Kategorie: Wall Works

  • Arnaud Cohen, Hunting Season

    Arnaud Cohen, Hunting Season

    Eröffnung 15.9.17, 18 h
    Ausstellungsdauer 16.9.–28.10.17

    Öffnungszeiten: Mi-Fr 14-18h und auf Anfrage

    Im Herbst stehen in Deutschland Bundestagswahlen an. Vor dem Hintergrund Einfluss gewinnender rechter Parteien und Gruppierungen in ganz Europa hat der Verein zur Förderung von Kunst und Kultur am Rosa-Luxemburg-Platz e.V. den französischen Künstler Arnaud Cohen eingeladen, seine Installation Hunting Season von 2016 in Berlin zu zeigen. Zusätzlich hat der Künstler eine neue Arbeit verwandten Inhalts entwickelt: Dansez sûr moi (2017). Diese beiden Installationen bilden den Kern der Ausstellung. Ergänzend werden ältere Arbeiten gezeigt; darunter Smileys Revanchard (2011) und Winter over Europe (Ich lieb dich nicht, du liebst mich nicht).

    Hunting Season rekurriert auf das berühmte ‚Rien’, das Louis XVI. am Vorabend der Französischen Revolution in sein Jagdtagebuch eintrug. Ursprünglich ausschließlich auf den Jagderfolg des Königs bezogen, liegt die Interpretation nahe, hierin ein Zeichen vollkommenen Verkennens der eigenen wie der historischen Lage zu sehen. Für das Foyer des L40, in dem sich der Kunstverein befindet, hat der Künstler eine auf den Ort zugeschnittene Version des Eintrags in Neon gebaut. Diese wird als 22. Beitrag der Reihe wallworks bis 28. Oktober 2017 zu sehen sein.

    In den Ausstellungsräumen findet die ursprüngliche Version von Hunting Season ihren Platz Sie wird ergänzt durch die Arbeit Dansez sur moi, die Cohen eigens für Berlin entwickelt hat. Sie beruht auf einer Art archäologischen Untersuchung seines Ateliers, der sogenannten Coutellerie, deren bewegte Geschichte Okkupation und Kollaboration während der Besetzung Frankreichs im Zweiten Weltkrieg bzw des Vichy-Regimes einschloss. Teil der Präsentation wird eine Tanzperformance auf der Installation sein.

    English

    In autumn elections are held in Germany. Against the background of the growing influence of right-wing parties and groupings in the whole of Europe, the Verein zur Förderung von Kunst und Kultur am Rosa-Luxemburg-Platz e.V invited the French artist Arnaud Cohen to show his installation Hunting Season (2016) in Berlin. In addition, the artist has developed a new work of related content: Dansez sûr moi (2017). These two installations form the core of the exhibition. In addition, older work is shown; including Smileys Revanchard (2011) and Winter over Europe (Ich lieb dich nicht, du liebst mich nicht).

    Hunting Season refers to the famous ‚Rien‘, Louis XVI noted in his hunting diary on the eve of the French Revolution. Originally exclusively related to the King’s hunting success, the interpretation suggests that this was a sign of a complete misunderstanding of one’s own as well as the historical situation. For the foyer of the L40, where the Kunstverein is located, the artist has built a version of the entry in neon. This will be shown as the 22nd edition of the wallworks series until October 28th, 2017.

    The original version of Hunting Season finds its place in the exhibition space. It is supplemented by the work Dansez sur moi, which Cohen has developed especially for Berlin. It is based on a kind of archaeological study of his studio, the so-called Coutellerie, whose turbulent history included occupation and collaboration during the occupation of France in the Second World War and reign of the Vichy regime. Part of the presentation will be a dance performance on the installation.

    Français

    A l’approche des élections au Bundestag et devant l’influence croissante des partis et des groupuscules d’extrême droite à travers toute l’Europe, le Verein zur Förderung von Kunst und Kultur am Rosa-Luxemburg- Platz e.V. invite l’artiste Arnaud Cohen à présenter à Berlin son installation de 2016 Hunting Season. Dans le même esprit, l’artiste a développé en 2017 une seconde installation Dansez sûr moi. Ces deux œuvres représentent le cœur de sa proposition berlinoise. Elles sont encadrées d’autres œuvres réalisées par l’artiste sur cette thématique entre 2011 et 2017 dont la vidéo Winter over Europe (Ich lieb dich nicht, du liebst mich nicht) de 2017.

    Hunting Season fait référence au fameux « Rien » que Louis XVI avait écrit dans son carnet de chasse le 14 juillet 1789. Si ce mot n’est sensé abordé que l’insuccès du roi à la chasse ce jour-là, on peut également l’interpréter comme un aveu de l’entière méconnaissance de sa situation personnelle et politique.

    Pour le foyer du Kunstverein l’artiste a également créé une version adaptée de cette inscription en néon. 22èmecontribution d’artiste à la série wallworks des œuvres réalisées in situ pour le foyer du L40 depuis sa création, elle sera présentée jusqu’au 28 octobre 2017.

    A l’étage, au côté de Hunting Season l’artiste présente donc Dansez sur moi, une installation participative qu’il a spécialement conçue pour Berlin. Cette installation est construite autour du passé occulté de son atelier « La Coutellerie » dont l’histoire tourmentée est marquée par l’occupation et la collaboration durant la Deuxième Guerre Mondiale sous le régime de Vichy. Lors du vernissage et tout au long de l’exposition, le public sera invité à performer l’œuvre en dansant sur sa surface.

    Kuratiert von / curated by / curation par Susanne Prinz

  • Warren Neidich, Color of Politics —
    The Statisticon Neon

    Hours: Wed – Sa 2-6 pm + upon appointment / Öffnungszeiten: Mi – Sa 14-18 h + auf Anfrage

    Color of Politics 28.4.–24.6.17
    The Statisticon Neon 28.4.–19.8.17*

    The Statisticon Neon (2017) ist eine Hommage an Joseph Beuys’ monumentales Werk Das Kapital Raum 1970-1977, das zuerst 1980 im Deutschen Pavillon in Venedig zu sehen war und sich heute als Leihgabe in der Neuen Nationalgalerie / Hamburger Bahnhof in Berlin befindet. Neidich montiert sein diagrammatisches, von buntem Neonlicht gepägtes Werk auf eine zwanglose Anordnung schwarzer Tafeln, die eine Art Echo auf Beuys’ Installation sind und sich zu dieser vergleichbar einem Technicolor- zu einem Schwarzweissfilm verhalten. Das Neonlicht veranschaulicht die Beziehung zwischen Kunst und Gesellschaft rund vierzig Jahre nach Beuys’ Werk, insbesondere die Bedeutung des Internets und seine Auswirkungen auf Arbeit und Kapital.

    Das 21. Jahrhundert ist als Jahrhundert des Gehirns bezeichnet worden, seid wir jüngst vom Postfordismus in den Kognitiven Kapitalismus übergegangen sind. Der Geist und das Gehirn sind die neuen Fabriken des 21.Jahrhunderts. Während das Internet zur Zeit von Beuys’ Werk noch ein begrenztes Experiment war, arbeiten wir heute unbezahlt für Facebook, Instagram und Google, indem die von uns produzierten Daten individuelle Datenproflle ergeben, die später an Unternehmen und Sicherheitsfirmen verkauft werden.

    Heute hat sich die formale Subsumption der Arbeit des Proletariats in eine reale Subsumption transformiert, in der unser ganzes Leben von Arbeit konsumiert wird, und wir sind Kognitarier geworden. Das Statisticon Neon verbindet diese Entwicklung mit dem in letzter Zeit erfolgten neurologischen Turn, in dem die Aktivität des Kapitalismus die Neuroplastizität des Gehirns mit etwas verbunden wird, das Neidich neuropower oder Neuromacht genannt hat – ein Begriff, der direkt in die Ausstellung im 2. Stock weiterführt.

    Color of Politics

    Wie das Geld und die Sprache ist auch die Farbe dereguliert worden. Farbe ist nicht mehr mit Form und Bedeutung verknüpft und wird ein Vehikel, durch das emanzipierte Gefühle erzeugt, politische Intrigen initiiert, aber auch Widerstand gegen institutionelle Normalisierungsprozesse realisiert werden kann. Warren Neidich setzt Farbe ein, um die politischen Voraussetzungen, Bedeutung zu schaffen, wiederzugewinnen – zusammengefasst in dem dreiteiligen Neonbild Red, White, and Blue (2007).

    Bei den Afterimage Paintings (2016) bilden rote Neonskulpturen die Buchstaben der Namen der deutschen Emigranten Bertolt Brecht, Hanns Eisler und Lion Feuchtwanger, die alle später in Hollywood als Kommunisten auf der schwarzen Liste standen und denen deshalb nie einen Stern auf dem Hollywood Boulevard gewidmet wurde. Neidich berichtigt dies, indem er komplementär gefärbte Nachbilder erzeugt, die dann auf leere gemalte Sterne projiziert werden, Nachahmungen derjenigen auf dem Hollywood Walk of Fame. In dem Archive of False Accusations (2016) sind in Vitrinen von lavendelfarbenem Neonlicht beleuchtet. In ihnen liegen gefundene Zeitungsausschnitte, in denen von dem „Lavender Scare“ berichtet wird, einer weniger bekannten Facette in Joseph McCarthy’s Hexenjagd auf Sympathisanten des Kommunismus: Nicht-heterosexuelle Menschen (lesbisch, schwul, bisexuell oder transgender) verloren ihre Positionen im Regierungsapparat.

    Der zweite Raum wird  von Neidichs neuester Skulptur Pizzagate beherrscht – eine große, dreidimensionale, wolkenartige Struktur, benannt nach der berüchtigten Verschwörungsgeschichte aus dem Wahlkampf Trump/Clinton 2016, die darin kulminiert, dass der Scharfschütze Edgar Welch vermeintlich sexuell misshandelte Kinder retten will, von denen er glaubt, dass sie im Keller des Comet Ping Pong Pizza Restaurants in Washington DC gefangengehalten werden. Pizzagate entlarvt die Apparate und Muster der Informationsströme und Anschlussmöglichkeiten, die fake news hervorbringen und auf click bait ausgerichtet sind. Dahinter steht die Absicht, in der Aufmerksamkeits-ökonomie des Kognitiven Kapitalismus als neuen Ort des Kampfes um Macht und Einfluss die Neuroplastizität des Gehirns, genauer den frontalen Cortex, wo Aufmerksamkeit und Arbeitsgedächnis angesiedelt sind, zu identifizeiren. Nebenbei zeigt sie auch, dass die unablässigen ausschließlich auf fake news basierenden Gerüchte mittlerweile weit in die Kunstwelt hineinreichen. Wer herausfinden möchte, wie einfach das funktioniert, sollte den kleinen experimentellen Aufbau in Neidichs jüngster Skulptur Trump Cup (2017) ausprobieren.

     ***English***
    The Statisticon Neon (2017) pays homage to Joseph Beuys monumental work Das Kapital Raum 1970-1977 originally shown in the German Pavillon in Venice in 1980 and today on loan to Berlin’s Neue Nationalgalerie as part of Erich Marx’s Beuys-Block. Neidich mounts his diagrammatic work in multicolored neon upon a non-formal arrangement of black boards that echo the original Beuys’ installation much as a technicolor film would a black and white. His neon looks at the relationship between art and society some forty years later taking into account the role of the internet and its effect on labor and capital.

    The 21st century has been called the century of the brain and recently we have transitioned from Postfordism to cognitive capitalism where the mind and brain are the new factories of the 21st century. While the internet was still an experimental paradigm at the time of Beuys’ work we now labor for free on Facebook, Instagram and Google producing data that creates individual data profiles, later sold to corporations and security firms. Today, formal subsumption of the labor of the proletariat has transitioned to real subsumption, in which our entire life is consumed by work, and we have become cognitariats. The Neon Statisticon links this development with the recent neurologic turn in which the action of capitalism is directed to the brains neural plasticity something, which Neidich has called neuropower or Neuromacht.

    Color of Politics

    Color like money and language has become deregulated. Color is no longer tethered to form and meaning and becomes a vehicle through which emancipated feelings, political intrigues and resistance to institutional normalization processes can become realized. Warren Neidich uses color to recoup the political conditions of creating meaning – summarized in the three part neon-painting Red, White, and Blue (2007).

    In the Afterimage Paintings, (2016) red neon sculptures spell the names of German emigrants Bertolt Brecht, Hanns Eisler and Lion Feuchtwanger all of which were later blacklisted in Hollywood as communists and thus never were granted a star on Hollywood Boulevard. Neidich remedies this by activating complementary colored afterimages that are then projected upon empty painted stars mimicing those found on the Hollywood Walk of Fame. In the Archive of False Accusations (2016) vitrines illuminated by lavender neon light display found press clippings reporting on what has become known as The Lavender Scare – a less known facet of Joseph McCarthy’s witch-hunt to root out communist sympathizers.

    In a second room a large three-dimensional cloudlike sculpture is installed: Pizzagate – named after the infamous conspiracy tale culminating in sniper Edgar Welch wanting to rescue the supposed sexually abused children he believed to held in the basement of Comet Ping Pong. Pizzagate exposes the apparatuses and patterns of flow and connectivity that generate False News and define click bait as well as understanding that in cognitive capitalism the new site of governementalization in the new attention economy is the brain’s neural plasticity, especially that found in the frontal cortex where attention and working memory are located. It also shows that the still virulent rumor based entirely on Fake News by now reaches well into the art world. If you want to find out how that works without fault you should try out Neidich’s most recent sculpture the small experimental setup Trump Cup (2017).

    *A schedule of Neidich’s blindfolded performances in front of the neon will be posted on the Kunstverein’s webpage and on Facebook.

    https://www.tagesspiegel.de/kultur/warren-neidich-am-rosa-luxemburg-platz-die-farben-der-wahrheit/20071606.html

  • Andrea Pichl, Keine Atempause, Geschichte wird gemacht

    9.2.–19.4.2017
    Eröffnung: Donnerstag, 9.2.2017 19 h

    Es ist unbestritten, dass kollektive Erinnerungen einen entscheidenden Einfluss auf die allgemeine Vorstellung von Gegenwart und Zukunft haben. In die Stadtlandschaft schreibt es sich unübersehbar durch Gebäude, Denkmäler, Infrastruktur und vieles mehr ein. Geschichte manifestiert sich hier zunächst als konkreter Fakt nicht als textliches Narrativ. Zahlreiche dieser Architekturen sind jedoch auch mit persönlichen und kollektiven Mythen und Geschichten verbunden, die sich mit historischen Tatsachen zu einem Amalgam verbinden, das nicht notwendig mit Zahlen unterlegt werden kann aber trotzdem nicht weniger real ist.

    Interessante Architektur hat zu allen Zeiten unzweifelhaft identitätsstiftend gewirkt und es vermocht, das kollektive Gedächtnis zu beeinflussen. Die Berliner Künstlerin Andrea Pichl untersucht in ihrer Installation Keine Atempause, Geschichte wird gemacht Regeln und Mechanismen, die diesen Prozess bestimmen. Als 20stes Projekt der laufenden Reihe Wallworks im Foyer des L40 hat sie eine Isometrische Zeichnung des Palasts der Sowjets nach einem Entwurf von Hans Poelzig entwickelt, den der Architekt bei der von Stalin persönlich 1931 initiierten Ausschreibung eingereicht hatte. Obwohl dieser Entwurf – genau wie die seiner modernistischen Kollegen Le Corbusier, Gropius oder Mendelsohn, nicht realisiert wurde, erwies er sich als idealer Ausgangspunkt für Pichls künstlerische Analyse. Der Bogen ihrer Referenzen spannt sich von der politisch motivierten Zerstörung und späteren Wiedererrichtung der Moskauer Christ-Erlöser-Kathedrale bis hin zu ganz persönlichen Erinnerungen an das gigantische Freibad auf den Fundamenten des aufgegebenen Baus des russischen Architekten Boris Jofan am gleichen Platz. Ebenso sind Assoziationen zu realisierten wie unrealisierten oder im Zweiten Weltkrieg zerstörten Gebäuden von Hans Poelzig, die unmittelbar die Nachbarschaft des Kunstvereins bestimmen, und zur nahe gelegenen, ehemaligen Zentrale der deutschen Kommunistischen Partei, unvermeidlich.

    Um Missverständnissen vorzubeugen: Obwohl direkt von einem spezifischen Gebäude abgeleitet, dient die Arbeit nicht dazu, dessen Schicksal zu dokumentieren. Stattdessen wird am Beispiel des Palasts der Sowjets untersucht, welchen Einfluss historische und soziale Koordinaten auf die Stadtlandschaft haben. In diesem Sinne liefert Pichls Installation eine Diskussionsgrundlage für eine weiterführende Auseinandersetzung mit den Auswirkungen ideeller Konstruktionen auf jede geistige und materielle Selbstverortung – sinnfällig vor Ort am Rosa-Luxemburg-Platz nachvollziehbar, der zwischenzeitlich als Horst-Wessel-Platz firmierte und einst als Bülowplatz angelegt wurde.

    +++ English

    From the point of view of urban theory history consists of those facets of the environment – buildings, sculptures, infra-structural objects etc. – which originated in previous periods. According to this definition history is not an abstraction but a layer of concrete facts. However, a lot of these architectural facts are mixed with individual and collective myths forming an alloy that is not necessarily based on numbers but nonetheless real.

    Palpably, interesting architecture has managed to create a sense of identity and to supported collective memory at all times. In her new installation Keine Atempause, Geschichte wird gemacht Berlin based artist Andrea Pichl investigates the rules and mechanisms that define this process. As 20th implementation of the ongoing series of wallworks at L40 the artist chose to create an isometric projection of the Palace of the Soviets based on a design Hans Poelzig submitted to the architectural contest initiated by Stalin personally in 1931. Although neither Poelzig’s draft nor those of his vanguard competitors Le Corbusier, Gropius or Mendelsohn, were realized it nonetheless appears as an ideal starting point for Pichl’s artistic analysis. References include the destroyed and recently resurrected Cathedral of Christ the Saviour as well as the artist’s personal memories of a giant public pool in the ruins of the aborted winning design by Russian Boris Jofan. Associations are made to the headquarter of the former German communist party close by and to realized and unrealized buildings by Hans Poelzig – as well as some which were destroyed in WWII – that defined the neighbourhood.

    To avoid misunderstandings: Although derived from a specific building the artwork is not intended to explain it’s individual history. Instead the genesis of the Palace of the Soviets is used as an essay on the impact of historical and sociological coordinates that effect the urban landscape. Pichl’s installation provides the background for a larger discussion focused on ideational constructs some of which have influenced the immediate neighbourhood of the Kunstverein deeply, which is located at Rosa-Luxemburg-Platz, once named after Horst Wessel and originally established as Bülowplatz.

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  • Frank Maier, Krabbensucher

    Frank Maier, Krabbensucher

    15.9—26.11. 2016
    Eröffnung / Opening: 17.9.2016 13–18 h

    Unter Abstraktion wird gemeinhin die Reduktion auf das Wesentliche eines Gedankens verstanden. Auch in der bildenden Kunst bezieht der Begriff sich auf Bilder oder Skulpturen, die im Gegensatz zu realistischen Arbeiten Einzelheiten zugunsten einer prägnanten Form weglassen oder gleich ganz auf wiedererkennbare Objekte verzichten. Frank Maiers Krabbensucher entspricht ist im Detail tatsächlich dieser Definition. Das Vertrackte ist nun, dass die schräge Konstellation mit ihren Bildboxen auf einer farbfeldartigen Wandmalerei in ihrem prominentesten Teil aber sofort als riesige Fratze, als asiatisch anmutende Maske zu erkennen ist. Was malerischer Methode, Stil und Form betrifft, haben wir also augenscheinlich ein Problem. Dass Maier von ‚umgekehrten Kubismus’ spricht und eine eiscreme-hafte Farbauswahl in Erdbeer und Waldmeister auftischt, macht die Sache nicht einfacher.

    Ein Vorschlag zum Verständnis wäre die zwischen Ästhetizismus und Albernheit, zwischen Ernst und Ironie oszillierenden Krabbensucher nicht mit Kategorien wie Figuration und Abstraktion zu betrachten, sondern – quasi wörtlich – von einer Maskierung zu sprechen. Ausgehend von der etablierten Entwicklungsgeschichte westlicher Malerei als systematische Zerstörung des Figurativen, sind damit eigentlich jene postabstrakten Werke gemeint, die die Fortsetzung der modernen Repräsentationskritik mit anderen Mitteln als denen der Defiguration betreiben. Die Frage ist, ob Maiers Arbeiten, die ohne Zweifel ausgesprochen abstrakt daherkommen aber sich gleichzeitig zu etwas Erkennbaren formieren, als ironischer Kommentar zur Krise des Bildes gemeint sind. Oder beschäftigen den Künstler eher die Verschiebungen und Konflikte, die dort entstehen, wo verschiedene Systeme des Bildverständnisses aufeinander treffen? Eindeutig ist, dass der etablierte Abstraktionskanon mit seinen Farbmystikern, Farbe-als-Material-Theoretikern und Farbfeldsystematiker unverzichtbare Folie ist. Sie ist Ausgangspunkt für ein wildes Programm von Anspielungen, Verweisen und spleenigen Quasi-Zitaten, das erst gepaart mit unserer erlernten Fähigkeit, selbst in den reduziertesten Formen noch etwas lesen zu können, zu einem typischen Maier-Werk werden kann. Mit Krabbensucher, seiner ersten unmittelbar architekturbezogene Installation, hat der Künstler eine verblüffend einfache Lösung gefunden, seiner andauernden Recherche einen weiteren Dreh zu geben. Denn hier trifft buchstäblich zu, dass sich nicht nur – wie im Zusammenhang seiner autonomen Bildboxen zu beobachten – die Bildflächen von der Wand weg in den Raum hinein aufblättert sondern Realraum und Bildraum sind untrennbar miteinander verwoben. Das Resultat ist eine Installation, die das Publikum zu Mitverschwörern macht und es ihm nicht gerade leicht macht, sich im Sperrfeuer manieristischer Tricks zu positionieren. Zum Glück liefert der Künstler die Beute jedes Krabbensuchers gleich mit. Hoch oben im Treppenhaus hat er das Porträt des archaischen Urtiers separat platziert. Da sitzt es nun, das Krustentier, das sich mehr rückwärts und seitwärts als vorwärts bewegt.

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  • Eva Grubinger, Black Diamond Bay

    Eröffnung/Opening: 30.4.2016 13-18 h
    Dauer/Duration: 30.4.–11.6.2016 im L40/at L40 sowie/and  30.4.–30.8.2016 im Foyer des L40 und im Außenraum Rosa-Luxemburg-/Almstadtstraße/in the lobby of L40 and in the public space Rosa-Luxemburg-/Almstadtstraße
    Öffnungszeiten/Opening hours: Mi-Fr/Wed-Fr  14–18h und auf Anfrage /and by appointment

    Die Ausstellung ist am Freitag, den 6. Mai geschlossen. / The exhibition will be closed on May 6th .

    Seit mehr als einem Jahrzehnt beschäftigt sich Grubinger mit dem vielfältigen Potenzial alltäglicher Dinge, die sie aus den unterschiedlichsten Feldern bezieht – darunter Architektur, Zeitgeschichte, Literatur aber auch Minimal- und Konzeptkunst. Durch Verfremdungsprozesse mittels Material und Volumen verschiebt sie die ursprünglichen Codierungen dieser Objekte. In ihrem neuen Kontext stehen sie dann metonymisch für unsichtbare gesellschaftspolitischen Strömungen und deren unterschwellige Wirkung auf die Psyche.

    In Black Diamond Bay verfolgt Grubinger eine Anzahl miteinander verwobener Interessen: Das Maritime als Metapher, koloniale Abenteuer, Korrespondenzen zwischen der Welt vor hundert Jahren und der heutigen, sowie unterschiedliche Assoziationen zur Dunkelheit. Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf einen imaginären Ort in Joseph Conrads Roman Victory (1915), sowie auf ein Lied von Bob Dylan aus dem Jahr 1976. Diese Verbindung zwischen Musik und Seefahrt ist relevant, denn Grubingers Skulpturen verflechten Verweise auf Konzert- und Clubkultur (und den traditionell damit verbundenen pharmakologischen Erkundungen) mit der Erschließung des Ozeans. Sie erforschen die fortdauernde Verlockung, den Reiz und das Risiko einer Reise ins Unbekannte. Sie evozieren die Idee einer psychologischen Landschaft, und einer physischen wie mentalen Reise, Eskapismus und der Suche nach sich selbst, Abenteuer und das Austesten eigener und fremder Grenzen. In den Arbeiten materialisieren sich innere Zustände von Überschreitung, Eroberung, Abgrenzung, zielloses Sich-treiben-lassen und Gefahr. Fetischisierende und scheinbare Sicherheit suggerierende Outdoor-Materialien reflektieren die dualistische Natur des Menschen. Wir suchen das Unbekannte, während wir gleichzeitig an einem sicheren Ufer anlegen möchten.

    Im abgedunkelten Ausstellungsraum des L40 skizzieren diverse beleuchtete Skulpturen – die an Bühnen erinnern, während sie gleichzeitig auf Stege, Flöße, Kanus, Spinnaker Segel oder Reusen anspielen – eine Umgebung, die ständig zwischen den scheinbar unerschöpflich lockenden Versprechen von Tanzflächen und Ozeanen changiert. Referenzen durchdringen sich gegenseitig: die Seide des Segels ist gemeinsamer Bezugspunkt für Boote wie für Trainingsanzüge, die seit den 1970er Jahren von Sportlern, DJs, Rappern und Gangstern gleichermaßen getragen werden; farbiges Licht spielt auf Nachtnavigation und Club-Beleuchtung an; eine floßartige Skulptur aus Bambus und Wassergallonen glüht unter den Strahlen von UV-Licht – ein Phänomen nutzend, dass sich dem Chinin-Gehalt in Tonic-Wasser bedient, und in tropischen Kolonien gegen Malaria getrunken wurde.

    Im Foyer hängt ein Festmacherring unter der Decke, der auf einen imaginären Wasserstand verweist. Im Außenraum ist ein walartiger riesiger Bootsfender gestrandet, wie man sie von Supertankern oder großen Containerschiffen kennt. Seine Form und seine Oberfläche aus schwarzem Gummi bringen die Gefahren entfesselter Naturgewalten – sowie diverser sexueller Abenteuer – ins Bewusstsein. Zwei weitere Fender besetzen den Balkon des Ausstellungsraums wie die Überbleibsel einer ausgeuferten Party. Neben den Fendern, die als große Stoßdämpfer und Abstandshalter die Außenwelt abzuwehren scheinen, hängt ein weiteres, vergleichsweise kleines Objekt in der Ausstellung, das ebenfalls auf Risiken aus und für den Körper, und auf verschiedene Formen des Reisens in und auf Flüssigkeiten verweist: eine Schnapsflasche, die eine Crew eingelegter Kreaturen beherbergt, die unter UV-Licht selber leuchten: ineinander verschlungene Skorpione.

    Black Diamond Bay ist eine Kollaboration mit der Ausstellungsreihe fig_2 / Institute of Contemporary Arts in London, wo die Ausstellung im September 2015 in einer modifizierten Version gezeigt wurde. Die Berliner Ausstellung wurde um einige neue Arbeiten erweitert. Der Katalog ist bei Sternberg Press, Berlin erschienen.

    Eva Grubinger lebt und arbeitet in Berlin. Ihre zahlreichen internationalen Einzelausstellungen fanden unter anderem im BALTIC Centre for Contemporary Art (Newcastle), bei Kiasma (Helsinki), in der Berlinische Galerie (Berlin), der Schirn Kunsthalle (Frankfurt), im Museum Belvedere (Wien) und – aktuell – im Bloomberg Space (London) statt. Wichtige Ausstellungsbeteiligungen waren u.a. in den Deichtorhallen (Hamburg), im Taipei Fine Arts Museum, im Krannert Art Museum (Illinois), bei der Marrakech Biennale, in der Galeria Vermelho (Sao Paulo) und im Witte de With Center for Contemporary Art (Rotterdam) zu sehen. Die Künstlerin ist derzeit Vertretungsprofessorin an der Kunstakademie Düsseldorf.

    Die Ausstellung wurde durch die Unterstützung von Outset. und dem Österreichischen Kanzleramt ermöglicht.

    +++++++++++++++++++++++++ ++ ENGLISH VERSION ++++++++++++++++++++++++++++++++++

    For over a decade Grubinger has focused on the manifold signifying potentials of quotidian objects, drawn from spheres including architecture, the stages of politics, and Minimal and Conceptual art. Through processes of estranging and encoding, and shifts of material, scale and context, recognisable things indict themselves or stand as metonymic for large, invisible sociopolitical currents and their subliminal effects on the psyche.

    In Black Diamond Bay, Grubinger explores a cluster of abiding interests: the maritime as metaphor, colonial adventuring, correspondences between the world of a century ago and that of today, and associations of darkness. The exhibition title refers to an imaginary location in Joseph Conrad’s Victory (1915), as well as to a 1976 song by Bob Dylan. The connection between music and oceangoing – in a city well known for its nightlife and club scene – is here germane, as Grubinger’s sculptures intertwine references to concert/club culture (with the attendant pharmacological explorations that have historically attended it) and seafaring. In doing so they explore the ongoing appeal, and risk, of a drive towards unknown territories. They consider the idea of a psychological landscape and a physical or mental journey, escapism and the search for self, adventure and the testing of limits, materializing (inner) states of transgression, conquest, delimitation, drift and danger. Fetishised and supposedly safety-ensuring materials with regard to journeying, meanwhile, reflect a dualistic condition of human nature. We want to seek the unknown; we also want a safe shore to land upon.

    In the darkened exhibition space, variously lit sculptures – resembling stages while also alluding to piers, rafts, pontoons, a spinnaker sail, a fish trap – sketch out an environment that constantly switches between the seemingly inexhaustible, beckoning promise of dancefloors and oceans. References percolate back and forth: the sail’s silk a shared point of reference for boats, the shell suits that sportsmen have worn through the ages, DJs, rappers and gangsters alike since the 1970s, while coloured lights allude to night navigation and club lighting. A raftlike sculpture is comprised in part of watercooler bottles that glow fluorescent via quinine-laced fluids lit by ultraviolet light, referencing the alkaloid’s malaria-relieving qualities, as used in tropical colonies.

    In the foyer hangs a mooring ring, used to fix boats to harbour. It is positioned high on the wall, suggesting an imaginary waterline. Outdoors, a whale-like giant boat fender, familiar from supertankers and big container ships, appears stranded. Two other fenders occupy the balcony of the exhibition space, like leftovers from a party that has gone stormily out of control. Besides the fenders, which appear like big bumpers designed to hold the outside world at bay, there is a further, relatively small object in the exhibition that again refers to risks of and to the flesh, and various forms of travelling in and on liquid: a schnapps bottle containing a crew of creatures that themselves fluoresce under UV light: intertwined pickled scorpions.

    Eva Grubinger lives in Berlin. She has exhibited widely internationally, with institutional solo exhibitions at, among others, BALTIC Centre for Contemporary Art, Newcastle; Kiasma Museum, Helsinki; Berlinische Galerie, Berlin; Schirn Kunsthalle, Frankfurt; Museum Belvedere, Vienna, and currently at Bloomberg Space, London. She has also participated in many group exhibitions in Germany and abroad, and is currently a guest professor at Kunstakademie Düsseldorf.

    Black Diamond Bay is a collaboration with the exhibition series fig-2/ Institute of Contemporary Arts, London, where the exhibition was shown in a modified version in September 2015. The Berlin exhibition incorporates several new works. The catalogue was published by Sternberg Press.

    This exhibition has been made possible by Outset and the Austrian Chancellor’s office.

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  • Jens Wolf, Wallwork #17

    Jens Wolf, Wallwork #17


    10.12.2015 – 31.3.2016
    Eröffnung/Opening: 10.12.2015, 19 h

    For the 17th edition of Wallworks Jens Wolf was invited to generate a room filling painting from the matrix of the Pattern Boards he’s been meticulously developping for more than 10 years. It will be a rare occassion to see a blown-up version of his stylish neo-geo abstractions which are usually produced within a strictly defined set of formats.


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  • Bettina Allamoda, Newbuild

    Bettina Allamoda, Newbuild

    Wallwork #15
    03.05.—23.8.2015
    Eröffnung: 02.05.2015, 12 Uhr
     
    It has been aptly remarked that a central aspects of Allamoda’s work is tension. This is true both in terms of content as well as in a material sense. Pushing and pulling, stretching, and rotating are trademarks of her sculptures, playfully used to analyze and expose hidden politics of visibility that are inscibed into the surfaces of popular cultural phenomena such as fashion, art and architecture.
     

     
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  • Anatoly Shuravlev, Panic

    Anatoly Shuravlev, Panic

    Wallwork #16
    17.09.—31.10.2015
    Eröffnung: 16.9.2015 19 Uhr
     
    Als 16. Intervention der Reihe Wallworks im Foyer des Kunstvereins am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin zeigt der russische Künstler Anatoly Shuravlev die Videoinstallation Panic. Shuravlev hat dafür eine der Schlüsselszenen amerikanischer Western appropriiert und sie in einen durch-und-durch urbanen Kontext gebracht.
     

    Inhaltlich eng verwoben mit seiner früheren Schießarbeit Black Hole und im Titel verwandt mit den Fotoarbeiten Panic und Big Panic begegnet einem Shuravlevs Selbstporträt als schießwütiger Aktionskünstler mit der unmittelbaren Wucht des bewegten Bildes. Das hat durchaus einen Zug ins Plakative. Der aber hat weniger mit Populismus und viel mit dem Sublimen im Sinne des Erhabenen zu tun hat. Denn letztlich wird der Schock, ausgelöst durch den auf das ahnungslos vorbeiflanierende Publikum zielenden Künstler, nach zwei Minuten durch ein close-up auf das Gesicht des vermeintlich Amokschützen gemildert, der quasi parodistisch seine für Auftragskiller vollkommen unmögliche Brille mit cooler Geste auf der Nase nach oben schiebt.
     
    Das hat Stil und ist voller Ironie. Schließlich verbietet sich die Eindeutigkeit, wie sie Andy Warhol in seiner den Schrecken perpetuierenden Desaster-Serie vor der medialen Abstumpfung des Betrachters noch möglich war, heute von selbst, wenn man nicht in die Affirmationsfalle treten will.
     
    Die Installation ist täglich nach Einbruch der Dunkelheit zu sehen.

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  • Knut Henrik Henriksen, Tools

    Knut Henrik Henriksen, Tools

    Wallwork #14
    30.01.—19.04.2015
    Opening 30.01.2015 / 19 h
     
    To pursue the useless is hardly possible in a society where everything is made use of, even the mind. Nothing appears to be more frightening than to slow down the hyperactivity. Even our desires are guided by the principles of competition and exchange. Under these circumstances the cliché of a detached, inspired artistic work is worth preserving as this notion is the potentiality inherent to passivity. Like Bartleby – the scrivener from Melville’s famous short story – the artists in this show ‚would prefer not to’. Because hesitance, doubt, the act of stopping, of taking a look around make it possible for something not yet defined to enter and permeate our thoughts. This attitude is remarkable because it is now unthinkable.
     

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  • Hans-Jörg Mayer, Luzifer 2009/2014

    Wallwork #1 revisited.
    14.12.2014—24.01.2015
     

     
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