Dieses Werk soll bis zu meinem Tod fortgeführt werden.
Fette Sans ist eine Konzeptkünstlerin, deren Filme, Performances, Texte und Installationen untersuchen, wie Realität und Begehren durch Bilder vermittelt werden – insbesondere durch Screens. Wie sehen die Rückstände eines Bildes aus? Was konstituiert eine Erinnerung?
In ihrer Praxis erforscht sie Fragen des Seins und Zugehörens, die Beziehungen zwischen Arbeit, Geschlecht und Bild sowie die Entwicklung dieser Begriffe im Kapitalismus.
ENG: La Reprise (Dérive) is an exercise in continuity and distortion. This experimental film began on June 21, 2020. On May 29, 2026, it will be 310 min / weeks long. Every week, a subsequent minute is produced by combining scenes shot that week with archival material from the past years. Footage and sound are consistently recorded with the same single device (an iPhone). The film may distort, but there is always a presumption that something exists, or did exist, which is what was recorded. The sequences are neither true nor false, they integrate various degrees of theatricality and authenticity. The narrative is disconnected from the sum of its parts and elaborates on successes and failures. In this regard, the film is in a constant state of being finished, rather than interminably in progress. While its length progressively evolves, it also always is its final duration. This work is meant to continue until my death.
Fette Sans is a conceptual artist whose films, performances, writings, and installations explore how reality and desire are mediated by images, particularly via screens—what do the residues of an image look like? What constitutes a memory? With her practice, she explores the condition of being and belonging, the relationships between labor, gender, and the image, and the evolution of these notions under capitalism.
Dear Fette, thanks so much for the invitation. I left 45 minutes before the end. I have analysis at 8 in the morning Monday’s and it’s so challenging at the moment so l need it to give it some head space. I’m really impressed by the endeavour of the film and the chronotopical mammoth project it is. I could feel so much intention and care (maybe is the right word, or tenderness maybe, or even love or relentless believe!?) in the images and composition I don’t know quite how to describe it but as if touching life with a certain preciousness (that I very much admire, perpetually envy even, whether already achieved or not – like we can envy love or happiness even if we are ourselves happy or in love). As much as we can touch life at all…. In its digital rendering and pure time passing, the amount of observations… It has many different moments but in the end it left me with a sort of melancholy emerging with the realisation how much the „quality“ of life is about how we see it or touch it and maybe the subtle lingering feeling that we die a little bit every time a moment ends. In the beginning, when I hadn’t read the description yet, I thought your film might be ordered according to the seasons and somehow it turned out to be true (maybe the seasons of temporality itself), and I was very pleased to hear Vivaldis spring, and then walk home in the snow shortly after. It felt this strange relation all of a sudden between documenting and life I real time (strange in a good way). In general- what an incredible setting this movie in the weather yesterday. Sometimes the universe makes it just perfect. also I had to think a lot about what we show of ourselves to others but maybe also to ourselves, and that it is so different often to how we feel (how we seem and what we seed) and that what is visible to others is kind of only expressible in how we look at things, the words we use, what other observes us taking in, or giving out. In that sense what (how) we see is shaped by the symptoms we possess and that interest me a lot. Because in them our whole life story is contained, our traumas, dreams, and yearnings, how it says at one point in the movie, a very crucial moment I find, something like „and then she tells the story of her life“, and what this is, and how we can even tell it, how we can touch the so fleeting aliveness, with others, through others, for others, for ourselves. Anyway, as we didn’t get to talk after the screening I thought I’ll send you these thoughts that I wrote down on the way home, and I hope they are not just gibberish to you. Hopefully see you soon, with a little more time. Hugs, Jackie
Ausstellungsdauer / Exhibition dates: bis 16.05.2026 / until 16.05.2026 Do–Sa 14–18 Uhr / Thu–Sat 2–6 pm
Gallery Weekend: 1.–3.05.2026, 14–18 Uhr / 2–6 pm
mit/with
Kathryn Andrews, Thomas Baldischwyler, Bernd & Hilla Becher, Cosima von Bonin, Monica Bonvicini, Leda Bourgogne, Ulla von Brandenburg, Andreas Diefenbach, Mark Dion, Nombuso Dowelani, Michaela Eichwald, Jonas Fahrenberger, Teresa Kutala Firmino, Georgia Gardner Gray, Sayre Gomez, Marc Henry, Elke Silvia Krystufek, Mark Leckey, Christian Philipp Müller, Yuval Pudik, Odur Ronald, Amanda Ross-Ho, Sterling Ruby, Zandile Tshabalala, Malte Urbschat, Geerten Verheus, Christine Tien Wang, Alex Wissel, Heimo Zobernig
17.4.2026 ab/from 19 h Intervention:ITINERANT INTERLUDE #2
Die in Berlin lebenden Künstler:innen Friederike Feldmann und Paul McDevitt präsentieren ein gemeinsames Projekt, das sich nahezu vollständig entlang der Wände des Ausstellungsraums entfaltet. Renovieren ist eine kluge, unterhaltsame und meisterhaft ausgeführte Reflexion des Mediums Malerei mit seinen eigenen Mitteln und gleichzeitig eine feinsinnige Selbstreflexion der beiden Maler:innen über ihr eigenes künstlerisches Tun.
Thematisch wie motivisch speist sich das Projekt im Wesentlichen aus dem Repertoire jener anderen „Maler“, der Dekorateure und Anstreicher, deren Berufsbezeichnung mit der der Künstler:innen identisch ist.
Feldmanns expansive malerische Gesten, in denen Pinsel und Oberfläche ineinander übergehen, greifen in diesem Kontext noch stärker als sonst in die Architektur aus und lösen die Grenze zwischen Bild und Wand auf. McDevitt, dessen Praxis in Zeichnung, Druckgrafik und grafischer Intervention verwurzelt ist, bringt eine eigenständige, geschichtete Bildsprache ein, geprägt von Unmittelbarkeit und Rhythmus, verbunden mit einer überraschend spielerischen Haltung gegenüber den Werkzeugen und Materialien des handwerklichen Maleralltags, den vertrauten Utensilien seiner beruflichen Namensvetter.
In ihrer räumlichen Verschränkung entsteht eine vielschichtige Bildarchitektur, die den Innenraum des Kunstvereins transformiert und die Besucher:innen dazu einlädt, die Wände nicht als bloßen Hintergrund, sondern als aktive, reagierende Oberflächen zu erfahren.
Kuratorische Leitung: Susanne Prinz
Zum Abschlusswochenende veranstalten wir einen besonderen Performance-Abend im Rahmen von ITINERANT INTERLUDES, kuratiert von Laurie Schwartz. Die Reihe bringt Künstler*innen aus den Bereichen Klang und Performance in Dialog mit aktuellen Ausstellungen in ganz Berlin und schafft Begegnungen zwischen visuellen und auditiven Praktiken.
17. April, ab 19 Uhr: ITINERANT INTERLUDE #2: Alexey Kokhanov und Natalia Pschenitschnikova, Stimmen ITINERANT INTERLUDES wird unterstützt durch Initiative Neue Musik Berlin.
Berlin-based artists Friederike Feldmann and Paul McDevitt present a joint project occupying almost the entire wall surface of the exhibition space. Renovieren – English “to renovate” – is a clever, entertaining, and masterfully executed reflection on the medium of painting using its own means, and at the same time a subtle self-reflection by the two painters on their own artistic practice.
Thematically and materially, the project draws almost entirely on the repertoire of other “painters”: those decorators and house painters whose professional title happens to be identical to that of the artists.
Feldmann’s expansive painterly gestures, where brush and surface blur into one another, extend in this context even more than usual onto the architecture, dissolving the boundary between image and wall. McDevitt, whose practice is rooted in drawing, print, and graphic intervention, introduces a distinct layered visual language marked by immediacy and rhythm, coupled with a surprisingly playful engagement with the tools and materials of a renovation site – the everyday instruments of his professional namesakes. In their spatial convergence, the works generate a charged visual field that transforms the interior of the Kunstverein, inviting visitors to encounter the walls not as backdrop but as active, responsive surfaces.
Curatorial lead: Susanne Prinz
To mark the closing weekend, we are hosting a special evening of performances as part of ITINERANT INTERLUDES, curated by Laurie Schwartz. The series brings together artists working with sound and performance in dialogue with ongoing exhibitions across Berlin, creating encounters between visual and aural practices.
April 17, from 19 h: ITINERANT INTERLUDE #2: Alexey Kokhanov and Natalia Pschenitschnikova, Stimmen ITINERANT INTERLUDES is supported by:
16. April 2026, 19h Ort / Where: Plakatwant / billboard–Torstraße / Karl-Liebknecht-Straße (Google-Koordinaten: 52.527189, 13.415033)
Sichtbar/Visible: 24/7
Während am Rosa-Luxemburg-Platz alles seinen gewohnten Gang geht, hat sich nur wenige Blocks weiter leise eine Intervention formiert. Ab dem 16. April erscheint Turn of Events des in Berlin lebenden schwedischen Künstlers Henrik Strömberg. Ein schwarz-weißes Bild eines Fahrzeugs – mehr Kreatur als Maschine – wird über der großen Verkehrskreuzung auf der Plakatwand thronen.
Das Projekt markiert den Auftakt von drei Interventionen, die anlässlich der Veröffentlichung des neuen Buches des Künstlers, Chronos: Present Ubiquitous, entwickelt wurden. Die Serie der Installationen wird sich über verschiedene Städte und Länder erstrecken; der zweite Standort sowie das Buch selbst werden im Juni angekündigt und vorgestellt.
Buch und Intervention werden von Chiara Valci Mazzara betreut.
Feiern Sie mit uns die erste der drei Intervention von Henrik Strömberg am Donnerstag, 16. April 2026, 19 Uhr, vor der Plakatwand.
Eng.: While everything at Rosa-Luxemburg-Platz continues as usual, an intervention has quietly taken shape just a few blocks away. As of April 16, Turn of Events by Berlin-based Swedish artist Henrik Strömberg will appear. A black-and-white image of a vehicle—resembling more a beast than a machine—will loom over the major traffic junction in front of the billboard.
The project marks the first of three public interventions developed on the occasion of the launch of the artist’s new book, Chronos: Present Ubiquitous. The series of public installations will unfold across different cities and countries, with the second chapter location—as well as the book itself—to be announced and presented in June.
Book and intervention are curated by Chiara Valci Mazzara
Join us in celebrating the first of Henrik Strömberg’s three interventions on Thursday, April 16, 2026, at 7 pm, in front of the billboard.
Am 15. März 2026 veranstaltete der Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz ein Werkstattgespräch mit Teilnehmern aus Polen, Schweden und Deutschland, organisiert von Zofia Nierodzińska und Susanne Prinz. Die Idee zu diesem Workshop entstand in Folge einer Talkrunde in der Galerie WY in Łódź im Rahmen des Ausstellungsprojekts KRES, das von der Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit unterstützt wurde, und der lockeren Veranstaltungsreihe Samla Skog – Gathering Forest in Bernshammar (S) und im Kunstverein.
Die Veranstaltung widmete sich dem Wald als ökologisch und historisch belasteter Realität und griff Themen aus Martin Pollacks Konzept der „kontaminierten Landschaften“ auf. Der Nachmittag begann mit einer poetischen Lesung von Jens Soneryd aus seiner fortlaufend wachsenden Sammlung von Namen verlorener und noch existierender Wälder und deren lokale Toponyme.
Die Teilnehmer:innen diskutierten in drei thematischen Panels: Gruppe 1: Denken mit dem Wald Gruppe 2: Landschaften in tiefer Zeit Gruppe 3: Situierte Wälder
Die Sitzung endete mit „Eine andere Methode des Erinnerns“: Linda Soneryd (Soziologin) sprach über die Sammlung mündlicher Zeugnisse zum Waldverlust in Schweden.
Die geschlossene Werkstatt (auf Englisch und Deutsch) diente als offenes Forum für den Austausch interessierter Künstler und Künstlerinnen, knüpfte an das KRES-Projekt an und verknüpfte es mit dem laufenden internationalen Netzwerk Samla Skog/Gathering Forest. Sie untersuchte, wie Wälder als lebende Gedächtnisarchive fungieren – Zeugen der Geschichte, komplexe symbolisch-materielle Ökosysteme – als Zeitzeugen, manchmal als Komplizen und oft als Schutzräume.
Teilnehmer:innen
Aleksandra Janus, Anthropologin
Anna Siekierska, Künstlerin/Aktivistin
Christl Mudrak, Künstlerin/Forscherin
Henrik Strömberg, Künstler
Kasia Hertz, Künstlerin/Aktivistin
Martin Geschicht, Künstler
Susanne Prinz, Kuratorin, Kunsthistorikerin
Ulrike Gerhardt, Forscherin
Vanessa Gravenor, Künstlerin/Forscherin
Zofia Nierodzińska, Künstlerin/Kuratorin
ENG: On March 15, 2026, following the KRES exhibition (Łódź, Oct–Dec 2025), Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz hosted a private round-table organized by Zofia Nierodzińska and Susanne Prinz.
The gathering focused on the forest as an ecologically and historically burdened reality, drawing on themes from Martin Pollack’s notion of “contaminated landscapes.” The afternoon opened with a poetic reading by Jens Soneryd, enumerating names of lost and existing forests to evoke remembrance.
Participants met in three thematic panels: Group 1: Thinking with the Forest Group 2: Landscapes in Deep Time Group 3: Situated Forests
The session concluded with “Another Method of Remembering”: Linda Soneryd (sociologist) discussed oral witness collection on forest loss in Sweden.
The session concluded with “Another Method of Remembering”: Linda Soneryd (sociologist) discussed oral witness collection on forest loss in Sweden.
This closed-door workshop (in English and German) served as an open forum for exchange, following up on the KRES project and linking it to the ongoing Samla Skog/Gathering Forest international network. This closed-door workshop (in English and German) served as an open forum for exchange, following up on the KRES project and linking it to the ongoing Samla Skog/Gathering Forest international network. It explored how forests function as living archives of memory—witness to history, sites of violence and refuge, and thresholds between human and wild.
Conceived as an off-program intervention between two exhibitions, circa unfolds at the Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz during a moment of institutional suspension. The project occupies a space that remains physically untouched, unlit, and formally undecided. Rather than proposing answers, the exhibition addresses the public through questions, activating perception instead of assertion.
The exhibition takes the threshold as both subject and condition: a space of uncertainty in which time loosens its grip and architecture becomes temporarily soft. In this interstitial moment—neither exhibition nor void—the Kunstverein appears less as a container of meaning than as a site of latency. Siciliano’s interventions are deliberately ephemeral, defined by their temporary presence and by subtle shifts in light, attention, and bodily awareness.
Light functions as the fil rouge of the exhibition, articulating a sequence with a beginning, an interlude, and an end. Each of the three site-specific installations is introduced by a single page from a book relating to it. Recreated on handmade paper, these pages bear watermarks that become visible only through backlight, recalling the traces of dried leaves or dog-eared corners that render books singular over time. The texts revealed—Ocean Vuong’s Threshold from Night Sky with Exit Wounds (2017), Ettore Sottsass’s Di chi sono le case vuote? (2021), and Paul B. Preciado’s Can the Monster Speak? (2020)—form a constellation of voices reflecting on vulnerability, abandonment, and the possibility of speech from within liminal states.
The first installation, 23:59, reflects on the construct of time that defines midnight as a decisive threshold. That single minute which marks the passage from one day to the next—mythically charged as the moment when reality alters—appears here as a suspended image in space. The refracted reflections of a disco ball are painstakingly hand-painted onto the walls using phosphorescent pigment. Charged throughout the day by natural and artificial light, these fragments emerge in darkness and slowly fade, disappearing only to be reactivated again. Time is neither linear nor resolved, but caught in a loop of appearance and disappearance.
Circa 2026 turns to the architecture of exhibition-making itself, reflecting on the white cube and its anticipated exhaustion. Neon lights—the emblematic infrastructure of contemporary display—are here replaced with tubes nearing the end of their lifespan. Flickering or shifting toward a soft pink hue, they cast the space into a state of near-darkness. The visitor enters an environment suspended in an undefined “circa,” uncertain of when illumination will fully cease. The gallery becomes a place on the verge of disappearance, a limbo removed from the certainties of both function and duration.
A third intervention, titled 37° 18’ 14,688” N, 14° 12’ 54,078” E, occupies a small window visible only from outside the Kunstverein. Printed on semi-transparent fabric, it depicts an image of sunlight filtering through shutters onto a curtain, evoking a domestic interior displaced into the public realm. The work plays with perception across time, geography, and point of view, folding present and past into a single, fragile image. Light once again defines an indefinite temporality, one that hovers between memory and immediate experience.
Elsewhere, hidden within the gallery’s restroom, an audio installation introduces recordings from other lavatories. While preserving the room’s function, the intimate sounds of anonymous bodies generate an uncanny parallel reality, collapsing private and public into a shared acoustic space.
Moving through the anteroom—whether arriving, leaving, or simply lingering—visitors encounter golden markers embedded in the floor. These reflective inlays trace the outlines of walls that no longer exist, foregrounding the layered architectural history of the site. In contrast to the exhibition’s ephemeral gestures, these markers insist on material memory, raising quiet questions about former uses, vanished divisions, and the persistence of spatial meaning. Where do these marks come from, and what do they continue to hold?
Curated by Chiara Valci Mazzara and Susanne Prinz
Marco Siciliano was born in 1991 in Caltagirone and grew up in Milan. He now lives and works in Berlin, alternating periods in Sicily and Milan. He holds a Master’s degree in Interior Design from the Politecnico di Milano and studied sculpture with Monica Bonvicini at the Universität der Künste Berlin, where he was awarded the title of Meisterschüler in 2024. His practice explores thresholds between public and private, inside and outside, visible and invisible. Working with repurposed and deconstructed materials, Siciliano questions architectural conventions and the social orders they sustain. Across his work, transitional spaces become sites of heightened bodily awareness—moments in which one foot remains suspended, and the next step has not yet been taken.
The round table and book presentation dedicated to the artistic practice and to the most recent publication of Daniel Peltz, The Schol of Shy-ing a Way.
Daniel Peltz, refuging in Rejmyre - 2017 - ongoing
enter like an unemployed elephant which is to say begin to wonder what an unemployed elephant might need upon entering begin by building a ramp a ramp that allows one to overcome one’s own inclinations begin by not knowing not knowing whether you have entered when you might have entered begin by being sure you will not know when exit has been achieved someone will have to tell you to point it out or to point up and for you to look out instead an act of defiance that might lead you to a moment of knowing that you have entered that you are inside begin with the assumption that you were always already inside your task is not to enter but to move, already from within
Daniel Peltz - 2017 -
Daniel Peltz will share his artistic practice, which involves long-term engagements with specific sites, including an ongoing 18-year engagement with a rural, glass factory town in Sweden. His presentation will also include a recently released book of field notes, The School of Shying a Way, from a collaborative research project on the aesthetics of shyness conducted as part of a Finnish/African innovation platform.
From Shying a Way:
The School of Shying a Way attempts to craft a space, and provide an ideological support, for a set of resistances: to the collective/individual binary, to the limited conscious – ness of fixed meaning, to the locating of knowledge as something and somewhere outside of the study and the student.
Daniel Peltz is an artist and international educator. Through public projects, performances and media installations, Peltz’ artworks explore complex social systems, attempting to provoke ruptures in the socio/cultural fabric through which new ways of being may emerge and be considered. To accomplish these goals, he uses a range of intervention, ethnographic and performance strategies. His projects often take the form of existing social systems to directly engage non-art audiences in the language of critical art practice.
Artifacts from Peltz’ public projects and performances have been exhibited in international solo and group exhibitions at institutions including Färgfabriken and Botkyrka Konsthall in Stockholm, the Cable Factory in Helsinki, Galleri F15 in Moss and the Norrköpings Konstmuseum. He has been a resident artist at Yaddo in the USA; Helsinki International Artist Program in Finland; International Artists Studio Program in Sweden; Artspace in Australia; Cemeti Art House in Indonesia; and Spaced in Western Australia.
From 2004-2020 Peltz served as Professor of Film and Video at the Rhode Island School of Design in the U.S. Since 2020, Peltz is Professor of Time and Space Arts with a specialization in Site and Situation Specific Art at the Finnish Academy of Fine Arts, Uniarts Helsinki. Growing out of a 2007 artistic-research Fulbright term in Sweden, Peltz co-founded the artist-run, long-term, place-based research project Rejmyre Art Lab’s Center for Peripheral Studiesin the glass-factory town of Rejmyre, Sweden that continues to be at the center of his art and curatorial practice.
Der Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz freut sich, P.OST, die erste institutionelle Einzelausstellung des polnischen Künstlers Mateusz Choróbski in Deutschland, zu präsentieren. Speziell für den Kunstverein entwickelt, versammelt die Ausstellung Klang, Video-, Licht- und skulpturale Installationen, um über Erinnerung, Transformation und der vielschichtigen Identität des Rosa- Luxemburg-Platzes nachzudenken.
Choróbskis Arbeiten erkunden das Spannungsevrhältnis zwischen Nostalgie und Erinnerung, hinterfragen die Tendenz, die Vergangenheit zu idealisieren, und fragen, wie Nostalgie verstanden werden kann – als Sentimentalität, als Erbe oder als Missverständnis. So verweist bereits der Titel P.OST zugleich auf den verschwundenen OST – Schriftzug der Volksbühne und auf die Frage, was „nach dem Osten“ kommt.
Inspiriert von der architektonischen und kulturellen Geschichte des Rosa-Luxemburg-Platzes – besondere von Hans Poelzigs Entwürfen für das Babylon-Kino – verwandelt Choróbski den Ausstellungsraum in eine Bühne aus Spuren, Schatten und Fragmenten urbanen Umfelds. Seine Arbeit spannt einen weiten Bogen über Video, Installation, Performance, Klang und Skulptur. Häufig setzt der Künstler den menschlichen Körper neben und in Architekturen und untersucht, was bleibt, wenn soziale, politische oder materielle Systeme an ihre Grenzen gelangen – verfallene modernistische Gebäude, die Schuld(en)lasten oder der verletzliche Körper in Ruhe. Diese Überreste werden Ausgangspunkte, um über Verletzlichkeit, Resilienz und sich stetig ändernde kulturelle Narrative nachzudenken.
Mit gefundenen Glasobjekten, zu neuen Formen verschmolzen, verwandelt er Licht in ein Gefäß für Geschichte und Erinnerung. Dafür nutzt er eine komplexe Technologie, die Licht von Zeit und Ort entkoppelt und es in der Ausstellung neu einsetzt – so wird Licht aus entfernten Orten oder Zeiten in der Ausstellung wieder sichtbar und erfahrbar.
Gleich beim Betreten des Gebäudes begegnen Besucher*innen einem Türgriff, gegossen aus eingeschmolzenen polnischen Ein-Grosz-Münzen, modelliert nach Poelzigs historischen Entwürfen. Eine Klanginstallation – ein gelooptes Einatmen – erfüllt den Eingangskorridor und verwandelt die Schwelle in eine Zone erhöhter Wahrnehmung, die physische Berührung mit einem subtilen Hinweis auf Atem und Erwartung verbindet.
Im ersten Galerieraum führt eine zehn Meter lange Linie aus eingeschmolzenen Drahtglasplatten, beleuchtet von versteckten LEDs, exakt das Licht wieder ein, das am Vortag auf dem Rosa-Luxemburg-Platz aufgezeichnet wurde. Die unregelmäßigen, organischen Oberflächen tragen Spuren von Zeit und Atmosphäre in sich, spiegeln die wechselnden Bedingungen draußen wider und laden dazu ein, über Erinnerung, Präsenz und den Fluss der Zeit nachzudenken.
Ein zweiter Raum zeigt eine großformatige Installation aus Glasplatten, die mit Überresten früherer Arbeiten des Künstlers verschmolzen sind. Leicht über dem Boden schwebend und von der Straße aus sichtbar, wird die Arbeit zu einer Art Schattentheater: Silhouetten der Besucher*innen beleben die Oberfläche, machen das Publikum zum integralen Bestandteil der Arbeit und erweitern die Dramaturgie der Ausstellung in den öffentlichen Raum hinein.
Im abgeschlossenen Schaufenster projiziert eine Video die Hand eines Dirigenten, der Musik aus dem Stummfilm Der Golem, wie er in die Welt kam (1920)* dirigiert, für den Poelzig das Bühnenbild entworfen hat. Zur Straße hin projiziert, antwortet die Geste auf die Rhythmen und Stimmungen des Platzes und spürt seinen fortwährenden Puls von Spannung, Inszenierung und gemeinsamer Präsenz.
Die Ausstellung wurde kuratiert von Chiara Valci Mazzara und Susanne Prinz.
Die Ausstellung wird unterstützt von der Alexander Tutsek Stiftung und ermöglicht durch durch die Stiftung für deutsch-polnische Zusammenarbeit, mit Beteiligung von OP Enheim. Sie wurde vom Adam-Mickiewicz-Institut ko-organisiert und kofinanziert vom Ministerium für Kultur und Nationales Erbe der Republik Polen.
*„Der Golem, wie er in die Welt kam“, Partitur für kleines Orchester von Hans Landsberger, rekonstruiert und orchestriert von Richard Siedhoff, wurde uns freundlicherweise aus dem Bestand des Ries & Erler Musikverlags zur Verfügung gestellt.
[Eng] The Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz is pleased to present P.OST, the first institutional solo exhibition in Germany by Polish artist Mateusz Choróbski. Developed specifically for the Kunstverein, the exhibition brings together sound, video, light, and sculptural installations that reflect on memory, transformation, and the layered identity of Rosa-Luxemburg-Platz.
Choróbski’s work explores the tension between nostalgia and memory, questioning the tendency to idealize the past and examining how nostalgia can be understood – as sentimentality, heritage, or misunderstanding. The title P.OST refers both to the vanished OST sign on the Volksbühne and to the question of what comes “after the East.” Drawing inspiration from the architectural and cultural history of Rosa-Luxemburg-Platz, particularly Hans Poelzig’s designs for the Babylon cinema, he transforms the gallery into a stage built from traces, shadows, and fragments of the surrounding urban fabric.
His broader practice spans video, installation, performance, sound, and sculpture. Choróbski frequently juxtaposes the human body with architecture, exploring what remains when social, political, or material systems reach exhaustion—ruined modernist buildings, the weight of debt, or the fragile body at rest. These remnants become points of departure for thinking about vulnerability, resilience, and shifting cultural narratives. Working with found glass objects fused into new forms, he turns light into a vessel of history and remembrance, using a technology he developed that captures and reproduces light from other parts of the world in real time.
Entering the building, visitors encounter a door handle cast from melted Polish one-grosz coins, modeled after Poelzig’s historic designs. A sound installation—a looped inhalation—fills the entrance corridor, transforming the threshold into a zone of heightened awareness that blends physical contact with a subtle suggestion of breath and anticipation.
Inside the first gallery, a 10-meter line of melted reinforced-glass panels, illuminated by hidden LEDs, reintroduces the exact light recorded on Rosa-Luxemburg-Platz the previous day. The irregular, organic surfaces hold traces of time and atmosphere, echoing the shifting conditions outside and inviting reflection on memory, presence, and the passage of time.
A second room presents a large-format installation of glass panels fused with remnants of the artist’s earlier works. Slightly elevated above the floor and visible from the street, the piece becomes a kind of shadow theatre: silhouettes of visitors animate the surface, making the audience an integral part of the work and extending the exhibition’s dramaturgy into public space.
In the window room, a video projection shows a conductor’s hand performing music from the 1920 silent film Golem: How He Came into the World—for which Poelzig created the set design. Projected toward the street, the gesture responds to the rhythms and emotional atmospheres surrounding the square, underscoring its continual state of tension, performance, and collective presence.
The exhibition was curated by Chiara Valci Mazzara and Susanne Prinz.
The show is supported by the Alexander Tutsek Stiftung. Made possible by the Stiftung für Deutsch-Polnische Zusammenarbeit, with the participation of Op Enheim, co-organized with the Adam Mickiewicz Institute and co-financed by the Ministry of Culture and National Heritage of the Republic of Poland.
The sheet music Der Golem, wie er in die Welt kam. Für kleines Orchester by Hans Landsberger, reconstructed and orchestrated by Richard Siedhoff, was kindly provided from the holdings of Ries & Erler Musikverlag.Mateusz Choróbski (b. 1987, Radomsko) graduated from the University of the Arts in Poznań and the Academy of Fine Arts in Warsaw. He works across sculpture, installation, video, performance, and sound, engaging with architectural history, material transformation, and the conditions of contemporary life. Selected institutional solo exhibitions include: H.aven, Éva Kahán Foundation, Vienna (2024); Hide And Seek, Fabbrica del Vapore, Milan (2023); What the Barbarians Did Not Do, Opole Centre for Contemporary Art (2021); Mateusz Choróbski, Fondazione Nicola Del Roscio, Rome (2019); and The Loneliness of the Long Distance Runner, Manifesta 11, Zurich (performance, 2016).Adam Mickiewicz Institute (IAM) brings Polish culture to people around the world. As a state institution, it creates lasting interest in Polish culture and art through strengthening the presence of Polish artists on the global stage. It initiates innovative projects, supports international cooperation and cultural exchange. It promotes the work of both established and promising artists, showing the diversity and richness of our culture. The Adam Mickiewicz Institute is also responsible for the Culture.pl website, a comprehensive source of knowledge about Polish culture. More information: www.iam.pl.The Foundation for Polish-German Cooperation(SDPZ/FWPN) fosters good relations between Poland and Germany. For over 30 years, it has co-financed 16,000 bilateral projects, supporting partnerships between institutions, educational initiatives, scientific collaboration, and artistic and literary exchange. The Foundation also initiates its own projects—study visits, scholarships, publications, and debates—to inspire dialogue and strengthen Polish-German cooperation in a modern, open, and socially just European context. More information: sdpz.orgAdam Mickiewicz Institute (IAM) brings Polish culture to people around the world. As a state institution, it creates lasting interest in Polish culture and art through strengthening the presence of Polish artists on the global stage. It initiates innovative projects, supports international cooperation and cultural exchange. It promotes the work of both established and promising artists, showing the diversity and richness of our culture. The Adam Mickiewicz Institute is also responsible for the Culture.pl website, a comprehensive source of knowledge about Polish culture. More information: www.iam.pl.The Foundation for Polish-German Cooperation(SDPZ/FWPN) fosters good relations between Poland and Germany. For over 30 years, it has co-financed 16,000 bilateral projects, supporting partnerships between institutions, educational initiatives, scientific collaboration, and artistic and literary exchange. The Foundation also initiates its own projects—study visits, scholarships, publications, and debates—to inspire dialogue and strengthen Polish-German cooperation in a modern, open, and socially just European context. More information: sdpz.org
