Eröffnung / Opening:
6.2.2026, 18 Uhr / 6 pm

Ausstellungsdauer / Exhibition dates:
7.2.2026 – 21.02.2026

ENG: Conceived as an off-program intervention between two exhibitions, circa unfolds at the Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz during a moment of institutional suspension. The project occupies a space that remains physically untouched, unlit, and formally undecided. Rather than proposing answers, the exhibition addresses the public through questions, activating perception instead of assertion.

The exhibition takes the threshold as both subject and condition: a space of uncertainty in which time loosens its grip and architecture becomes temporarily soft. In this interstitial moment—neither exhibition nor void—the Kunstverein appears less as a container of meaning than as a site of latency. Siciliano’s interventions are deliberately ephemeral, defined by their temporary presence and by subtle shifts in light, attention, and bodily awareness.

Light functions as the fil rouge of the exhibition, articulating a sequence with a beginning, an interlude, and an end. Each of the three site-specific installations is introduced by a single page from a book relating to it. Recreated on handmade paper, these pages bear watermarks that become visible only through backlight, recalling the traces of dried leaves or dog-eared corners that render books singular over time. The texts revealed—Ocean Vuong’s Threshold from Night Sky with Exit Wounds (2017), Ettore Sottsass’s Di chi sono le case vuote? (2021), and Paul B. Preciado’s Can the Monster Speak? (2020)—form a constellation of voices reflecting on vulnerability, abandonment, and the possibility of speech from within liminal states.

The first installation, 23:59, reflects on the construct of time that defines midnight as a decisive threshold. That single minute which marks the passage from one day to the next—mythically charged as the moment when reality alters—appears here as a suspended image in space. The refracted reflections of a disco ball are painstakingly hand-painted onto the walls using phosphorescent pigment. Charged throughout the day by natural and artificial light, these fragments emerge in darkness and slowly fade, disappearing only to be reactivated again. Time is neither linear nor resolved, but caught in a loop of appearance and disappearance.

Circa 2026 turns to the architecture of exhibition-making itself, reflecting on the white cube and its anticipated exhaustion. Neon lights—the emblematic infrastructure of contemporary display—are here replaced with tubes nearing the end of their lifespan. Flickering or shifting toward a soft pink hue, they cast the space into a state of near-darkness. The visitor enters an environment suspended in an undefined “circa,” uncertain of when illumination will fully cease. The gallery becomes a place on the verge of disappearance, a limbo removed from the certainties of both function and duration.

A third intervention, titled 37° 18’ 14,688” N, 14° 12’ 54,078” E, occupies a small window visible only from outside the Kunstverein. Printed on semi-transparent fabric, it depicts an image of sunlight filtering through shutters onto a curtain, evoking a domestic interior displaced into the public realm. The work plays with perception across time, geography, and point of view, folding present and past into a single, fragile image. Light once again defines an indefinite temporality, one that hovers between memory and immediate experience.

Elsewhere, hidden within the gallery’s restroom, an audio installation introduces recordings from other lavatories. While preserving the room’s function, the intimate sounds of anonymous bodies generate an uncanny parallel reality, collapsing private and public into a shared acoustic space.

Moving through the anteroom—whether arriving, leaving, or simply lingering—visitors encounter golden markers embedded in the floor. These reflective inlays trace the outlines of walls that no longer exist, foregrounding the layered architectural history of the site. In contrast to the exhibition’s ephemeral gestures, these markers insist on material memory, raising quiet questions about former uses, vanished divisions, and the persistence of spatial meaning. Where do these marks come from, and what do they continue to hold?

Curated by Chiara Valci Mazzara and Susanne Prinz

DEU: Als Intervention außerhalb des regulären Programms zwischen zwei Ausstellungen konzipiert, wird circa im Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz in einer Phase institutioneller Schwebe präsentiert. Das Projekt nimmt einen Raum ein, der physisch unberührt, unbeleuchtet und formal unbestimmt bleibt. Anstatt Antworten vorzuschlagen, wendet sich die Ausstellung mit Fragen an das Publikum und regt so die Wahrnehmung an, anstatt Behauptungen aufzustellen.

Die Ausstellung begreift die Schwelle sowohl als Thema als auch als Bedingung: einen Raum der Ungewissheit, in dem die Zeit ihren Griff lockert und die Architektur vorübergehend weich wird. In diesem Zwischenmoment – weder Ausstellung noch Leere – erscheint der Kunstverein weniger als Behälter von Bedeutung denn als Ort der Latenz. Sicilianos Interventionen sind bewusst vergänglich, geprägt von ihrer vorübergehenden Präsenz und von subtilen Verschiebungen in Licht, Aufmerksamkeit und Körperwahrnehmung.

Das Licht funktioniert als Fil rouge der Ausstellung und strukturiert einen Ablauf mit einem Anfang, einem Zwischenspiel und einem Ende. Jede der drei ortsspezifischen Installationen wird durch eine einzelne Seite aus einem dazugehörigen Buch eingeleitet. Diese auf handgeschöpftem Papier nachgebildeten Seiten tragen Wasserzeichen, die erst bei Gegenlicht sichtbar werden und an die Spuren getrockneter Blätter oder Eselsohren erinnern, die Bücher im Laufe der Zeit einzigartig machen. Die offenbarten Texte – Ocean Vuongs „Threshold from Night Sky with Exit Wounds“ (2017), Ettore Sottsass’ „Di chi sono le case vuote?“ (2021) und Paul B. Preciados „Can the Monster Speak?“ (2020) – bilden eine Konstellation von Stimmen, die über Verletzlichkeit, Verlassenheit und die Möglichkeit des Sprechens aus liminalen Zuständen heraus reflektieren.

Die erste Installation, „23:59“, reflektiert das Konstrukt der Zeit, das Mitternacht als entscheidende Schwelle definiert. Diese eine Minute, die den Übergang von einem Tag zum nächsten markiert – mythisch aufgeladen als der Moment, in dem sich die Realität wandelt –, erscheint hier als ein im Raum schwebendes Bild. Die gebrochenen Reflexe einer Discokugel sind mit phosphoreszierendem Pigment in mühevoller Handarbeit auf die Wände gemalt. Den ganzen Tag über durch natürliches und künstliches Licht aufgeladen, treten diese Fragmente in der Dunkelheit hervor und verblassen langsam, verschwinden nur, um wieder neu zu leuchten. Zeit ist weder linear noch abgeschlossen, sondern gefangen in einer Schleife aus Erscheinen und Verschwinden.

Circa 2026 widmet sich der Architektur der Ausstellungsgestaltung selbst und reflektiert den White Cube und dessen absehbare Erschöpfung. Neonröhren – die symbolträchtige Infrastruktur zeitgenössischer Ausstellungsräume – werden hier durch Röhren ersetzt, die sich dem Ende ihrer Lebensdauer nähern. Flackernd oder in einen sanften Rosaton übergehend, tauchen sie den Raum in eine fast vollständige Dunkelheit. Der Besucher betritt eine Umgebung, die in einem undefinierten „Circa“ schwebt, ohne zu wissen, wann die Beleuchtung vollständig erlöschen wird. Die Galerie wird zu einem Ort am Rande des Verschwindens, zu einem Schwebezustand, losgelöst von jeglicher Gewissheit hinsichtlich Funktion und Dauer.

Eine dritte Intervention mit dem Titel „37° 18’ 14,688” N, 14° 12’ 54,078” E“ nimmt ein kleines Fenster ein, das nur von außerhalb des Kunstvereins sichtbar ist. Auf halbtransparentem Stoff gedruckt, zeigt es ein Bild von Sonnenlicht, das durch Fensterläden auf einen Vorhang fällt, und evoziert so ein häusliches Interieur, das in den öffentlichen Raum verlagert wurde. Das Werk spielt mit der Wahrnehmung über Zeit, Geografie und Blickwinkel hinweg und verschmilzt Gegenwart und Vergangenheit zu einem einzigen, fragilen Bild. Das Licht definiert erneut eine unbestimmte Zeitlichkeit, die zwischen Erinnerung und unmittelbarer Erfahrung schwebt.

Anderswo, versteckt in der Toilette der Galerie, präsentiert eine Audioinstallation Aufnahmen aus anderen Toilettenräumen. Unter Beibehaltung der Funktion des Raums erzeugen die intimen Geräusche anonymer Körper eine unheimliche Parallelrealität, in der Privates und Öffentliches zu einem gemeinsamen akustischen Raum verschmelzen.

Beim Durchqueren des Vorraums – ob beim Eintreffen, beim Verlassen oder einfach beim Verweilen – stoßen die Besucher auf goldene Markierungen, die in den Boden eingelassen sind. Diese reflektierenden Einlagen zeichnen die Umrisse von Wänden nach, die nicht mehr existieren, und rücken so die vielschichtige Architekturgeschichte des Ortes in den Vordergrund. Im Gegensatz zu den flüchtigen Gesten der Ausstellung beharrt diese Markierung auf materieller Erinnerung und wirft stille Fragen nach früheren Nutzungen, verschwundenen Trennungen und der Beständigkeit räumlicher Bedeutung auf. Woher stammen diese Markierungen, und was bewahren sie weiterhin?

Kuratiert von Chiara Valci Mazzara und Susanne Prinz

Marco Siciliano was born in 1991 in Caltagirone and grew up in Milan. He now lives and works in Berlin, alternating periods in Sicily and Milan. He holds a Master’s degree in Interior Design from the Politecnico di Milano and studied sculpture with Monica Bonvicini at the Universität der Künste Berlin, where he was awarded the title of Meisterschüler in 2024. His practice explores thresholds between public and private, inside and outside, visible and invisible. Working with repurposed and deconstructed materials, Siciliano questions architectural conventions and the social orders they sustain. Across his work, transitional spaces become sites of heightened bodily awareness—moments in which one foot remains suspended, and the next step has not yet been taken.

Marco Siciliano wurde 1991 in Caltagirone geboren und wuchs in Milan auf. Heute lebt und arbeitet er in Berlin und verbringt abwechselnd Zeit in Sizilien und Milan. Er hat einen Master-Abschluss in Innenarchitektur vom Politecnico di Milano und studierte Bildhauerei bei Monica Bonvicini an der Universität der Künste Berlin, wo ihm 2024 der Titel Meisterschüler verliehen wurde. In seiner künstlerischen Praxis erforscht er die Grenzen zwischen öffentlich und privat, innen und außen, sichtbar und unsichtbar. Durch die Arbeit mit wiederverwendeten und dekonstruierten Materialien hinterfragt Siciliano architektonische Konventionen und die sozialen Ordnungen, die diese stützen. In seinem gesamten Werk werden Übergangsräume zu Orten gesteigerter Körperwahrnehmung – Momente, in denen ein Fuß noch in der Schwebe ist und der nächste Schritt noch nicht getan wurde.