Autor: Admin

  • 2050 — Nature Morte

    Joulia Strauss, Transindigenous Environmental Front for the Green Bangalore (2019) mit Yash Bhandhari, Dharmendra Prasad, Clara Stella Hüneke, Marc Müller

    Christine & Irene Hohenbüchler
    und Klasse für Kooperative Strategien, Kunstakademie Münster
    Fabian Knecht
    Almut Linde
    Anna Meyer
    Olaf Nicolai
    Oliver Ressler
    Stefanie von Schroeter
    Joulia Strauss
    Andreas Templin
    Silke Wagner


    Öffnungszeiten:      Der Kunstverein ist derzeit Werktags Mi-Fr 14-18h geöffnet. ​Gruppen bitte nur in der allgemein erlaubten Größe. Um die Gesundheit aller ​sicherzustellen, ​bringen Sie​ bitte ihre eigene Schutzmaske mit​.​

    Ausstellungsdauer: 8.3.– 30.5.2020

    Der Klimawandel nimmt immer mehr an Fahrt auf. Das Schmelzen des Eises in der Antarktis wird z. B. die Geschwindigkeit des Meeresspiegelanstiegs wohl zumindest verdreifachen. 2050 – nature morte zeigt Kunst, die  analysiert, alarmiert und und mit Mitteln der ästhetisch-künstlerischen Aufklärung aufrüttelt. Gleichzeitig wird das Thema als politisches Sujet präsentiert. Vor allem Letzteres eröffnet Handlungsoptionen, die mithelfen wollen, den schleichenden Tod unseres Ökosystems in vielleicht letzter Minute abzuwenden oder zumindest den Verlauf der von Wissenschaftlern bereits für 2050 prognostizierten Katastrophe abzuschwächen. Dabei stehen Themen wie Anthropozentrismus und Artensterben, Temperaturanstieg und Energiewirtschaft im Zentrum des Interesses der 11 Künstler*innen aus Berlin, Frankfurt a M, Hamburg, Wien und Athen.

    Kuratiert wird 2050 – nature morte von Raimar Stange.

    Zur Finissage erscheint ein Zeitungskatalog mit Texten von Sonja Lau Abraham, Carsten Probst, Lena Reisner, Raimar Stange, Harald Welzer und Statements der Künstler*innen.

    Die Ausstellung wird unterstützt durch die Berliner Senatsverwaltung Kultur und Europa und ER Energy Rental Berlin Brandenburg GmbH. Die Installation von Fabian Knecht konnte mit freundlicher Genehmigung der AmanoGroup realisiert werden.

    From March 17th, 2020 the Kunstverein will be open by appointment only to help contain the spread of COVID-19 and prioritize the health and safety of everyone. For inquiries please contact prinz@rosa-luxemburg-platz.net.

    Climate change is picking up speed. The melting of the ice in the Antarctic for example will at least triple the estimated speed of sea level rise. ‘2050 – Nature Morte’ shows art that analyzes, alarms and shakes up with aesthetic-artistic means and presents the topic as a political subject. The latter in particular opens up options for action to help prevent the creeping death of our ecosystem at the last minute, or at least weaken the course of the catastrophe predicted by scientists for 2050. Topics such as anthropocentrism and species extinction, rising temperatures and the energy industry are at the center of interest of the 11 artists from Berlin, Frankfurt a M, Hamburg, Vienna and Athens.

    2050 – nature morte is curated by Raimar Stange. A magazine with texts by Sonja Lau Abraham, Carsten Probst, Lena Reisner, Raimar Stange, Harald Welzer and statements by the artists will be published.

    The exhibition is supported by Senatsverwaltung Kultur und Europa, Berlin,  and ER Energy Retal Berlin Brandenburg GmbH. Fabian Knecht’s installation was made possible by the friendly persmission of AmanoGroup.

  • Nika Radić, My Voice Will Go With You

    Eröffnung: 21.2.2020 19h

    ‚My Voice Will Go With You‘ ist eine Sentenz des amerikanischen Psychiaters Milton Erickson, der Mitte des 20. Jahrhunderts erstmals Hypnose regelmäßig in seiner therapeutischen Praxis angewendet hat. Die Ausstellung von Nika Radić im Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz spielt mit ericksonischen Elementen der Hypnose, um den Besuchern andere Möglichkeiten der Betrachtung der Umgebung anzubieten und die Parallelen zwischen Hypnose und Kunstwerk als Medium und Methode zu zeigen. Die drei Elemente dieser Hypnotherapie – Verwirrung, Konzentration und Metapher – spiegeln sich in der Struktur der Präsentation. Die Rauminstallation, deren zentrale Elemente eine Fotoserie und ein Video sind, spricht die Besucher*innen direkt an und lädt im Sinne Ericksons zu individuellen Betrachtungsweisen ein.

    Lecture performance ‚Hypnos‘ am 26.2.2020 um 19h

    ‚My Voice Will Go With You‘ is a statement by the American psychiatrist Milton Erickson, who first used hypnosis regularly in his therapeutic practice in the mid-20th century. Nika Radić’s exhibition at the Kunstverein on Rosa-Luxemburg-Platz plays with Ericksonian elements of hypnosis in order to offer visitors other options for viewing the surroundings and to show the parallels between hypnosis and artwork as a medium and method. The three elements of this hypnotherapy – confusion, concentration and metaphor – are reflected in the structure of the presentation. The spatial installation, the central elements of which are a series of photos and a video, addresses the visitors directly and invites them to take an individual approache to the interpretation.

    Lecture performance ‚Hypnos‘ on Feb 26th 2020, 7pm

  • Daegu Photo Biennale Special Exhibition Berlin

    Daegu Photo Biennale Special
    Exhibition Berlin

    Daegu Photo Biennale Special Exhibition Berlin

    // MorphO //
    Isolation of (portable) pressure

    Friday, August 23rd 2019, 18.00 h

    Curated by Chiara Valci Mazzara and Kim Do Hyeong with works by Riccarda Roggan, Henrik Strömberg, Jung Sung Tae, and Woo Chang Won

    The artistic director of fontaine b. Ms. Chiara Valci Mazzara together with Mr. Kim Do Hyeong on behalf of Daegu Photo Biennale and Daegu Arts Center is pleased to invite you to the opening of Daegu Photo Biennale Special Exhibition 2019.

    The show is a first step of the Biennale into the city of Berlin, focusing on two artists based in Korea and two Berlin based artists. The aim is to present a special exhibition developed to initiate the encounter between Korean and European contemporary art through the medium of photography and in the frame of Daegu Photo Biennale.

    Through the selection of artists and their specific works, the exhibition explores the differences and similarities between the artists from different geographical locations and their various systems of references, in order to presents a cohesive, yet multi-faced show. The theme of the show is the idea of MorphO (so written, where Morph-is the ever-changing pattern of the matter — figuratively and literally — and the O is an attempt to contain it and embrace it at the same time: like a circle). MorphO, not metamorphosis neither morphosis, stands for the root of the word: ‚morph‘ as for its etymological meaning. MorphO refers to the shape, the change, the form of the object, the matter, its content, its form. The friction created by an ever-changing shape and the ever-changing pieces in reference to each other creates a dialogue based on a new system of references. The aesthetics are different yet similar, based on a common intensity of the photographic investigation. The portable pressure is the pressure of the object, the physical weight and, figuratively, the one given by its past and its new content, its story and new life when translated in photographic works or in sculptural volumes.

    A catalogue produced and published on the occasion of the exhibition will be available to the guests.

    The exhibition will open with a vernissage Friday, August 23rd 2019, 18.00 and will be running for two weeks, closing with a special event on Saturday September 7th, 2019, 18.00.

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  • Elodie Seguin, hall painting

    Elodie Seguin, hall painting

    Elodie Seguin, hall painting, 2019

    15.9.–31.12.19
    Zugänglich während der Bürozeiten im Haus.

    Es ist immer eine Herausforderung Kunstwerke in den öffentlichen Raum zu bringen. Besonders wenn man im Bereich der erweiterten Malerei arbeitet. Für unsere jüngste Wandarbeit hat Elodie Seguin einen einzigartigen Ansatz definiert, der die Beziehung zwischen mehreren gemalten Objekten sowie ihre Organisation innerhalb und ihre Beziehung zum gegebenen Ausstellungsraum untersucht. Der Effekt ist Farbe als evokatives Volumen. Je nachdem von welchem Standpunkt aus sie betrachtet wird, ergeben sich jeweils unterschiedliche Effekte. In seinen reduktionistischen Tendenzen zeigt Seguins Werk eine offensichtliche Verwandtschaft mit der minimalistischen Tradition. Dennoch bleibt immer eine spontane, experimentelle Dimension in ihrem Prozess, d.h. die Installation gewinnt erst während des Malens selbst mittels Versuch und Irrtum ihre endgültige Form.

    It’s always a challenge to introduce your artwork into the public space. Particularly so when you work within the field of expanded painting. For our recent wall work Elodie Seguin has defined a unique approach which explores the relationship between several painted objects as well as their organization within and their relation to the given exhibition space. The effect is color as an evocative volume – depending on how it is confronted. In its reductivist tendencies Seguin’s work reveals an obvious affinity to the minimalist tradition. Nevertheless there invariably remains a spontaneous, experimental dimension to her process. The means that the installation will only take it’s definite shape by trial and error during the painting itself.

  • Irène Hug, Repräsentation

    Weit entfernt von der cleanen Schriftkunst amerikanischer Minimalisten oder Konzeptkünstler, konfrontiert uns Irène Hug mit ihren Botschaften in grellen Leuchtschriften, Objekten, Installationen und Fotografien. Hug bearbeitet und verwertet die typografischen Formen von Wegweisern, Logos und Reklameslogans, die weltweit urbane Räume überziehen. Mit den Techniken der Appropriation, der Montage, des Zitats und der Retusche reagiert sie auf die vorgefundenen Materialien, Situationen oder stereotypen Erscheinungsbilder, deren Bedeutung sie mittels pointierter und zugleich komplexer gestalterischer Eingriffe verändert und kommentiert.

    Für den Kunstverein hat sie eine neue Arbeit entwickelt, die mit subtilem Witz unsere Verstrickungen in omnipräsenten Konsumismus hinterfragt und uns auffordert, gleichsam hinter den Oberflächen, der wahren Bedeutung von Dingen und Worten auf den Grund zu gehen.

    Der Katalog Reading Pictures (Deutsch/Englisch) erscheint bei Fantôme, ISBN 978-3-940999-45-0
    Die Arbeit ist 24h/Tag sichtbar und kann zu üblichen Bürozeiten besucht werden.

    Far from sober artworks of American minimalists or conceptual artists involving written language, Irène Hug confronts us with her messages in glaring neon signs, objects, installations and photographs. Hug utilises and manipulates the typographic components of signposts, logos and advertising slogans that cover urban spaces worldwide. Using techniques of appropriation, montage, citation, and retouching she reacts to found materials, situations or stereotypical images, commenting on and changing their meaning using pointed but complex artistic interventions.

    The artist has conceived a new work for the Kunstverein that questions our entanglement in omnipresent consumerism, and challenges us to get, behind the surfaces, as it were, to the bottom of the true meaning of things and words.

    The catalogue Reading Pictures (German/English) is published by Fantôme, ISBN 978-3-940999-45-0
    The artwork is visible 24/24 and can be visited during usual office hours.

  • Martin Zellerhoff, Archiv

    Am letzten Tag der Ausstellung, dem 24.1.2020, ist bis 21h geöffnet.

    23.11.19—24.01.20

    Speicher, Depot, Archiv, Museum – Orte an denen Erinnerung traditionelle abgelagert werden, sind längst nicht nur Metaphern sondern konkrete Formen zeitgenössischer Kunst geworden. Bei Martin Zellerhoffs 63teiliger Serie Archiv handelt es sich um die Abbildung einer eben solchen Sammlung, angelegt als Arbeitsmaterial und private Gedächtnisstütze einer Kunsthistorikerin. Zellerhoff fotografierte die Dia-Sichtkassetten aus transparentem Kunststoff auf einem Leuchttisch, auf dem man im Zeitalter der analogen Fotografie Dias und Negative mit der Lupe betrachtete und sortierte. Der leicht desolate Zustand des Konvoluts scheint jene Bildtheorien, die den Untergang dieses Mediums vorhergesagt hatten, zu bestätigen.

    Zellerhoff, dessen Praxis sich seit langem mit Konventionen der Bildproduktion und -präsentation befasst, reflektiert in Archiv den parallelen Prozess des Verschwindens von Motiv und Medium aus der Doppelrolle des Mannes hinter der Kamera und Bildredakteurs seine eigenen Ausstellungen heraus. In der Gesamtheit der Präsentation der Serie Archiv im Raum und Re-präsention im Katalogsind die eigenen Fotos nur ein Teil der persönlichen Arbeit. Er zeigt im Grunde fremde Bildkombinationen und stülpt ihnen ein eigenes Hyperimage über. Eindeutig kann es nicht sein: Hier ist das Medium die Botschaft. Ein Medium, das strikt referenziell arbeitet. Der Fotograf als Mann mit dem richtigen Standpunkt hat sich verabschiedet. Solche Kunst speist sich aus der Überzeugung, dass Geschichte und Konventionen der Fotografie, ja der Apparat selbst dem Betrachter genug zu erzählen haben. Zellerhoffs Bilder sehen daher oft geradezu einfach – quasi ‚unkünstlerisch’ – aus, stecken aber voller Informationen, Andeutungen und Hinweisen.

    Zur Ausstellung erscheint ein Katalog (Deutsch/Englisch).

    Raimar Stange & Martin Zellerhoff: Von Archiv bis Zellerhoff – ein Gespräch über die künstlerische Arbeit von Martin Zellerhoff (dt.), 18.12.19 19h

    Ursula Panhans-Bühler & Martin Zellerhoff: Lost and found : moving image records in time & space (dt.), 23.11.19, 17 h

    Mittwoch, 15.1.2020, 19-21 h BOMSTATION EUROPE LAUNCH – The Weareable Art Runway Show. Präsentation der Kapselkollektion mit Kyong Lee und Sanghyeok Park

    Geöffnet: Mi-Fr 14-18 h und auf Anfrage / Winterpause: 21.12.19 – 6.1.20


    Storage, depot, archive, museum – places where memories are deposited traditionally have long since become not just metaphors but concrete forms of contemporary art. Martin Zellerhoff’s 63-part series Archiv deals with the depiction of a collection of this kind, created as work material and a private memory aid of an art historian. Zellerhoff photographed the transparent plastic slide cassettes on a light table on which slides and negatives were viewed and sorted with a magnifying glass in the age of analogue photography. The slightly desolate state of the compilation seems to confirm those pictorial theories that had predicted the demise of this medium.

    Zellerhoff, whose practice has long been concerned with conventions of image production and presentation, reflects in Archiv on the parallel process of the disappearance of motif and medium from the dual viewpoint of the man behind the camera and the picture editor of his own exhibition. In the totality of the presentation of the series in the exhibition space and it’s re-presentation in the catalogue, his own photos are clearly only one part of the personal work. Basically he presents alien combinations of images and imposes his personal hyperimage on them. It can not be clearer: here the medium is the message. A medium that works strictly referentially. Such art feeds on the conviction that history and conventions of photography, indeed the apparatus itself, have enough to tell the viewer. Therefore, Zellerhoff’s pictures may often look simple – almost ‚inartistic‘ – but eventually they are full of information, hints and suggestions.

    A catalogue (German/English) will be published for the exhibition.

    Ursula Panhans-Bühler & Martin Zellerhoff: Lost and found : moving image records in time & space“ (German), 23.11.19, 17 h

    Open: Wed-Fri 2-6 pm and upon request / Winter break: 12.21.19 – 1.6.2020

    Abbildung: 2/63 of Zellerhoff’s Dia-Journals

  • Øystein Aasan, Never Ending Words

    Øystein Aasan, Never Ending Words

    15.9.–8.11.2019
    Öffnungszeiten / opening hours : Mi-Fr / Wed-Fr 14–18 h und auf Anfrage / and upon demand

    Die Ausstellung vereint erstmals drei spezifische Werkkonzepte des in Berlin lebenden norwegischen Künstlers Øystein Aasan: eine Sammlung eigener Texte, seine ikonischen Bildarchivbücher und eine großformatige Installation aus historischen Fotografien und neu entstandenen Displays, die den Rahmen für die Ausstellung bilden und gleichzeitig selbst Skulptur sind. Alle drei Werkgruppen haben ihre Wurzeln in Aasans Interesse am kollektiven Gedächtnis, insbesonderen wie es in architektonischer Form symbolisch geformt ist und welche Beziehung zu individuellen Erinnerungen besteht.

    The exhibtion Never Ending Words brings together for the first time three specific work concepts by the Berlin based Norwegian artist Øystein Aasan: a collection of his own texts, his iconic picture archive books and a large-scale installation that forms the frame for the former while being sculptur itself. All three groups of works have their roots in Aasan’s interest in collective memory, specifically as it takes symbolic form in architecture and how it relates to individual memories.

  • Monique van Genderen, Shila Khatami, Ingo Meller, To Start a Painting

    Monique van Genderen, Shila Khatami, Ingo Meller, To Start a Painting

    5.6.—13.7.2019

    Letze Woche 9.-13.7.19 – Sommerpause 22.7. – 22.8.19

    Öffnungszeiten: Mi-Fr 14 – 18 h und auf Anfrage

    Ungegenständliche Malerei ist kein einheitliches Produktionsfeld. Dessen ungeachtet, stehen regelmäßig Fragen im Vordergrund, die im Bewusstsein ihres historischen, sozialen und institutionellen Rahmens formuliert werden. Parameter aktueller Formen sind in vielen Fällen Überlegungen, die Produktion und Material genauso reflektieren wie den Ort ihrer Präsentation. To Start a Painting bringt mit Monique van Genderen, Shila Khatami und Ingo Meller drei der interessantesten Positionen zusammen.

    Die kanadisch-amerikanische Malerin Monique van Genderen hat eigens für die Ausstellung eine neue, wandfüllende Arbeit entwickelt, die ausschließlich aus retro-reflektierenden Folien besteht, wie sie im Straßenverkehr verwendet werden. In ihr behauptet sie, dass Bild auch Menschen seien und – muss man unweigerlich folgern – auch so behandelt werden wollen. In gleicher Weise bedient sich die Berliner Malerin Shila Khatami einer technischen Oberfläche. Ihre raumgreifende Installation aus Metallplatten mit Auto- und Metallschutzlacken verweist auf die Werkstatt als Produktionsort, während die malerische Komposition Motive aus dem Vokabular der Stadtaneignung wie Graffiti oder Tags aufgreift und sie zu Formen aus den Traditionen und Methoden der Avantgarden des 20. Jahrhunderts in Beziehung setzt. Beide Künstlerinnen loten Elemente des Raums und der Illusion im Rahmen der Abstraktion aus. Man kann sagen, dass sie es der Oberfläche und dem Material erlaubten, eigenständig die Bildebene zu verhandeln. Ähnliches gilt für Ingo Meller. Ein beträchtlicher Teil der traditionellen Leinwand, auf der Meller seine blockartigen, gelegentlich auch verwischten Farbsetzungen aufträgt, bleibt unbemalt. Sie ist Farbe und Träger zugleich, verschmilzt beinahe mit der Wand und verbindet sich mit den satten Ölfarben der streng analytischen Farbgesten des Künstlers. Diese Entwürfe greifen weit über bloße Ästhetik hinaus, denn bei aller Strenge entwickeln Farbe und Material ein Eigenleben und sind deshalb nicht ganz ungefährlich.

    Mit freundlicher Unterstützung der rotec GmbH, Berlin

    English:

    Opening hours Wed – Fri 2 – 6 pm and upon request

    Non-representational painting is not a unified field of production. Nonetheless, regular attention is paid to painterly questions formulated in the light of its historical, social and institutional framework. In many cases, parameters of current forms are considerations that reflect production and material just as much as the location of presentation. To Start a Painting brings together three of the most interesting positions in this field: Monique van Genderen, Shila Khatami and Ingo Meller.

    The Canadian-American painter Monique van Genderen has developed a new, wall-filling work for the exhibition, which consists exclusively of retro-reflective foils commonly used in traffic. In it she asserts that images are also human and – one must inevitably conclude – want to be treated like that. In the same way, the Berlin painter Shila Khatami uses a technical surface. Her expansive installation of metal panels with car and metal protective lacquers refers to the workshop as a production location, while the painterly composition picks up motifs from the vocabulary of city re-appropriation such as graffiti or tags and relates them to forms of the traditions and methods of the avant-gardes of the 20th century. Both artists explore elements of space and illusion in the context of abstraction. One can say that they allow the surfaces and materials to negotiate the image plane almost on their own. The same applies to Ingo Meller. A considerable part of the traditional canvas, on which Meller applies his blocky, occasionally blurred color compositions, remains unpainted. At one and the same time, it blends with the wall and merges with the rich oil colors of the artist’s strictly analytical color gestures. These designs go far beyond mere aesthetics, because despite their severity, color and material have a life of their own and are therefore not entirely harmless.

    With friendly support of rotec GmbH, Berlin

  • Renata Kaminska, Phantom Monument II, 2019

    27.04.–30.06.2019

    Das Projekt der Phantom Monumente von Renata Kaminska nahm bereits vor einiger Zeit seinen Anfang, als die in Polen geborenen Berliner Künstlerin begann, zur Person Rosa Luxemburgs zu recherchieren. Wie diese ist sie in Zamość geboren. Eine biografische Koinzidenz, die Kaminska zum Anlass nahm, in Polen befindliche Orte aufzusuchen, die einen historischen Zusammenhang mit der Politikerin haben. Was sie fand war in erster Linie Nichts: verschwundene oder vernachlässigte Gebäude, keine Denkmäler, nicht mal Erinnerungstafeln. So wurde zuletzt am 13. März 2018 in Zamość die Gedenktafel entfernt, die an Rosa Luxemburg erinnert hatte. Zwar ist es inzwischen wahrscheinlich, dass das Haus, an dem die Tafel seit 1979 befestigt war, fälschlich für das Geburtshaus Rosa Luxemburgs gehalten wurde, der Grund für die Entfernung aber war – so nimmt es zumindest die Rosa-Luxemburg-Stiftung an – ein politischer und reiht sich ein in eine Reihe von Maßnahmen, die seit 2016 in unserem Nachbarland per Gesetz Straßennamen und überhaupt öffentliche Zeugnisse beseitigt, die an die Zeit des Kommunismus erinnern. Diese Form der damnatio memoriae ist seit der Antike eine gerne praktizierte Politik. Man kennt sie auch aus George Orwells Roman 1984, in dem in Ungnade gefallenen Un-personen rückwirkend vaporisiert (aus Veröffentlichungen gelöscht) werden. Dieser demonstrative Tilgung der Erinnerung an Rosa Luxemburg widmet die Künstlerin 100 Jahre nach deren Tod jetzt eine Skulpturenreihe, deren Name an die nicht vorhandenen offiziellen Erinnerungsorte und –denkmale erinnert und deren freie Form von leeren Fahnenhaltern abgeleitet ist. Ergänzt wird die Skulpturengruppe Phantom Monument II durch Infotexte im Foyer des L40.

    Die Werkgruppe der Phantom Monumente wurde, bzw. wird in unterschiedlichen Konstellationen und Größen in Warschau, Berlin, Zürich und Zamość gezeigt. Weitere Informationen unter: www.rosaluxemburg2019.eu

    Renata Kaminska’s Phantom Sculpture project started some time ago, when the Polish-born artist from Berlin began researching Rosa Luxemburg. Like her, she was born in Zamość. A biographical coincidence that prompted Kaminska to visit places in Poland that have a historical connection with the politician. What she found was in the first place nothing: disappeared or neglected buildings, no monuments, not even memorial plaques. Thus, on March 13, 2018, in Zamość, the plaque reminding of Rosa Luxemburg was removed. Although it is now likely that the house on which the board was attached since 1979, was mistaken for the birthplace of Rosa Luxemburg, the reason for the removal was – as the Rosa Luxemburg Foundation at least assumes – a political one, and it is part of a series of measures that starting in 2016 when our neighboring country started by law to eliminate street names and any public testimonies reminiscent of communism. This form of damnatio memoriae has been a popular policy since antiquity. It is also known from George Orwell’s novel 1984, in which disgraced un-persons retroactively were vaporized (deleted from publications). 100 years after her death, Renata Kaminska dedicates a series of sculptures to this demonstrative eradication of the memory of Rosa Luxemburg by installing her phantom sculptures. The very name already is reminiscent of non-existent official memorial sites and whose form is derived from empty banner holders. The Berlin group of sculptures called Phantom Monument II is complemented by information texts in the foyer of the L40.

    Phantom Monuments were or will be shown in different constellations and sizes in Warsaw, Berlin, Zurich and Zamość. Further information: www.rosaluxemburg2019.eu

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  • Jana Müller, Traces of Truth

    Jana Müller, Traces of Truth

    27.4.2019 14-18 h Vorstellung der Edition und Publikation zur Ausstellung
    Geöffnet Mi–Fr 14–18h und auf Anfrage

    Es gab immer ein erhebliches Interesse an echten Tatorten und Beweisobjekten aller Art. In Traces of Truth folgt die Berliner Fotografin Jana Müller dieser Neugier in Bildern, Collagen und Installationen. Sie begibt sich auf Spurensuche und legt imaginative Fährten.

    In den Asservatenkammern der Republik – oft triviale Orte wie Garagen und leerstehende Geschäfte – hat die Künstlerin unzählige Beweisstücke dokumentiert. So banal die einzelnen Objekte oft sind, der Lack des Bösen ist noch nicht ab. Im durchaus manipulativen Spiel mit den Assoziationen der Betrachter entwickeln sich neue unvorhersehbare Geschichten. Mit dem Blick auf die Provinz wird der seit Jahren zu beobachtende Hype medialer Verwertung wissenschaftlicher Polizeiarbeit – im Besonderen forensischer Untersuchungen in Form von fiktiven und pseudodokumentarischen Polizeiserien – aufgegriffen und weitergetrieben.

    Vordergründig handelt „Traces of Truth“ von der Wahrheit, präziser vom Verhältnis der Realität zur Fiktion und der Rolle des Objekts und des dokumentarischen Bildes in dieser Konstellation. Die Frage ist, ob sich Parallelen zwischen Künstler*innen und Verbrecher*innen ziehen lassen, insofern beide mit „krimineller“ Energie Normen und Tabus verletzen? Müller nimmt hier erstmals wieder einen Forschungsfaden auf, den Erich Wulffen in seinen Aufsätzen zur Kriminalpsychologie in den1920er Jahren begann. Die Kernfragen sind: In welchem Verhältnis stehen Verbrechen und Kunst? Inwieweit sind kriminelle und künstlerische Grenzüberschreitungen vergleichbar? Gibt es evtl. eine vergleichbaren causa, einen parallelen Antrieb für Beides?

    English:

    Open Wed-Fr 14-18h and upon demand

    There always has been a considerable interest in real crime scenes and evidence objects of all kinds. In Traces of Truth Berlin based photographer Jana Müller follows this curiosity in pictures, collages and installations. She searches for clues and sets imaginative tracks.

    In the evidence rooms of the republic – often trivial places such as garages and empty shops – the artist has documented countless pieces of evidence. As banal as the individual objects often are, the shine of evil is not yet off. In a quite manipulative game with the associations of the viewer, new unpredictable stories develop. Looking at the province, the hype of media exploitation of scientific police work that has been observed for years – in particular forensic investigations in the form of fictional and pseudo-documentary police series – has been taken up and driven on.

    Ostensibly, Traces of Truth deals with the truth, more precisely with the relation of reality to fiction and the role of the object and the documentary image in this constellation. The question is whether parallels between artists and criminals can be drawn in so far as both violate norms and taboos with „criminal“ energy? For the first time in decades Müller picks up a thread that Erich Wulffen began researching in his influental essays on criminal psychology in the 1920s. The key questions then and today are: What is the relationship between crime and art? To what extent are criminal and artistic border crossings comparable? Is there possibly a comparable causa, a parallel drive for both?