Während in der Rosa-Luxemburg-Straße installiert wird, ist nur ein paar Blocks entfernt für einen kurzen Zeitraum ab 22.April eine Intervention der Berliner Künstlerin Susanne Bürner entstanden – eine Plakatwand mit Fotos von Häuserfassaden in Berlin Mitte, die auf verschiedene Stoffe gedruckt, geschichtet, collagiert und anschließend erneut fotografiert wurden. Die abgebildeten Hauswände – darunter etwa die der Botschaft der Tschechischen Republik – stehen für unterschiedliche Epochen der Berliner Baugeschichte. Übereinandergelegt, werden die bedruckten Stoffe zu Membranen zwischen diesen Architekturen. Installiert im öffentlichen Raum in Berlin-Mitte, korrespondieren die Fassaden auf dem Plakat mit den umgebenden Gebäuden.
Die Plakatwand befindet sich an der Torstraße/Ecke Karl-Liebknecht-Straße mit folgenden Google-Koordinaten: 52.527189, 13.415033
Susanne Bürner arbeitet zur Repräsentation von emotional aufgeladenen Räumen, vorwiegend in fotografischem Bild. Sie interessiert sich für die Illusionswirkung von Bildern, die sie oft in ihren Arbeiten dekonstruiert. Susanne Bürner lebt und arbeitet in Berlin.
Die Plakatintervention werden von Susanne Prinz kuratiert.
Eng.: While the space in Rosa-Luxemburg-Straße is being set up, quietly an intervention took shape just a few blocks away. As of April 22, an intervention by Berlin based artist Susanne Bürner has appeared — a billboard with photos of house facades in Berlin Mitte that have been printed on various materials, layered, collaged and then photographed again. The house walls depicted – including that of the Embassy of the Czech Republic – represent different eras in Berlin’s architectural history. Placed on top of each other, the printed fabrics become membranes between these architectures. Installed in public spaces in Berlin-Mitte, the facades on the poster correspond with the surrounding buildings.
The billboard is located at Torstraße/corner Karl-Liebknecht-Straße with the following Google coordinates: 52.527189, 13.415033
Susanne Bürner’s works represent emotionally charged spaces, primarily through photographic images. She is interested in the illusionary effect of images, which she often deconstructs. Susanne Bürner lives and works in Berlin.
The the series of bill board interventions is curated by Susanne Prinz.
Projektion / projection: 16.1. – 20.1.2025
Zeiten / hours: Sonnenuntergang bis -aufgang / dusk to dawn
Während unseres Umzugs sorgt das Gas Kollektiv dafür, dass Sie nicht auf Kunst verzichten müssen. Zwischen Donnerstagabend und Montagmorgen präsentiert GAS die Lichtinstallation Gebt Allen Sozialleistungen auf den Fenstern des Kunstvereins am Rosa-Luxemburg-Platz, sichtbar von der Kreuzung Torstraße und Rosa–Luxemburg–Straße.
Gebt Allen Sozialleistungen ist eine kontinuierliche Videoschleife von Akronymen der Buchstaben G, A und S, bei der sich die Buchstaben zu Phrasen, Slogans und Maximen entfalten, die zwischen Sinn und Unsinn oszillieren. Diese kaskadierenden Aussagen – von banal und profan bis hin zu einer Art pseudo-tiefer Bedeutung – gewinnen ihre Kohärenz durch die schiere Beliebigkeit ihrer Verbindung mit dem Wort „Gas“. Gleichzeitig spiegeln sie die wandelbare Natur des Aggregatzustands wider und verweisen auf die etymologische Nähe des Begriffs zum Konzept des „Chaos“, das erstmals von van Helmont in die wissenschaftliche Terminologie eingeführt wurde. Die Buchstaben bilden vorübergehend schwache Cluster von Bedeutung, verblassen und formen sich kurzzeitig zu ihren elementaren Bestandteilen zurück, bevor sie sich in neue, flüchtige Botschaften auflösen.
Das Spiel mit der doppelten Bedeutung des Fensters – sowohl als transparente Öffnung als auch als architektonische Barriere – entfaltet sich an dieser fragilen Grenze maximaler Einschließung. Weder eindeutig esoterisch noch exoterisch in seiner Botschaft, vereint die Installation – sichtbar von einer der prominentesten Einkaufsstraßen Berlins – die mantraartige Lässigkeit und behauptete Aufwertung einer Werbetafel mit dem flüchtigen, gleitenden Charakter jener Befehle und unbewussten sprachlichen Fragmente, die uns in unserer Einsamkeit durch die Stadt begleiten. Die Glasoberfläche der Projektion wird zum zarten Medium für diese Bedeutungsaneignungen und -verteilungen – ein Schnittpunkt für die Allgegenwart von Gas als unsichtbarem Element, das jeden Raum durchdringt, und die verschiedenen Formen seiner Eindämmung, sei es als Genussmittel oder infrastrukturelle Notwendigkeit.
Die Frage der Distribution – was verteilt wird und was von einer Quelle nach der Verteilung übrig bleibt – steht im Mittelpunkt der laufenden Praxis des GAS Kollektivs (Daniel Gottlieb, Jackie Grassmann und Markus Ernst Stein). Diese umfasst die kollektive Komposition von Heften und Romanen, den Einsatz verschiedener Drucktechniken, darunter veraltete wie den Matrizen-Druck, sowie Video- und Audioarbeiten; kurz gesagt, verschiedene Medien, in denen Verteilung stattfindet und sich auflöst. Gebt Allen Sozialleistungen ist Teil einer umfassenderen Präsentation der Aktivitäten des Kollektivs aus den letzten zwei Jahren in der KM Berlin am Mehringdamm. Im Mittelpunkt steht das kollektive Serienromanprojekt GAS, oder eine kontinuierliche Reise in zehn Entgleisungen mit den Autor:innen Verena Buttmann, Sophia Eisenhut, Jan Erbelding, Heike Geißler, Daniel Gottlieb, Jackie Grassmann, Max Grau, Olga Hohmann, Romy Rüegger, Annette Weisser. GAS Kollektiv wurde eingeladen von Susanne Prinz.
ENG: While we’re on the move, the GAS collective will ensure that you don’t have to do without. Between Thursday and Monday, the collective GAS presents their thought-provoking light installation Gebt Allen Sozialleistungen on the windows of the Kunstverein am Rosa–Luxemburg–Platz, visible from the intersection of Torstraße and Rosa-Luxemburg-Straße. Gebt Allen Sozialleistungen is a continuous video loop of acronyms of the letters G, A and S, with the letters unfolding into phrases, slogans and maxims of various sense and nonsense. These cascading statements—ranging from the banal and profane to a kind of pseudo-profundity—derive their coherence from the sheer arbitrariness of their connection to the word “gas.” At the same time, they reflect the mutable nature of the state of matter itself and its etymological link to the concept of “chaos,” first introduced by van Helmont into the scientific lexicon. Letters momentarily form faint clusters of meaning, fade away, and briefly recombine into their elemental components, only to dissolve into new, ephemeral messages. Playing with the dual significance of the window as a transparent opening and architectural barrier, the density and diffuseness of the installation’s play with meaning takes place on this most fragile limit of maximal enclosure. Undecidedly esoteric or exoteric in message, the installation’s visibility from one of Berlin’s most prominent commercial streets has all the empty mantric laxity of and the valorisation performed by the proclamations of a billboard, as well as the fugitive, slipping sense of those commands and unconscious verbal fragments that accompany us in our solitude through the city. The glass surface of the projection becomes a faint medium for these appropriations of meaning and distributions of meaning, a crossing point for Gas’ pervasiveness as the invisible element permeating all space, and the various forms of its containment, whether as a recreational product or infrastructural necessity. The question of distribution – what distributes and what is left of a source upon its distribution – stands at the centre of the ongoing practice of the GAS Kollektiv (Daniel Gottlieb, Jackie Grassmann and Markus Ernst Stein). It features the collective composition of Hefte and novels, deploying a variety of printing techniques, some of them antiquated like the mimeograph, video and audio work; various media, in short, where distribution occurs and frays. Gebt Allen Sozialleistungen is part of a larger presentation of the collective’s activities from the last two years at KM Berlin at Mehringplatz Here the collective serial novel project GAS, oder eine kontinuierliche Reise in zehn Entgleisungen is the centrepiece. Authored by Verena Buttmann, Sophia Eisenhut, Jan Erbelding, Heike Geißler, Daniel Gottlieb, Jackie Grassmann, Max Grau, Olga Hohmann, Romy Rüegger, Annette Weisser.GAS was invited by Susanne Prinz.
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GAS, oder eine kontinuierliche Reise in zehn Entgleisungen eröffnet am 18. Januar mit einer lecture performance von Marten-Quirin Korte.
GAS, oder eine kontinuierliche Reise in zehn Entgleisungen opens on January 18 with a lecture performance by Marten-Quirin Korte).
Was / what: Baking Books, eine öffentliche Intervention von / a public intervention by Baran Caginli
Wann / when: Sonntag / Sunday, 24.11.2024, 15 h – Sonnenuntergang / sunset
SLOT#1: Baking Books by @baran.caginli – tools and relics from the performative action symbolizing resistance to coercion and censorship are now displayed in the window of our new space at Rosa-Luxemburg-Str. 45, until March 4th.
SLOT#1: Baking Books von @baran.caginli – Werkzeuge und Relikte der symbolischen, performativen Aktion gegen Zwang und Zensur sind bis zum 4. März im Schaufenster unserer neuen Räume in der Rosa-Luxemburg-Str. ausgestellt. 45 zu sehen.
Baking Books ist eine performative Handlung, die den Widerstand gegen Zwang und Zensur symbolisiert.
Baking Books ist von der Geschichte des Vaters von Baran Caginli inspiriert. Er war Mitglied einer linken Jugendorganisation und wurde während des Militärputsches in der Türkei im September 1980 wegen seiner Beteiligung an politischen Aktionen inhaftiert und gefoltert. Als sein Großvater von der Inhaftierung erfuhr, reiste er aus einem Dorf in der Nähe von Kars, einer Stadt in der kurdischen Region, nach Istanbul, um seinen Sohn nach Hause zu holen. Er nahm dessen Bibliothek mit verbotenen marxistisch-leninistischen Büchern mit. Nach der Rückkehr beschloss er zusammen mit seiner Frau, sie in einem Kamin zu verbrennen. Weil die Menge der Bücher so groß war und das lange Einfeuern im Spätsommer auffiel, begann Caginlis Großmutter, eine Woche lang ununterbrochen Brot zu backen und es kostenlos an das ganze Dorf zu verteilen.
Auch Baran Caginlis Brote – geformt wie die Gesichter von Lenin, Marx und Rosa Luxemburg – werden während der Aktion an die Öffentlichkeit verteilt, als symbolischer Akt der Erinnerung daran, dass Widerstand gegen jegliche Verletzung der Menschenrechte, gegen Zwang und Zensur immer notwendig ist.
In besonderer Weise würdigt die Arbeit in Berlin nicht nur die historische Bedeutung des Platzes, an dem sie stattfindet, sondern erzählt auch eine sehr persönliche Geschichte über die Auswirkungen des politischen Engagements. Sie verweist darüber hinaus auf eine wenig bekannte, fast vergessene Statue von Rosa Luxemburg in der Nähe des Platzes sowie auf die Zentrale der ehemaligen Kommunistischen Partei Deutschlands, bei deren Gründung Rosa Luxemburg eine wichtige Rolle spielte.
Baran Caginli (b. 1990, Istanbul) lebt und arbeitet in Helsinki. Seine Arbeiten, die universelle, globale Themen beleuchten, thematisieren die Widersprüchlichkeiten von staatlichen Machtverhältnissen und Konflikten, von militärischen Systemen,aber auch systematische Unterdrückung, Diskriminierung und Identität. Oft zeigen sie Menschen, die Zeugen erzwungener Migration oder verschiedener Verluste sind. In Medien wie Fotografie, Skulptur, Installation und Archivmaterial integriert Caginli dazu oft handwerkliche Techniken und nutzt diese als Mittel der Tarnung, um die eigentliche Erzählung in einen neuen Kontext zu setzen und so subtile Botschaften zu senden.
In den letzten Jahren hat Caginli an mehreren wichtigen Ausstellungen teilgenommen, darunter die Helsinki Biennale (2021), Conditions of Peace in Wien, Belgrad und Iași (2021) und die Bukarest Biennale 11 (2024). Weitere bemerkenswerte Ausstellungen sind Earth Goes Back in Oulu (2024), Kotini Jossain / My Home Somewhere in Vantaa (2024), Kaiken Takana / Beyond Everything in Joutsa (2023) und der Biennale für zeitgenössische Kunst in Joensuu (2023). Frühere Ausstellungen fanden in Istanbul, Plovdiv, Marseille und Palermo statt.
ENG : Baking Books is a performative action that symbolises resistance to coercion and censorship.
Baking Books is inspired by the story of Baran Caginli’s father. He was a member of a left-wing youth organisation and was imprisoned and tortured during the military coup in Turkey in September 1980 for his involvement in political actions. When his grandfather learned of his imprisonment, he travelled from a village near Kars, a city in the Kurdish region, to Istanbul to bring his son home. He took his son’s library of banned Marxist-Leninist books with him. On his return, he and his wife decided to burn them in a fireplace. Because the quantity of books was so large and the long burning in late summer was conspicuous, Caginli’s grandmother began to bake bread continuously for a week and distribute it free of charge to the whole village.
Baran Caginli’s loaves of bread – shaped like the faces of Lenin, Marx and Rosa Luxemburg – are also distributed to the public during the action as a symbolic act of remembrance that resistance to any violation of human rights, coercion and censorship is always necessary.
In a special way, the work in Berlin not only honours the historical significance of the place where it takes place, but also tells a very personal story about the effects of political commitment. It also refers to a little-known, almost forgotten statue of Rosa Luxemburg near the square and to the headquarters of the former German Communist Party, in the founding of which Rosa Luxemburg played an important role.
Baran Caginli (b. 1990, Istanbul) lives and works in Helsinki. His works, which illuminate universal, global themes, address the contradictions of state power relations and conflicts, military systems, but also systematic oppression, discrimination and identity. They often show people who are witnesses to forced migration or various losses. In media such as photography, sculpture, installation and archive material, Caginli often integrates artisanal techniques and uses them as a means of disguise to recontextualise the actual narrative and thus send subtle messages.
Die Veranstaltung steht im Zusammenhang mit dem Netzwerkprojekt Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SpaceX), das durch das EU-Programm Horizon 2020 – MSCA gefördert wird. / The event is connected to the network project Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SpaceX), funded by the EU programme Horizon 2020 – MSCA.
Photo documentation by Nina Sayuri.
Die Intervention wurde ermöglicht durch die Unterstützung des/ The intervention was made possible by the support of the Finnland Institut, Berlin.
Die Installation Völkerfreundschaft befindet sich auf der Grünfläche zwischen Almstadt- und Rosa-Luxemburg-Straße, Access All Areas (AAAAAAAAA) im Foyer des Kunstvereins. / The sculpture is located on the public green between Almstadt- and Rosa-Luxemburg-Straße, Access All Areas (AAAAAAAAA) in the foyer of the Kunstverein.
In den Werken Völkerfreundschaft und Access All Areas (AAAAAAAAA) greift Eric Meier die Dynamik des Unfertigen, Prozesshaften und des politischen Statements auf. Völkerfreundschaft ist eine Bodeninstallation, die durch ihre bewusst unfertige, provisorische Anmutung sowohl dystopische Elemente der DDR-Vergangenheit als auch utopische Visionen zukünftigen Zusammenlebens reflektiert. Der Einsatz von fusionierten Glasskulpturen und Betonelementen verstärkt diesen zeitlichen Schwebezustand zwischen Vergangenheit und Zukunft.
Diese Idee des Unvollendeten hat ein Echo in der Wandarbeit Access All Areas (AAAAAAAAA), die den Anarchiegedanken und die Frage nach Zugänglichkeit thematisiert. Wie ein Slogan, als wäre er von Jugendlichen in den Raum geworfen, greift das Werk politische Gesten auf und hinterfragt dabei gesellschaftliche Strukturen in einer Zeit wachsender Unsicherheit.
Beide Werke vereint eine für den Künstler typische ironische Auseinandersetzung mit Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, wobei sie auf unterschiedlichen Ebenen die Frage nach Zugehörigkeit und Zugang in der modernen Gesellschaft stellen.
Meiers Fotografien, Skulpturen und Videoarbeiten zeigen stets urbane Räume und Fragmente, in die sich Zeichen der postsozialistischen Transformation und der Verlust gesellschaftlicher Utopie eingeschrieben haben. Fotografien werden dabei zu Indikatoren von Wandel, die gleichermaßen von individuellen Mythologien wie kollektiven Umkodierungen oder Überformungen zeugen. Dies setzt sich in Meiers Installationen fort, die seine fotografische Arbeit mit Räumen aus Waschbeton, Second-Hand-Textilien und fusioniertem Glas verbinden. Dabei öffnet sich ein dritter, ästhetischer Raum, der irgendwo zwischen Utopie und Dystopie angesiedelt ist. Meiers Rhetorik ist vielschichtig, aber agiert nicht im Verborgenen. Themen des Scheiterns, des Verlustes, oder sozialer Identität ist der Arbeit inhärent. Er legt den Status-Quo des Umgangs mit städtischen wie medialen öffentlichen Räumen offen, in denen Verrohung und Vernachlässigung oft Teil der Realität ist.
Eric Meier( *1989 in Berlin, DDR, aufgewachsen in Frankfurt an der Oder) lebt in Berlin. Meier studierte an der Ostkreuzschule für Fotografie Berlin, Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig und an der Universität der Künste Berlin
Kuratiert von Susanne Prinz.
In his new works Völkerfreundschaft and Access All Areas (AAAAAAAAAAA), Eric Meier picks up on the dynamics of the unfinished, the processual and the political statement. Völkerfreundschaft is a floor installation that reflects both dystopian elements of the GDR past and utopian visions of future coexistence through its deliberately unfinished, provisional appearance. The use of fused glass sculptures and concrete elements reinforces this temporal limbo between past and future.
This idea of the unfinished is echoed in the wall piece Access All Areas (AAAAAAAAA), which thematises the idea of anarchy and the question of accessibility. Like a slogan, as if literally thrown into the room by young people, the work picks up on political gestures and questions social structures in a time of growing insecurity.
Both works are united by an ironic examination of the past, present and future, posing the question of belonging and access in modern society on different levels.
Eric Meier’s photographs, sculptures, and video works consistently depict urban spaces and fragments that bear the marks of post-socialist transformation and the loss of societal utopia. His photographs become indicators of change, reflecting both individual mythologies and collective re-codings or overwrites. This theme extends into Meier’s installations, which integrate his photographic work with spaces made of exposed aggregate concrete, second-hand textiles, and fused glass. These installations create a third, aesthetic space situated somewhere between utopia and dystopia. Meier’s rhetoric is multilayered, yet it does not operate in secrecy. Themes of failure, loss, and social identity are inherent in his work. He exposes the status quo of how urban and media-driven public spaces are treated, where coarsening and neglect are often part of the reality.
Eric Meier (born 1989 in Berlin, GDR, and raised in Frankfurt an der Oder) lives in Berlin. Meier studied at the Ostkreuz School of Photography in Berlin, the Academy of Fine Arts Leipzig, and the Berlin University of the Arts.
Curated by Susanne Prinz.
* an gesetzlichen Feiertagen geschlossen / closed on public holidays
14:45 The Constrained String Quartet von / by Clegg & Guttmann mit / with Michael Lewin, Vashka Delnavazi, Eric Seohyun Moon, Josua Petersen
anschließend Einführung von / followed by an introduction by Helmut Draxler
Wo / where: Linienstr. 13 / Weydingerstr. 20
Seit 2004 steht mitten in der Stadt steht ein Denkmal für den historischen Wandel, nicht als Artefakt vergangener Ereignisse, sondern als soziale Skulptur, die einer abstrakten Idee gewidmet ist: dem historischen Wandel. Ähnlich wie die frühen Fotografien des Künstlerduos Clegg & Guttmann ist es ohne konkreten inhaltlichen Auftrag entstanden. Die eigentlich nur als temporär geplante Installation fand schließlich ihren Platz in der Linienstraße hinter der Volksbühne. Organisiert wurde sie von dem damals noch jungen Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz. Die Methode, ästhetische Erfahrungen zur öffentlichen Sensibilisierung zu nutzen, erscheint heute wichtiger denn je. Die Renovierung wird diesen Essay über die Geschichte der öffentlichen Kunst und ihre Anlässe wieder lesbarer machen. Zur Wiedereinweihung spricht Prof. Dr. Helmut Draxler, gefolgt von einer musikalischen Intervention, die von Clegg & Guttmann konzipiert wurde.
Die Restaurierung wurde von Susanne Prinz initiiert und betreut.
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Re-inauguration
April 27, 2024, 1-6 pm
We are currently in the midst of renovation.
Since 2004, a monument to historical change has stood in the middle of the city, not as an artefact of past events, but as a social sculpture dedicated to an abstract idea: historical change. Similar to the early photographs by the artist duo Clegg & Guttmann, it was created without a concrete mandate. The installation, which was actually only planned to be temporary, eventually found its place on Linienstraße behind the Volksbühne theatre. It was organised by the then young Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz. The method of using aesthetic experiences to raise public awareness seems more important today than ever. The renovation will make this essay on the history of public art and its causes more readable again. Prof Dr Helmut Draxler will speak at the re-inauguration, followed by a musical intervention conceived by Clegg & Guttmann.
The restoration was initiated and organised by Susanne Prinz.
Eine Installation im öffentlichen Raum, Grünfläche Almstadt-/Rosa-Luxemburg-Str., Berlin Mitte / An installation in public space, public green between Almstadstr. and Rosa-Luxemburg-Str., Berlin Mitte
Bis 30. September 2023 / Until 30 September 2023
Die Arbeit Elephant’s Memory (Memorial Structure) verknüpft mit unterschiedlichen künstlerischen Mitteln (Skulptur, Malerei, Musik etc.) Anlässe des Gedenkens und Erinnerns mit persönlichen Begegnungen und Schnittpunkten aus der Biografie der Künstlerin Raphaela Vogel, die auch länger am Rosa-Luxemburg-Platz gelebt hat und später mit dem Werk des Erich Hopp in Berührung kam.
Der Song Jede Frau ist schön wurde von Erich Hopp und Carla Boehl 1931 veröffentlicht. In der von Raphaela Vogel aufgezeichneten Version erklingt er jeden Tag um 10, 13, 16 und 19 Uhr.
Erich Hopp war ein jüdisch-deutscher Schriftsteller, auf dessen Werk und Biografie die Künstlerin stieß, als sie ein Haus in Eichwalde erwarb, wo Hopp sich mit seiner Familie während der Nazizeit fast drei Jahre bis zur Befreiung durch die Rote Armee 1945 versteckt hatte.
Roberto Burle Marx war ein brasilianischer Maler, Designer und Landschaftsarchitekt (berühmt etwa für die Gestaltung der Copacabana), der kurz vor seinem Tod einen Entwurf für die Gestaltung des Rosa-Luxemburg-Platzes entwickelt hat, den der damalige CDU-Senat aber nicht realisieren wollte (hier in die Installation integriert).
Der berühmte Modernist Ludwig Mies van der Rohe (Neue Nationalgalerie) hat 1926 ein abstraktes Denkmal für die ermordeten Kommunist_innen Rosa Luxemburg und Karl Liebknecht gebaut, das von den Nazis restlos zerstört worden ist (hier in der Malerei sichtbar).
Die Installation wurde von Susanne Prinz initiiert und organsiert.
photos by Roman März and by Ludger Paffrath
The work Elephant’s Memory (Memorial Structure) uses various artistic means (sculpture, painting, music, etc.) to link moments of commemoration and remembrance with personal encounters and intersections from the biography of the artist Raphaela Vogel, who also lived at Rosa-Luxemburg-Platz for a lengthy period and later came into contact with the work of Erich Hopp.
The song Every woman is beautiful was published by Erich Hopp and Carla Boehl in 1931. In the version recorded by Raphaela Vogel, it is played every day at 10 a.m., 1 p.m., 4 p.m. and 7 p.m.
Erich Hopp was a Jewish-German writer whose work and biography the artist came across when she bought a house in Eichwalde, where Hopp had hidden with his family for almost three years during the Nazi era until liberation by the Red Army in 1945.
Roberto Burle Marx was a Brazilian painter, designer and landscape architect (famous, for example, for the design of the Copacabana), who shortly before his death developed a scheme for the redesign of Rosa-Luxemburg- Platz, which the CDU Senate at the time did not want to realize (here integrated into the installation).
The famous modernist Ludwig Mies van der Rohe (Neue Nationalgalerie) built an abstract monument to the murdered communists Rosa Luxemburg and Karl Liebknecht in 1926, which was completely destroyed by the Nazis (visible here in the painting).
The installation was initiated and organized by Susanne Prinz.
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Die Recherche zu diesem Projekt wurde ermöglicht durch ein NEUSTARTplusStipendium der Stiftung Kunstfonds / NEUSTART KULTUR der BKM. | The research for this project was made possible by a NEUSTARTplus grant from the Stiftung Kunstfonds / NEUSTART KULTUR of the BKM.
Einweihung / Inauguration: 17. September 2022, 13–18h
Eine Installation im öffentlichen Raum, Rosa-Luxemburg-Straße 27 + 28, Berlin
An installation in public space, Rosa-Luxemburg-Straße 27 + 28, Berlin
Bis 5. November 2022 zeigen wir im Foyer des L40 zusätzlich die Installation (grow flowers!). /
Until 5 November 2022, we will also be showing the installation (grow flowers!) in the foyer of L40.
Mit den beiden Schriftzügen (sunclipse!) und (sunsight!) spielt der portugiesische Künstler Carlos Noronha Feio auf den Architekten und Systemtheoretiker Buckminster Fuller und dessen Überzeugung an, dass der falsche Sprachgebrauch überholte Realitäten aufrecht erhält. So war dieser überzeugt, dass wir niemals in der Lage sein werden, uns von dem Irrglauben zu lösen, das Zentrum des Universums zu sein, solange wir z.B. wissenschaftlich überholte Wörter wie Sonnenuntergang und Sonnenaufgang verwenden. Buckminster schlug daher neue Begriffe für Sonnenaufgang und Sonnenuntergang vor, und zwar Sonnenfinsternis und Sonnensicht. Die Neologismen weisen über die nachklingende geozentrische Tendenz vorkopernikanischer Himmelsmechaniken hinaus und beschreiben konkret, wie wir die Sonne abhängig von der Konstellation aus Erdbewegung und unserer individuellen geografischen Position jeweils sehen – oder eben nicht. Eine einfache Änderung der Sprache kann also Einstellungen ändern
Vielleicht fügen sich die beiden gegenüberliegenden Begriffe deshalb perfekt in die städtebaulichen Gegebenheiten vor Ort ein. Die im Nord-Süd-Ausrichtung der Rosa-Luxemburg-Str. führt dazu, dass die Westseite nur morgens und die Ostseite nur abends Sonne abbekommt. (sunclipse!) und (sunsight!) beschreiben also wie von Buckminster angeregt konkrete Phänomene.
Die zweite Installation des Künstlers (grow flowers!) im Foyer des Kunstvereins lenkt unseren Blick vom Himmel auf die Erde, indem sie uns apodiktisch auffordert, Blumen zu pflanzen. Das ist an sich nie eine schlechte Idee und erfreut sich derzeit so großer Beliebtheit, dass überall in den Stadtzentren Bürgergärten entstehen. Das sogenannte Guerilla Gardening ist nicht zuletzt eine Reaktion auf immer weniger Grün in der Stadt, architektonischen Tristesse, steigende Luftverschmutzung und das Bedürfnis, die Stadt wieder als soziale Gemeinschaft zu erleben.
Die Arbeit (grow flowers!) war eine der ersten Arbeiten, die der Künstler im Rahmen der Textserie produzierte. Sie existiert in mehreren Sprachvarianten, was der Künstler als integralen Teil des Werks sieht. Das kurze Zitat – im Original Russisch – stammt aus dem „Gedicht über Blumen“ des nonkonformistischen sowjetischen Dichters Genrikh Sapgir (Heinrich Sapgir). In diesem Gedicht adressiert Sapgir verschiedene Berufsgruppen aus unterschiedlichen Bereichen des Lebens und spricht sie direkt an; letztlich um ihre Arbeit in Frage zu stellen und sie aufzufordern, stattdessen Blumen zu züchten. „Lasst Blumen wachsen, lasst Ideen wachsen, lasst die Setzlinge eures eigenen Schaffens wachsen und kultiviert euch selbst und andere.“.
Im Frühjahr 2023 ersetze eine deutsche Version die englische.
Wandarbeit und öffentliche Skulptur sind von Susanne Prinz curatiert.
With (sunclipse!) and (sunsight!), the Portuguese artist Carlos Noronha Feio alludes to the architect and systems theorist Buckminster Fuller and his conviction that the wrong use of language perpetuates outdated realities. The latter was convinced that we will never be able to rid ourselves of the mistaken belief that we are the centre of the universe as long as we use scientifically outdated words such as sunset and sunrise, for example. Buckminster therefore proposed new terms for sunrise and sunset, namely sunclipse and sunsight. The neologisms point beyond the lingering geocentric bias of pre-Copernican celestial mechanics and specifically describe how we see – or don’t see – the sun depending on the constellation of earth’s movement and our individual geographical position. A simple change of language can therefore change attitudes.
At the same time, the two opposing quotes fit perfectly into the urban planning conditions on site. The north-south orientation of Rosa-Luxemburg-Str. means that the west side only gets sun in the morning and the east side only in the evening. (sunclipse!) and (sunsight!) thus describe concrete phenomena.
The artist’s second work (grow flowers!) in the foyer of the Kunstverein directs our gaze from the sky to the earth by asking us to plant flowers. This is never a bad idea in itself and is currently so popular that civic gardens are springing up all over city centres. This so-called Guerilla Gardening is not least a reaction to less and less green in the city, architectural dreariness, increasing air pollution and the need to experience the city as a social community.
The work was one of the first pieces the artist produced in the text-series. It exists in several language variants, which the artist sees as an integral part of the work. Originally Russian, the expression derives from the ‘poem on flowers’ by Soviet non-conformist poet Genrikh Sapgir. In this poem, Sapgir talks to various professional groups from different parts of life. He addresses them directly, ultimately questioning their work and asking them to grow flowers instead. “Grow Flowers, grow ideas, grow the seedlings of your own making, and cultivate yourself and others.”
A German version replaced the English one in the spring of 2023. All versions are part of an ongoing series curated by Susanne Prinz.
Die Zusammenarbeit mit dem Künstler entwickelte sich im Rahmen des Netzwerkprojekts Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SpaceX), das durch das EU-Programm Horizon 2020 – MSCA gefördert wird. / The collaboration with the artist developed as part of the network project Spatial Practices in Art and Architecture for Empathetic Exchange (SpaceX), funded by the EU programme Horizon 2020 – MSCA
Das T-Shirt von Beat Gipp ist beim Kunstverein für 10 Euro käuflich zu erwerben.
Eröffnung mit Performance von Katrin Glanz: 14. April 2022 | 18h
Künstler*Innen: Monica Bonvicini, Elisa Sophia Braun, Claus Föttinger, Katrin Glanz, Beat Gipp, Shila Khatami, Dan Perjovschi, Andrea Pichl, Jost Wischnewski, Johannes Wohnseifer, Marina Naprushkina, Christine Würmell, Matthias Sturm, Andreas Templin, Oliver Ressler, Stefanie von Schroeter, Silke Wagner, Lena von Goedeke, Joulia Strauss, Andreas Koch, Marie S. Ueltzen, Anna Meyer, Peter Niemann, Jonathan Monk, Bhima Griem
Kurator: Raimar Stange
Anschließend vom 14.4. – 18.6.2022 im Foyer des Kunstvereins und Tor-/Karl-Liebknecht-Straße
Die Eisschmelze an den Polarkappen nimmt rapide zu, der CO2-Ausstoß ist nicht in den Griff zu bekommen und die Erderwärmung steigt unentwegt – der Klimawandel ist nicht mehr aufzuhalten. Der Corona-Krise und jetzt dem Ukraine-Krieg aber ist es geschuldet, den Klimawandel wieder weitestgehend aus der öffentlichen Aufmerksamkeit verdrängt zu haben. Die aktuelle Notlage scheint dringender zu sein als die vermeintlich weniger akute des Klimawandels. Aber nicht nur der Philosoph und Kulturkritiker Slavoj Zizek hat richtig festgestellt, dass die Klimakatastrophe von uns weit mehr abverlangen wird als derzeit die Corona-Pandemie.
Die Ausstellung „2052“ versucht den Klimawandel wieder in das Licht der Öffentlichkeit zu stellen. Um möglichst viele Menschen ansprechen zu können, begibt sie sich darum mit ihren Exponaten aus dem white cube heraus und geht mitten hinein in den öffentlichen Raum. 22 nationale und internationale Künstler*innen unterschiedlicher Generationen hat Raimar Stange für „2052“ um künstlerische Beiträge gebeten, die in Form von im Außenraum platzierbare Plakate sowie als dort zu verteilende Flugblätter konzipiert sind.
Thematisch schließt die Ausstellung „2052“ an die Ausstellung „2050“ an, die 2019 im Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz zu sehen war.
Visible daily until midnight, 2nd floor opening hours: Wed. – Fri. 14-18 or by appointment
On the occasion of her first solo presentation in Berlin, Alter Ego, Aotearoa New Zealand born artist Gill Gatfield conceived a project in two chapters – a large scale crystal-glass sculpture and a public space virtual reality installation – which talk and expand towards the human being. Renowned for her minimal, conceptual and abstract sculptures, and for her inclusive public monuments, Gatfield’s project relates to the public, the architecture, structures and infrastructures of the city, the area of Berlin Mitte and the L40 building, home of the Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz.
Inside the foyer of the L40, The Muses vibrate, float and emerge from the space and reverberate meanings. The installation centers the eye on three monumental glass figures, shining outward from halos of soft white shaded edges, lightly held to the ground by an over one-hundred year old pine timber beam. They are shaped as ‘I’, as pure ancestral forms, as deeply rooted and recognised syntagms, as totemic figures.
The sculptural elements – translucent glass planes, blackened timber and wall, measured space, fine lines and internal curves, create unexpected volume and speak about light and shadow, form and material, material as matter and language, ephemeral nuances and reflections. The language of the artist – her process, her system of references – takes shape into monochromatic transparent paradigms, suggesting fluidity and transitional moments in a realm located between sign, signifier and signified.
The Muses occupy a transient space yet they convey a transcript about form, shape, proportions and abstract figures that stand as guardians, protectors of meanings and visions. They tell stories through the material, stories that anchor on to the material itself and on the substance, the matter that constitutes the observable, the shadows and the light, as elements of a discursive approach. The Muses seem to decipher society’s paradigms through a magic lens by being, by echoing through phenomena. Hence the work is perceived as resolving complex, philosophical and sociological expressions by bending the matter and reasoning about atavistic shapes. Ultimately, The Muses reclaim our attention, enclose social and interactional paths, invite us to touch them, to feel, perceive them; they guide us through narrations whence we relate, they suggest an alternate path of intentionality, of meaning-making.
As the doors open on the second floor, the Siren awaits. The piece reveals itself in the form of an elongated ‘I’, red, crisp, bright. She stands as an Island, a siren who sings without sound and charms the eye, guarding our origin and destination coordinates.
Another ancestral form is to be seen in the sculpture Aroha (meaning love in Māori), a molten stone ‘X’, an emblematic shape, the witness of the process of connection, it marks a place, a message, anchored to the Earth’s core.
The second chapter of Gatfield’s Alter Ego lies beyond the L40 walls. Native Tongue XR is the extended reality alter ego of a sculpture carved from the heartwood of a giant tree buried in Aotearoa New Zealand before the last Ice Age. The analogue twin is a public artwork, a taonga (treasure), a totem steeped in its own place, another continent half a world away. The virtual reality sculpture, to be presented in the public green space between Almstadt- and Rosa-Luxemburg-Straße in mid-January, stands in simpatico with The Muses. It is a fourth I-figure, a sculptural volume described digitally in air, yet lifelike and perceivable, a spirit figure, proof of life, bringing the past into the present tense. Through the virtual rendering of Native Tongue XR, Gill Gatfield translates and transforms further her production, demonstrating her finesse of the artistic process, media and materials perception. At the threshold of reality and digital stimulation, the sensation of synaesthesia occurs, completing the Alter Ego journey into a multi-layered, poetic, philosophical world.
– Chiara Valci Mazzara
Gill Gatfield (1963) transforms ancient and futuristic materials and media into otherworldly abstract forms, sparking connections between nature, time, humanity and place. Her work has won international awards, commissions for place-making art, and is held in public and private collections in NZ, Australia, USA and Europe. International exhibitions include Sculpture by Sea Perth Australia 2021, VSC Alumx USA 2020, Venice Architecture Biennale 2018, A18 New York, Chicago Expo 2018, SCAPE Public Art 2017, and Sculpture by Sea Aarhus Denmark 2015. Gill Gatfield holds an MA(Hons) Auckland University. Awards and recognition include sole Juror, WomanMade International Open Chicago 2015, residency and solo exhibition Kvindemuseet/KØN Denmark 2015, international CODAaward 2017 Public Art Landscape Award, New Zealand Woman of Influence award 2018, Sculpture Fellowship and residency Vermont Studio Centre 2019, Creative NZ Art Grants 2019 and 2020, CODAworx Creative Revolutionary 2020.
Native Tongue XR supported by: Spark Foundation NZ and Creative New Zealand Toi Aotearoa
Am Donnerstag, 18.6.20, ab 18h weihen wir die Skulptur Popularis (Tresen) gemeinsam mit dem Künstler Simon Mullan auf der Grünfläche Almstadt-/Rosa-Luxemburg-Straße ein. Wir zirkulieren bis 21h. Bitte beachten Sie die Abstandsregeln. Wir freuen uns auf Ihren Besuch.
Popularis heißt eine Serie von Skulpturen des Berliner Künstlers Simon Mullan. (Tresen) ist der Untertitel der neuesten Arbeit dieser Reihe, die der Künstler speziell für die Grünfläche zwischen Rosa-Luxemburg- und Almstadtstraße geschaffen hat und die dort nun für vier Monate bleiben wird. Wie alle Arbeiten aus dieser Reihe handelt es sich um eine einfache geometrische Form, die vollständig mit Kacheln bedeckt ist – was angesichts des im Titel angedeuteten Nutzungsvorschlags auch praktisch scheint.
In (Tresen) setzen sich Projekteideen und Interessen fort, die der Künstler seit Jahren verfolgt. Schließlich macht Mullan Kunst fast ausschließlich aus handelsüblichen, funktionalen Materialien und Arbeitsutensilien wie Sandpapier, Keramikfliesen und Fugenkitt, Bomberjacken, „Arbeiter“-Uniformen (Blaumännern) und anderen mechanistischen Komponenten, die er auseinandernimmt, zerschneidet und neu konfiguriert.
Das Formenvokabular von Popularis (Tresen) erinnert an Minimal und Konstruktivismus und scheint in erster Linie der euklidischen Geometrie verpflichtet. Tatsächlich hat Mullans Arbeitsweise aber viel mit Arbeit, Ethik und Ökonomie zu tun. Trotz dieser rationalen Heransgehensweise sind die ersten Schnitte beim Verlegen der Kacheln aber eher intuitiv und wie sich der Kleistsche Gedanke erst beim Reden allmählich verfertigt, etabliert sich auch bei Mullan erst während der Arbeit an der Skulptur das endgültige Verlegemuster. Dabei spielt es eine große Rolle, dass alle Arbeitsmaterialen ihren Ursprung nicht im Künstlerbedarf, sondern im Baumarkt haben. Es ist auch wichtig, keine Reste – in diesem Fall keinen Verschnitt – zu haben. Jedes kleine Kachelstück findet seinen Platz.
Das Prozessuale – also die Arbeit – gehört schlechterdings zur inneren Konsequenz des gesamten Werks von Mullan. Natürlich geht es auch um das Verhältnis von Maß und Material, Technik und Kunst, Kalkül und Zufall, denn im Grunde genommen steckt in der Einfachheit sehr viel Kompliziertes.
We are pleased to inaugurate the sculpture Popularis (Tresen) on the public green between Almstadt- and Rosa-Luxemburg-Straße together with the artist Simon Mullan on Thursday, June 18th2020, from 6pm. We will be circulating until 9pm. Kindly regard the distance regulations. We are looking forward to your visit.
Popularis is the name of a group of sculptures made by Berlin artist Simon Mullan. (Tresen), which is the German word for “counter”, is the subheading for the newest work of this series, which the artist created specifically for the public green between Almstadt- and Rosa-Luxemburg-Straße where it will be staying for the next four months. Like all works of the series it is a simple geometrical shape fully covered in tiles – which in view of the suggested use seems rather practical.
Ideas and interests the artist has been pursuing for years continue in (Tresen). After all, Mullan makes art almost exclusively from commercially available, functional materials and work utensils such as sandpaper, ceramic tiles and grout, bomber jackets, “worker’s” uniforms like boiler suits, and other mechanistic components that he takes apart, cuts and re-configures.
The formal vocabulary of Popularis (Tresen) is reminiscent of minimalism and constructivism and seems primarily committed to Euclidean geometry. In reality, Mullan’s way of producing has a lot to do with work, ethics and economics. Despite these rational approaches, the first cuts when laying the tiles are rather intuitive and as the Kleistsian idea only gradually develops when talking, the final laying pattern also only establishes itself as Mullan keeps working on the sculpture. It is quite important that all of the materials have their origin in the hardware store rather than in one for art supplies. It is also important, not to leave anything over – in this case offcuts. Therefore, each tiny piece of tile finds its own space
Generally speaking, process simply plays a core role in Mullan’s entire production. Obviously, it is also about the relation of size and material, techniques and art, calculation and coincidence. Essentially, there is a lot of complication in simplicity.
